O Templo das Heresias - Radio Universidade de Coimbra (107.9 FM)

Boubacar Traoré (Mali) / Al Andaluz Project (Alemanha/Espanha/Marrocos)

2011-04-17T00:24:00.011+01:00

“Uma peça da Guiné-Bissau sobre a saudade, uma canção do Senegal dedicada à paz e um feliz encontro da música griot da Guiné Conácri com a andalusa. São as primeiras heresias de hoje”.

(1) Taffetas (Guiné-Bissau / Suíça) (2) Saudade do meu amor (8:50) “Taffetas”
(2) Cissoko (Senegal) (9) Kaira (6:27) “Diam (la paix)”
(3) Djeli Moussa Diawara (Guiné Conácri) (3) Democratie (4:48) “Flamenkora”

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Boubacar Traoré nasceu em Kayes, a noroeste do Mali. Professor de profissão, Boubacar tem, no entanto, como verdadeira paixão a encantadora música de guitarras da região de Khassonke, que utiliza combinada com elementos do blues e do folk europeu.
Nos anos 70, Traoré emigrou para Paris e absorveu as influências do ocidente europeu. Quando regressou ao Mali, a sua música ganhou novos contornos e popularizou-se, passando a ser tocada regularmente na Rádio. Como Traoré não era um Jali, sentia-se livre para compor o seu próprio material, pelo que foi escrevendo letras que forneciam uma visão refrescante do reportório tradicional Mandinga.
As preocupações de Traoré são essencialmente sociais e sentimentais e a sua linguagem directa e apaixonada. As suas canções abordam todos os aspectos da sociedade e todas as faixas etárias. Encoraja a juventude a seguir os valores sociais dos seus pais, enfatiza a importância da verdade e sobrevaloriza o amor em relação ao dinheiro, entre outras mensagens.
Boubacar Traoré editou, até à data, oito registos: “Mariama“ (1990), “Kar Kar” (1992), “Les Enfants de Pierrette” (1995), “Sa Golo” (1996), “Maciré” (1999), “Je Chanterai pour toi” (2003), “Kongo Magni” (2005) e “Mali Denhou” (2011). Harmónicas, ngoni e hipnose em seis cordas cristalinas remetem-nos para o mundo do blues do Mali. As percussões do balafon e do calabash, plenas de ritmo, acompanham os passos lentos. A África profunda jorra por todos os lados!
Mais informações: http://www.lusafrica.com/4_1.cfm?p=160

(02) Mouso Tèkè Soma Ye (6:16) “Sa Golo”
(01) Mariama Kaba (5:35) “Mariama“
(05) Minuit (4:13) “Mali Denhou”
(03) Kanou (7:05) “Kongo Magni”

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“As potencialidades do oud, um instrumento de origem árabe semelhante ao alaúde, tecendo bandas sonoras do deserto e um poema litúrgico judaico das sinagogas do Magrebe. São os sons que encerram a primeira parte do Templo das Heresias”.

(1) Alla (Argélia) (4) Le Bled (12,12) “Tanakoul”
(2) Alain Chekroun & Taoufik Bestandji (Israel/Argélia) (3) Rahamekha (9,12) “Chants des Synagogues du Maghreb”

2ª Hora

“Uma Ballade do poeta francês Jehan de Lescurel e uma ballata do italiano Gherardello da Firenze, ambas do século XIV; ainda um poema anónimo da França do século XIII e uma outra ballata anónima do século XIV. Intérpretes da França, Inglaterra, Itália e Rússia abrem a segunda parte do Templo das Heresias”.

(1) Amadis (França) (3) Amours, trop vous dói cherir (4:08) “Anges ou démons”
(2) Mediva (Inglaterra) (3) I’vo’ bene (3:54) "Viva Mediva!"
(3) La Reverdie (Itália) (5) Pange melos lacrimosum (4:00) “Nox-Lux (France & Angleterre, 1200-1300)”
(4) Ensemble Syntagma (Rússia) (1) Che Ti Zova Nasconder (5:10) “Stylems: Italian Music From the Trecento”

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A implementação da ideia da formação do Al Andaluz Project é a história do encontro de duas formações musicais, os consagrados Estampie e os quase desconhecidos L'Ham de Foc. Michael Popp, director musical dos Estampie, ensemble alemão bem conhecido na cena da música medieval pela sua inovação e qualidade, após um concerto em Espanha, recebeu uma gravação dos L´Ham de Foc, uma banda de Valência que se dedica a misturar as sonoridades do Mediterrâneo oriental com a música medieval. Algumas semanas mais tarde, os valencianos actuaram em Munique, base dos Estampie, e Michael Popp, entusiasmado com o disco que recebera, aproveitou a oportunidade e propôs um projecto comum com os músicos espanhóis.
Durante os vários encontros em Munique e em Valência, altamente produtivos e inspiradores, foram trocadas experiências entre os músicos e novas ideias foram surgindo. Com três extraordinárias vozes femininas, o Al Andaluz Project dedicou-se a interpretar os géneros dominantes da música da Península Ibérica da Idade Média: A espanhola Mara Aranda a cantar os romances sefarditas, a alemã Sigrid Hausen a interpretar as cantigas galaico-portuguesas do Cancioneiro de Santa María e a marroquina Iman al Kandoussi a interpretar as canções árabes. Acompanham-nas exímios músicos espanhóis, alemães e marroquinos, que se socorrem pontualmente de percussionistas da Índia e da Rússia.
“Deus et Diabolus” (Galileo 2007) e “Al-Maraya” (Galileo 2010), os dois discos editados pelo Al Andaluz Project, até à data, dois exemplos perfeitos de autênticos intercâmbios culturais que ultrapassam datas e fronteiras, revelam um domínio perfeito de inúmeros instrumentos antigos e tradicionais (a sanfona, a nyckelharpa, o saz, o qanun, o oud, o rabab e a tabla, entre outros), sobrevoando as fabulosas vozes de Sigrid, Mara e Iman.
Mais informações: http://www.alandaluzproject.de/

(09) Hija mia (3:30) “Al-Maraya”
(09) Atiny naya (2:28) “Deus et Diabolus”
(07) La galana y el mar (5:12) “Deus et Diabolus”
(12) Las suegras de ahora (5:15) “Deus et Diabolus”
(03) Un sirventes novel (4:35) “Al-Maraya”

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“Recuando ainda mais no tempo, o Templo das Heresias incide, no final do programa de hoje, nos sons da música da Suméria e do Antigo Egipto”.

(1) Ensemble De Organographia (EUA) (11) A zaluzi to the Gods (3:49) “Music of the Ancient Sumerians, Egyptians & Greeks”
(2) Ali Jihad Racy (Líbano) (2) The land of the Blessed (6:56) “Ancient Egypt”
(3) Michael Atherton (Austrália) (17) Shen(song) (5:02) “Ankh: The Sound of Ancient Egypt”
(4) Rafael Pérez Arroyo / Hathor Ensemble (Espanha) (3) Iba Dance (6:59) “Ancient Egypt: Music in the age of the Pyramids”

Souad Massi (Argélia) / Soeur Marie Keyrouz (Líbano)

2011-03-31T23:23:00.004+01:00

“Uma canção de amor da Mauritânia, um elogio à mulher proveniente do Níger, um tema dos poetas rebeldes do Mali desértico e um manifesto político dos Sahraoui (Sahara Ocidental). São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Malouma (Mauritânia) (9) Mahma El Houb (5,49) “Dunya”
(2) Etran Finatawa (Níger) (2) A Dunya (5,03) “Desert Crossroads”
(3) Tinariwen (Mali) (3) Chatma (5,36) “Amassakoul”
(4) Mariem Hassan (Sahara Ocidental) (8) Id Chab (3,34) “The Rough Guide to the Music of the Sahara”

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“O Ciclo dedicado às músicas do mundo na Fundação Calouste Gulbenkian em Lisboa na Temporada 2010/ 2011 apresenta, dia 28 de Março, a argelina Souad Massi substituindo a indiana Anoushka Shankar que cancelou todos os seus espectáculos previstos para esta altura.
Nascida na Argélia em 1972, Souad Massi destacou-se como vocalista e guitarrista, sofrendo influências do flamenco e de cantautoras de intervenção como Joan Baez, em proveito de um estilo muito pessoal e criativo, aberto ao Norte e ao Sul, ao Oriente e ao Ocidente. Apadrinhada por importantes músicos como Geoffrey Oryema, Thierry Robin, Idir e a Orquestra Nacional de Barbes, Souad Massi rapidamente se converteu numa das revelações indiscutíveis da música do Magrebe.
Souad começou por editar o registo “Raoui” – que significa “contadora de histórias” – cujos textos, em árabe e em francês, indiciavam o surgimento de uma nova cantora de intervenção. Em 2003 editou “Deb (heart broken)”, um álbum onde Souad mostrava a sua faceta mais poética e romântica. Em 2005, a jovem argelina regressou com “Honeysuckie (Mesk Elil)”, um álbum onde se revelavam canções pop com arranjos de luxo. Após a compilação ao vivo "Acoustic", em 2010, Souad Massi regressou com o "Ô Houria", um trabalho subtil, apaixonado e desarmante onde a cantora e guitarrista argelina, radicada em Paris, incorpora as influências ocidentais nas suas raízes. À música árabe e à pop, adornadas pela voz de arabescos de Souad, juntam-se guitarras, ukelele, bouzouki, mandolim, oud, piano, acordeão e percussões várias.
Mais informações: http://www.souadmassi.net/

(01) Samira Meskina (4:02) “Ó Houria”
(01) Raoui (4:27) “Raoui”
(02) Ghir enta (5:07) “Deb (heart broken)”
(10) Why is my heart sad (malou) (6:08) “Honeysuckie (Mesk Elil)”

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“Uma canção de amor sofrido das Ilhas Baleares, um tema tradicional do México sobre a escravatura, uma melodia que exalta a beleza das paisagens de Cuba e um canto da mestiçagem típica de Cabo Verde. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Buika (Ilhas Baleares) (8) Volver (4:23) “Niña de Fuego”
(2) Lhasa (México) (5) El Payande (3:31) “La Lhorona”
(3) Omara Portuondo (Cuba) (5) Junto a un cañaveral (3:30) “Flor de Amor”
(4) Simentera (Cabo Verde) (1) Ami Xintadu (4:32) “Tr’adictional”

2ª Hora

“Uma adaptação de uma canção tradicional grega denominada “Oneiron tes kóres”, um tema anónimo sobre uma paixão por uma donzela e uma melodia tradicional do século X dos judeus iemenitas. O património sefardita na abertura da segunda parte do Templo das Heresias”.

(1) Primavera en Salonico (Grécia) (2) El sueño de la hija del rey (4:50) “Anixi sti Saloniki”
(2) Arianna Savall (Suíça) (2) Yo m’enamori d’un aire (5:08) "Bella Terra”
(3) Judith R. Cohen (Canadá) (2) Dror Yigra (7:51) “Empezar quiero contar”

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A libanesa Marie Keyrouz alia os seus profundos conhecimentos musicológicos do canto sacro ocidental e oriental a uma voz com um timbre de rara beleza e espiritualidade. Observando o ritmo ortodoxo grego, de onde uma parte da liturgia é em siríaco, os álbuns “Chant Byzantin” (1989), “Chant Traditionnel Maronite” (1991) e “Chants Sacrés Melchites” (1994) revelam-nos um trabalho que Marie Keyrouz vem desenvolvendo em prol da divulgação do canto sacro subjacente a liturgias específicas que teimam em sobreviver no conturbado e dito berço da humanidade. Em 1996, Marie Keyrouz editou “Cantiques de l’Orient”, em 1999 “Sacred songs from East & West”, em 2001 “Psaumes pour le 3ème Millénaire” e em 2003 “Hymnes to Hope”, registos carregados de salmos e hinos à esperança e de ecos do amor infinito de Deus pelo Homem.
Em 2008, Marie Keyrouz editou o seu último registo, intitulado “La Passion dans les Eglises Orientales”, produzido pela Univerkey (www.univerkey.com), sendo os benefícios da sua venda canalizados para a ajuda à escolarização das crianças desfavorecidas do Líbano. Uma vez mais, Marie Keyrouz brindou-nos com poemas líricos de inspiração religiosa, litúrgica, espiritual ou muito simplesmente humana, uma vez que “La Passion” busca a sua essência nos temas musicais mais antigos do canto tradicional maronita, melchita, siríaco e bizantino.
Mais informações: http://www.keyrouz.com/engindex.html

(01) Man hadha I malik (4:00) “La Passion”
(02) Ilahi hanayta-s-sama (8:11) “Cantiques de l’Orient”
(02) Hymnes byzantines de l’office de la Passion (7:09) “Psaumes pour le 3ème Millénaire”

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“Ensembles da Áustria, Brasil e Espanha interpretam as Cantigas de Santa Maria números 295, 100 e 122. Um dos maiores monumentos literários do Século XIII preenche, assim, a última parte do Templo das Heresias”.

(1) Ensemble Unicorn (Áustria) (6) Que por al non devess (5:43) “Alfonso X, El Sabio”
(2) Música Antiga da UFF (Brasil) (12) Santa Maria strela do dia (2:32) “Cânticos de Amor e Louvor”
(3) Grupo Sema (Espanha) I (6) Miragres muitos pelos reis faz (10:09) “Las Cantigas de Alfonso El Sabio”

Warsaw Village Band (Polónia) / Yasmin Levy (Israel)

2011-01-23T00:33:00.003Z

“Um hino cigano à Primavera entoado por uma intérprete turca, uma composição sobre a felicidade dos ciganos macedónios, uma canção folk sobre o destino e a errância dos ciganos búlgaros e um canto sobre a liberdade dos ciganos romenos. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Sezen Aksu (Turquia) (4) Hidrellez (3:51) “The Wedding and the Funeral”
(2) Esma Redzepova & Ensemble Theodosievsky (Macedónia) (4) Szelem Szelem (4:47) “Road of the Gypsies”
(3) Angelite (Bulgária) (1) Sadba (2:52) “Balkan Passions”
(4) Romica Puceanu & Orchestra Florea Cioaca (Roménia) (6) Erau Zarzarii-Nfloriti (5:33) “Cine nu stie ce-i doru”

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O grupo polaco Warsaw Village Band, constituído em 1997 por seis jovens músicos que descobriram a magia dos antigos instrumentos e dos antigos estilos vocais, produz um tipo de música a que chamam "hardcore folk", uma espécie de bio-techno no estilo "Voz Branca", um canto em forma de grito, usado no passado pelos pastores polacos. Instrumentos de cordas a soar como trombetas francesas, tambores furiosos, trance, improvisação e elementos da música das raízes são utilizados com entusiasmo e paixão pelos músicos que adoram viajar pela Polónia e pelo mundo para transmitir à sua própria geração os estilos musicais dos antigos. De entre os instrumentos tradicionais que utilizam, saliente-se a quase extinta "Suka", um tipo único de rabeca polaca do séc. XVI, tocada com as unhas. De realçar, ainda, na Warsaw Village Band, a criação de ritmos a partir de dois tambores, o que é muito pouco comum em qualquer tipo de música folk.
Para além da remix “Upmixing” (Jaro 2008) e do disco ao vivo “Live” (Jaro 2010), a Warsaw Village Band editou, até à data, quatro registos em estúdio: "Hopsasa Classic Polo", (Kamahuk 1998 / Jaro 2005), considerado o álbum folk do ano pelos ouvintes da Radio 3 Polaca e pela Revista Brum; "People's Spring" (Jaro 2001), um álbum extraordinário, vencedor do "BBC World Music Award"; "Uprooting” (2004 Jaro), o melhor álbum folk polaco do ano; e “Infinity” (Jaro 2008), em que o grupo, pela primeira vez, apresenta composições não tradicionais.
Mais informações: http://www.warsawvillageband.net/

(13) Lament (2:30) "Uprooting”
(01) Przyjdz Jasienku (1:24) "Hopsasa Classic Polo"
(02) 1.5 h (6:21) “Infinity”
(03) At my mother’s (4:16) "People's Spring"
(13) Maydów (4:42) "People's Spring"

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“Uma composição onde se exaltam as potencialidades do tambur; uma interpretação do “grande canto” do Uzbequistão, conhecido por katta ashulla; e um tema de mugham, a forma musical vocal e instrumental do Azerbaijão. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Hector Zazou & Swara (Argélia /…) (1) Zannat (4:49) “In the House of Mirrors”
(2) Munadjat Yulchieva & Ensemble Shavkat Mirzaev (Uzbequistão) (9) Ey, Dilbary Djononim (6:24) “A Haunting Voice”
(3) Alim Qasimov Ensemble (Azerbaijão) (3) Getme Getme/Aman Avdji (10:00) “The Legendary Art of Mugham”

2ª Hora

“Uma lírica da Galiza do século XIII, uma vocalização harmónica baseada nos ancestrais cantos bifónicos mongóis e um tema árabo-andaluz da Granada do século XV. Antigas composições com novas roupagens na abertura da segunda parte do Templo das Heresias”.

(1) Stellamara (EUA) (3) Zephyrus (4:36) “Star of the Sea”
(2) David Hykes (EUA) (2) True to the Times (8:06) “True to the Times”
(3) Vox (Bulgária/...) (5) While the Birds Sing (7:19) “From Spain to Spain”

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A israelita Yasmin Levy, “uma das melhores cantoras do Médio Oriente”, segundo o The Guardian, depois de ter estado em Julho de 2010 em Sines, regressa a Portugal, nos próximos dias 26 e 29 de Janeiro, para actuar na Casa da Música (Porto) e no Grande Auditório da Gulbenkian (Lisboa).
Nascida em Jerusalém (1975), filha de um profundo conhecedor do repertório da tradição ladina, Yasmin dá nova vida a letras muito antigas, provenientes dos bairros judeus habitados pelos descendentes dos exilados de Portugal e Espanha no século XVI. Cantando em ladino, espanhol, hebraico, árabe e turco, Yasmin utiliza a música dos judeus sefarditas da Península Ibérica como base das suas canções e mistura-a com o flamenco (que viria a estudar em Sevilha, onde residiu durante algum tempo). Com a sua voz profunda e espiritual, Yasmin Levy entrelaça a pureza e o romantismo da música ladina com a paixão e a sensualidade do flamenco e serve-se, ainda, das influências do Oriente e dos Balcãs. Revela, assim, um singularíssimo estilo emotivo e nostálgico que veio a merecer a aclamação da crítica internacional, com duas nomeações para os prémios da BBC Radio 3.
Até à data, Yasmin Levy editou quatro registos: “Romance & Yasmin” (2004), “La Judería” (2005), “Mano Suave” (2007) e “Sentir” (2009).
Mais informações: http://www.yasminlevy.net/

(06) Una Pastora (2:01) “Sentir”
(06) Keter (5:38) “La Judería”
(02) Mano Suave (5:26) “Mano Suave”
(07) Una ora en la ventana (4:52) “Romance & Yasmin”
(09) Me estas mirando (3:36) “Romance & Yasmin”

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“Versões modernistas de composições do Llibre Vermell de Montserrat do séc. XIV; de um manuscrito da Abadia de St. Martial de Limoges, referência na Aquitânia durante o século XII; da mística abadessa beneditina alemã do séc. XII Hildegard von Bingen e de uma cerimónia religiosa húngara. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(4) Hughes de Courson (França) (1) Stella Splendens (4:45) “Lux Obscura: a medieval electronic project”
(5) Pilgrimage (Inglaterra) (1) Campus Stella (5:10) “9 Songs of Ekstasy”
(6) Garmarna (Suécia) (6) O vis aeternitates (3:40) “Hildegard von Bingen”
(7) Lászlo Hortobágyi (Hungria) (4) Rex Virginum (6:00) “The Arcadian Collection”

Anghjula Potentini (Córsega) / Ensemble Kantika (Alemanha/França/…)

2010-12-24T02:46:00.002Z

“Uma composição baseada numa canção de amor greco-tunisina, uma prece arabo-andalusa habitualmente entoada de madrugada, um texto sagrado hebraico, um takhsefto (canto sagrado de Tagore) e um tema tradicional iraniano. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Savina Yannatou e Primavera en Salonico (Grécia) (19) Rabbi Blonni Bemlayan (3:35) “Songs of the Mediterranean”
(2) Amina Alaoui (Marrocos) (10) Batahouvat el Qama Bachahar (3:17) “Alcantara”
(3) Ruth Wieder Magan (Israel) (1) Roza Deshabbos (4:59) “Songs of the Invisible God”
(4) Evelyne Daoud (Palestina) (13) Akh tagore h’achire (4:44) “Chants sacrés”
(5) Nomad (França) (6) Manasiko (4:22) “Ciguri”

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Depois de um período de esquecimento e relativa decadência, o canto corso da tradição oral revigorou-se para atingir, no presente, uma indubitável expressividade e significado culturais. O dinâmico movimento de revivificação conseguiu levar de novo para as igrejas corsas as magníficas polifonias religiosas e, nos bistrots e alpendres, passou de novo a ouvir-se a paghjelle, a resposta profana às polifonias litúrgicas. A essa efervescência não serão certamente alheios os esforços, por exemplo, do malogrado Hector Zazou com Les Nouvelles Polyphonies Corses ou de Cinqui So, David Rueff, Donnisulana, Tavagna e Barbara Fortuna, entre outros.
Do novo fôlego do canto corso faz indubitavelmente parte a extraordinária voz de Anghjula Potentini, através dos discos “A lettera d’amore” e “Fiara”, editados pela Buda Musique.
Acompanhada por músicos talentosos, Anghjula Potentini interpreta o repertório popular corso com respeito, talento e criatividade. As letras das canções, como em todos os cantos populares corsos, são simples. Falam das esperanças, dos amores, das flores e dos corpos. E têm esse significado apenas: esperanças, vidas, ventos, dias... E o canto de Anghjula é a representação mais rude e bela que se pode fazer da voz dos anjos. A terra inóspita e os que vivem em comunhão de vidas com os elementos, conseguiram gerar essa voz que atravessa a alma, que envolve para além da mera sensação de felicidade imediata. É uma voz intemporal que tanto cria torrentes de evocação como o mais completo desejo de alegria tranquila.
Existe em Anghjula Potentini uma postura elevada de mostrar que a música popular é algo que continua a revelar tesouros escondidos.
Mais informações em: http://www.myspace.com/anghjulapotentini

(02) Amore speratu (4:26) “Fiara”
(04) Di veru è di Passione (4:56) “Fiara”
(13) Dio vi salvi Regina (2:50) “A lettera d’amore”
(10) O Dumè (2:54) “A lettera d’amore”
(04) Francesca Maria (4:26) “A lettera d’amore”
(06) Minicola (3:14) “A lettera d’amore”

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“Um tema basco sobre o exílio, uma canção tradicional da etnia Saami da Lapónia e um canto dos índios Seri de Sonora (México) que acompanha o nascimento encerram a primeira parte do Templo das Heresias”.

(1) Pedro Soler & Benãt Achiary (País Basco/França) (7) Chant d’exil (4:59) “Prés du coeur sauvage…”
(2) Wimme (Finlândia) (6) Boaimmas (5:35) “Wimme”
(3) Yaki Kandru (Colômbia) (3) Canto de los Seri (7:00) “Music from the Tropical rainforest & other Magic Places”

2ª Hora

“Curiosas interpretações da música do Antigo Egipto dão início à segunda hora do Templo das Heresias”.

(1) Ensemble De Organographia (EUA) (25) Harp piece II (2:02) “Music of the Ancient Sumerians, Egyptians & Greeks”
(2) Ali Jihad Racy (Líbano) (2) The Land of Blessed (6:56) “Ancient Egypt”
(3) Michael Atherton (Austrália) (17) Shen (song) (5:02) “Ankh: The Sound of Ancient Egypt”
(4) Rafael Pérez Arroyo (Espanha) (3) Iba Dance (6:59) “Ancient Egypt: Music in the age of the Pyramids”

(Separador)

Kantika é um ensemble de música antiga, fundado em 1998 em Paris, que se especializou no repertório pré-renascentista, desde o canto gregoriano do século XI às cantigas das cortes régias e senhoriais da Baixa Idade Média. Incidindo, sobretudo, sobre o canto sacro, o ensemble faz, no entanto, incursões regulares em áreas como o madrigal, o conto, a polifonia contemporânea ou as cantigas dos trovadores.
Liderado pela musicóloga e cantora Kristin Hoefener, este grupo vocal, geralmente composto por cinco vocalistas femininas, privilegia, no seu trabalho, o património musical medieval europeu, o culto dos santos locais e das liturgias esquecidas e a interpretação o mais próxima possível das acústicas originais. As Kantika incluem, também, uma componente de transmissão que engloba actividades como a formação contínua, oficinas com coros e grupos vocais, ateliers de design e de projectos artísticos e estágios de canto gregoriano e de músicas medievais.
Nos concertos, o Ensemble Kantika convida a audiência para uma viagem ao passado, ao universo misterioso de um mosteiro medieval, à imponência de uma catedral ou à riqueza de uma corte senhorial. No final, as intérpretes comunicam e interagem com académicos e artistas e respondem às perguntas dos interessados.
Através da vigorosa interpretação das suas cantoras, cada uma com a sua própria personalidade e potencial artístico, as KANTIKA têm contribuído, ao longo dos anos, para a revitalização da música medieval. O seu estilo musical único combina a alma de cânticos antigos com um som contemporâneo refinado, apresentado em quatro registos de arquitectura excepcional: “A summo cello” (2005), com cantos e polifonias gregorianas dos séculos XI-XII, da Aquitânia; “Lux” (2006), com cantos de manuscritos dos séculos XI-XIV, da Catedral de Apt; "O Maria Virgo” (2007), uma reconstrução de uma missa cantada na abadia cisterciense feminina de Santa Maria de Las Huelgas, em 1300; e “Estel de mar” (2009), um programa com as canções dos peregrinos medievais de veneração à Virgem Maria (século XIV).
É este último, “Estel de mar”, que contém os maravilhosos cantos do Llibre Vermell de Montserrat da Catalunha, que aqui divulgamos hoje. As Kantika editaram este registo para a Christophorus, utilizando apenas gravador, violino, rabeca e pandeiro, evitando, assim, qualquer exagero. Cantoras de diferentes origens europeias, cada uma emprestando um colorido vocal diferente, fazem de “Estel de mar”, uma gravação animada, surpreendente e cheia de contrastes.
Mais informações: http://www.kantika.com/en/news/

(02) Stella splendens (6:45)
(06) Los set gotxs recomptarem (6:32)
(11) Inperayritz de la ciutat joyosa (8:06)

(Separador)

“Um tema arabo-andaluz da Espanha medieval, um canto trovadoresco do séc. XIII, um texto bíblico e uma cantiga de amigo de Martin Codax encerram as portas do Templo de hoje”.

(1) Calamus (Espanha) (6) Quddâm (8:06) “The Splendour of Al-Andalus”
(2) Eduardo Paniagua/ … (Espanha/França/…) (5) Tres enemics e dos mals senhors ai (5:00) “Luz de la Mediterrania”
(3) Catherine Braslavsky (França) (5) Beati (3:56) “Un jour d’entre les jours…”
(4) The Dufay Collective (Inglaterra) (1) Quantas saberes amar (5:49) “Music for Alfonso the Wise”

Wimme Saari (Lapónia) / Ensemble Laude Novella (Suécia)

2010-11-22T17:16:00.017Z

“Um feliz encontro entre a ebulição rítmica do Zaire e as encantatórias vozes búlgaras, um canto libertário da Argélia, um tema tradicional do Iémen e um poema árabo-andaluz. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Ray Lema, Professeur Stefanov et Les Voix Bulgares de L’Ensemble Pirin’ (Zaire/Bulgária) (10) Lyliano Mome (3:55) “idem”
(2) Houria Aïchi (Argélia) (7) Vie Nouvelle (2:51) “Hawa”
(3) Ora Sittner/Youval Micenmacher (Israel) (1) Qyria Yéféfyia (3:57) “Lamidbar: Chants Hébreux d’Israel et d’Orient”
(4) Amina Alaoui (Marrocos) (2) Ya ‘Ouchaq (7:14) “Alcantara”

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Domingos Costa com Wimme Saari em Sines (Portugal)

O território da Lapónia estende-se pela Suécia, Noruega e Finlândia, ora por planícies e lagos numa sinfonia única de verde e azul, ora por montanhas impenetráveis e florestas cerradas de bétulas e arbustos carregados de espinhos. Por todo o lado, o inconfundível cheiro a peixe fumado, o dia vencendo a noite com o sol bailarino da meia-noite e o joikh, o canto xamânico do povo Sáami em dias festivos.
De acordo com a tradição, os Sáami são os herdeiros directos das canções dos Uldas, uma indefinida espécie de criaturas mitológicas residindo nas florestas, nos lagos e nas montanhas. Cantar de acordo com a tradição, significa, na Lapónia, fazê-lo com total espontaneidade, privilegiando a expressão de sentimentos e de emoções, sob a forma de melodias quase demoníacas. É isto o joikh, que o povo Sáami canta, seja pelo prazer de saudar o Sol, sozinhos ou em pequenos grupos perdidos na imensidão da tundra, seja durante as festas ou no decurso das reuniões de família.
A par de Ulla Pirttijärvi e Mari Boine, Wimme Saari assumiu-se como um dos maiores cantores joik. Com seis discos editados (“Wimme” de 1995, "Gierran" de 1997, “Cugu” de 2000, “Bárru” de 2003, “Gapmu” de 2004 e “Mun” de 2010) e colaborações com artistas como Hedningarna ou Hector Zazou, Wimme Saari é exímio na improvisação e na gestão do arco tímbrico exigido pelo canto gutural do joikh, apresentado a capella ou com a delicada companhia instrumental de clarinete, percussões, cordas e electrónica.
Mais informações:
http://www.myspace.com/wimmeofficial
http://www.rockadillo.fi/wimme/index.htm

(12) Agálas johtin / The Eternal Journey (Até 5:56) “Cugu”
(27) Soajaidat vuollái govcca / Take me under thy Wings (1:30) “Gapmu / Instinct”
(01) Soahkesuovva / Birch Smoke (5:21) “Mun”
(06) Boaimmás / Rough-Legged Buzzard (5:35) “Wimme”
(02) Havana (4:41) “Gierran”
(04) Suhpi / Aspen (4:15) “Bárru”

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“Uma sanaa, peça da tradição andaluso-marroquina que traduz o amanhecer dos amantes que se separam; um canto feminino dos haréns dos palácios dos sultões otomanos; e uma típica peça folk dos portos de Creta, sobre a desilusão amorosa. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Luís Delgado (Espanha) (6) Bilaya 5:04) “As-Sirr”
(2) Ensemble des femmes d’Istanbul (Turquia) (2) Gül yüzlülerin sevkine gel nus edelim mey (6:22) “Chants du Harem”
(3) Ross Daly & Labyrinth (Grécia) (6) Afou ‘Heis Allon Sti Kardia (5:27) “Mitos”

2ª Hora

“Uma Ballade do poeta francês Jehan de Lescurel (século XIV); uma Canção de Trobairitz da Condessa Beatriz de Dia (século XII); e duas Cantigas de Amigo de Pero Meogo e de Martín Códax (século XIII). São os sons que reabrem o Templo das Heresias”.

(1) Amadis (França) (12) Amours, que vous ai meffait (4:18) “Anges ou démons”
(2) Música Antiga da UFF (Brasil) (2) A chantar m’er de so q’ieu no volria (6:19) “A chantar: Trovadoras Medievais”
(3) Paulina Ceremuzynska (Polónia) (9) Levad’, Amigo, que durmides as manhanas frias (4:25) “E Moiro-me d’Amor”
(4) Ensemble Martín Códax (Espanha) (I.14) Ondas do mar de Vigo (3:01) “Devotio: Música para la Virgen y Santiago"

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Composto basicamente por Ute Goedecke (canto, flauta doce e harpa gótica) e Per Mattsson (rabeca medieval e lira da braccio), o Ensemble Laude Novella tem, no entanto, enquadrado outros músicos, dependendo do programa que escolham. Sediado em Skåne (Suécia), especializou-se na interpretação do repertório medieval e dos inícios da Renascença, sobretudo do período Ars Nova e do século XV, quando os novos sons se tornaram cada vez mais populares.
Desde a sua fundação em 1991, com o regresso a casa de Per Mattsson, proveniente da Schola Cantorum de Basileia, os Laude Novella realizaram regularmente vários programas em diferentes contextos. Concertos em catedrais e em igrejas, em ruínas de castelos e em salas de espectáculos, em escolas e em hospitais, em festivais na Suécia e noutros países e em programas de rádio e de televisão foram fazendo a delícia dos apreciadores das músicas sacra e vernácula, interpretadas pelo Ensemble.
O repertório seleccionado pelos Laude Novella é essencialmente da Europa do Sul, uma vez que não existem muitas fontes de música medieval da Suécia. Ainda assim, o Ensemble tenta incluir nos seus programas música com conexões escandinavas, tais como as canções do Livro Piae Cantiones, impresso em 1582, com raízes musicais provenientes da Idade Média.
As performances dos Laude Novella têm uma grande variedade de sons, bem do agrado do público. Para além dos numerosos concertos, (nomeadamente na Suécia, Dinamarca, Finlândia, Alemanha, Holanda, Itália, Letónia, Lituânia, Estónia, Ucrânia, Rússia e Marrocos), o Ensemble Laude Novella tem ministrado, ao longo dos anos, cursos de Música Antiga. Por outro lado, foi editando vários discos, dos quais vamos destacar “O in Italia: Instrumental & vocal music from 14th Century Italy”, que abarca a idade de ouro da música em Itália, o Trecento, século de numerosos manuscritos, música polifónica, teóricos inteligentes e excelentes compositores como Jacopo da Bologna, Francesco Landini, Antonio Zacharia da Teramo e Laudario di Cortona; “Den Bakvända Visan: Medieval music back and forth”, com os compositores dos séculos XIV e XV (Guillaume de Machaut, Jehan de Lescurel, Francesco Landini, Guillaume Dufay, entre outros) cuja complexidade e originalidade não foram ultrapassadas até ao século XX; e “Armed men & fair ladies”, com peças dos séculos XV e XVI de compositores renascentistas como Guillaume Dufay, Gilles Binchois ou Robert Morton.
Mais informações em: http://www.laudenovella.com/

(05) Par ung jour de matinée (Alexander Agricola, ~1446-1506) (1:39) “Armed men and fair ladies”
(14) Saltarello (London MS., século XIV) (4:29) “O In Italia”
(13) Tre fontane (Anónimo, 1300-tal) (4:27) “Den Bakvända Visan”
(15) Musicalis sciencia (Anónimo, 1300-tal) (2:54) “Den Bakvända Visan”
(09) Donnes l’assault a la fortresse (Guillaume Dufay, ~1400-1474) (4:35) “Armed men and fair ladies”
(17) Ave Donna Santissima (Laudario di Cortona, séc. XIII) (4:37) “O In Italia”

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“Um tema do poeta lírico, satírico e filósofo latino Quintus Horatius (65-8 a.C.), retirado das Odes; um canto aos estudantes da Finlândia do século XVI; uma Ballata de Gherardello da Firenze, (c.1322-63), retirada do códice Squarcialupi; e uma dança inspirada na música latina do século XIII. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Ensemble Cantilena Antiqua (Itália) (9) Est mihi nonum (3:49) “Epos: Music of carolingian era”
(2) Zefiro Torna (Bélgica/Finlândia) (15) Scholares convenite (3:35) “De Fragilitate: Hymns from Medieval Finland”
(3) Mediva (Inglaterra) (3) I’vo’ bene (3:54) "Viva Mediva!"
(4) Ensemble Alcatraz (EUA) (5) DS 11:11 (7:15) “Danse Royale”

Mariem Hassan (Sahara Ocidental) / Musica Ficta (Dinamarca)

2010-10-08T00:42:00.005+01:00

“Uma canção tradicional da Mauritânia dedicada aos homens; um canto dos tuaregues do Mali sobre as recordações da juventude; um tema de música mística de transe da Argélia; e um tema de música Gnawa de Marrocos, dedicado aos Sherfa, os santos descendentes do profeta Mohammed. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Khalifa Ould Eide & Dimi Mint Abba (Mauritânia) (7) Art’s Plume (8:03) “Moorish Music from Mauritania”
(2) Tinariwen (Mali) (12) Chabiba (3:20) “Imidiwan: Companions”
(3) Hasna El Becharia (Argélia) (06) Galbi (3:55) “Smaa Smaa”
(4) Hassan Hakmoun (Marrocos) (1) Sala Alla ‘Alik Dima Dima (4:10) “The Fire Within”

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Mariem Hassan, a residir actualmente em Barcelona, é a mais importante voz e, de certa forma, a embaixadora da música do Sahara Ocidental. Fazendo-se acompanhar por tambores tradicionais, alaúdes, guitarras e baixo, canta apaixonadamente os blues do deserto e narra as difíceis condições do povo Saharaui.
Nascida em 1958, perto da cidade santa de Smara, Mariem Hassan, vivendo no seio de uma família modesta (que criava camelos e caprinos), não pertencia a uma família de Igawa (griots), embora a música fosse uma parte importante da sua vida familiar. O seu pai tinha uma boa voz e a sua mãe cantava habitualmente em aniversários, casamentos e outras celebrações; a sua tia Zaina era conhecida como cantora e dançarina, o seu tio Bushad como um poeta e, de entre os seus irmãos, um é guitarrista e outro compositor. Mariem seguiu-lhes as pisadas e, ainda muito jovem, quando o Sahara ainda pertencia à Espanha, começou a cantar em pequenas festas privadas e a participar em reuniões clandestinas, onde o povo saharaui desenvolvia a sua cultura musical.
Mariem tinha dezassete anos quando a "Marcha Verde" teve lugar. Os dois irmãos militares levaram a família para o enclave de Mjeriz, a primeira etapa do exílio, e de lá para a Argélia, a um passo da inóspita Hamada. Depois da Espanha ter deixado o Sahara Ocidental a Marrocos e à Mauritânia, o povo Saharaui, antes maioritariamente nómada, passa a viver no exílio, em grandes campos. Mariem passou vinte e sete anos no campo de Smara (Argélia) e aí nasceram os seus cinco filhos.
Mariem Hassan começou por enquadrar o grupo El Hafed (que, mais tarde, mudou o nome para Mártir Luali), com o qual viajou para vários países participando em eventos culturais carregados com um alto teor político. No entanto, em plena guerra com Marrocos, eram muitas vezes boicotados por activistas e funcionários marroquinos no estrangeiro. Foi preciso esperar até 1998 para poder desfrutar da voz de Mariem Hassan, sobretudo com o grupo Leyoad, que actuou por toda a Europa. Após quatro anos de trabalho intensivo com a editora espanhola Nubenegra, Leyoad afirma-se graças à permanência no seu seio de Mariem Hassan e de Nayim Alal, duas das maiores figuras da música saharaui. Em 2002, Mariem gravou com o grupo um disco de medej e, desde então, consolidou-se como uma artista solo, participando em numerosas tournées e apresentações, sob o seu nome próprio. Esporadicamente actuava, no entanto, com as mulheres saharaui, com quem gravou Medej, uma colecção de cantos espirituais antigos.
A consagração final chegou com "Deseos", o seu primeiro álbum a solo, uma obra ardente, sólida e plena de ritmo, que aparentemente não deixa perceber as duas tragédias que ocorreram durante a sua realização, a leucemia e morte do seu produtor e o cancro da mama da própria Mariem.
Em 2009, Mariem Hassan regressou com "Shouka" (A espinha), um hino desafiante, honesto e eloquente, para orgulho e alento do povo saharaui, bem como de dor e suplício desde a invasão marroquina do Sahara Ocidental, em 1975. A voz de Mariem, com a sua intensidade e poder, é a espinha cravada na alma mórbida da consciência marroquina e na apática amnistia internacional. A sua paleta de emoções oscila entre o desafio e a melancolia, evocando o amor pela pátria e a alegria do ardente vento do deserto. Todas estas cores estão pintadas com palmas cadenciadas, tebales (tambores) ressonantes, coros efusivos, clarinetes evanescentes, guitarras hipnóticas e a suavidade dos nay (flautas). A experiente produção de Manuel Domínguez converte este complexo manifesto político numa das mais importantes edições discográficas do ano.
Mais informações:
http://www.nubenegra.com/artistas/index_ampli.php3?id=36

(01) Azzagafa (4:49)
(04) Baba Salama (4:17)
(11) Hinwani (3:11)
(02) Terwah (3:23)
(10) Ragsat naáma (3:55)

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“Um tema onde um ensemble ocidental penetra nos meandros do klezmer, a música judaica do leste europeu, entre duas composições onde o oud, o zarb, o daf, o gatam, congas e percussões indianas interagem maravilhosamente com saxofones, contrabaixos, trompetes e flautas; Extraordinárias fusões do jazz com as sonoridades tradicionais encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Michel Bismut/… (Tunísia) (2) Ludio (7:26) “Ur”
(2) John Zorn/Masada Chamber Ensembles (EUA) II (1) Tannaim (4:38) “Bar Kokhba”
(3) Rabih Abou-Khalil (Líbano) (1) Sahara (8:18) “Blue Camel”

2ª Hora

“Um canto aos estudantes da Finlândia do século XVI, um tema sobre um rei sobrenatural das montanhas da Noruega e uma balada da Suécia sobre uma mulher do mar que simboliza os desejos carnais. A música medieval da Escandinávia na abertura da 2.ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Zefiro Torna (Bélgica/Finlândia) (15) Scholares convenite (3:35) “De Fragilitate: Hymns from Medieval Finland”
(2) Agnes Buen Garnas/Jan Garbarek (Noruega) (5) Venelite (7:34) “Rosensfole: Medieval Songs from Norway”
(3) Lena Willemark/Ale Möller (Suécia) (2) Gullharpan (6:33) “Nordan”

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O ensemble Musica Ficta, sediado em Copenhaga, fundado em 1996 pelo compositor e maestro Bo Holten, é um notável grupo vocal profissional que se dedica à música antiga. Tendo-se especializado em música vocal, na polifonia, em madrigais e na música medieval, o grupo tem trabalhado exclusivamente em projectos temáticos, com base na ideia de que a experiência musical é reforçada pelas perspectivas histórica, literária ou filosófica, que desempenham um papel activo na programação. Entre outros, lançou registos dedicados à Renascença, à música da corte do Rei Cristian III, a cantigas dinamarquesas, a músicas infantis e a canções de Natal.
Em 1999, os Musica Ficta editaram o extraordinário registo “Medieval Music in Denmark”, que abarca as primeiras referências conhecidas da música dinamarquesa, desde o século IX ao XV. O registo, editado pela Dacapo, inclui uma polifonia parisiense do século XIII, encontrada numa notável fonte da Dinamarca, e versões dinamarquesas de canções do repertório internacional. Ilustra, assim, tanto a contribuição dinamarquesa para a música europeia como os contactos musicais que a Dinamarca desfrutou com o resto da Europa na Idade Média.
Em certa medida, a Música Medieval na Dinamarca e nos outros países escandinavos, tem sido quase sempre sinónimo de baladas nórdicas para dançar, que dependem da cooperação entre o vocalista principal, que narra uma história na língua vernácula, e sua audiência, que dança. Mas, apenas um pequeno número de peças medievais sobreviveram na Dinamarca e torna-se mesmo difícil decidir o que é dinamarquês dessa época. Há autores que consideram virtualmente impossível constituir um programa que inclua exclusivamente a música medieval da Dinamarca, mesmo que se utilizem fontes dinamarquesas. Contudo, é possível (e os Musica Ficta fizeram-no com mestria) elaborar um programa com uma ou outra conexão com a Dinamarca do ano 1000 até cerca de 1500, quando os reis dinamarqueses, tal como outros príncipes da Europa do tempo, começaram a dar ênfase à música como uma importante actividade cultural das cortes.
Mais informações em: http://www.myspace.com/musicafictadk

(12) Dromdae mik aen drom (c. 1300) (1:21)
(05) Decus regni (1170) (2:54)
(03) Regalis ostro sanguinis (2:06)
(07) Maria candens lilium (c. 1450) (2:29)
(18) O rosa in Iherico (c. 1450) (1:12)
(14) Mith hierthae brendher (c. 1450) (2:10)
(16) Nicolai solempnia (c. 1450) (1:23)

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“Um hino da Escócia do século XIII, retirado do Manuscrito Uppsala; o mais antigo tema secular inglês conhecido, de um anónimo de cerca de 1250; um conhecido poema do género “canções de raparigas” do Minnesänger alemão Walther von der Vogelweide (c. 1170 – c. 1230); uma composição polaca do século XVI, de devoção à Virgem; e um tema da Hungria do século XVIII, sobre damas e bruxas. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Graysteil (Escócia) (3) Hymn to St Magnus (5:14) “Music from the Middle Ages and Renaissance in Scotland”
(2) Ensemble Belladonna (Suécia/Canadá/Alemanha) (3) Miri is while sumer ilast (3:03) "Melodious Melancholye”
(3) Freiburger Spielleyt (Alemanha/Suíça) (12) Under der linden na der heide (4:27) “O Fortuna”
(4) Dekameron (Polónia) (18) Zdrowa Badz Maria (3:25) “Ave Mater, O Maria!”
(5) Musica Historica (Hungria) (3 What a pity that I will remain single (4:13) “Dames and Witches”

Hasna el Becharia (Argélia) / Diabolus in Musica (França)

2010-08-28T01:58:00.005+01:00

“Um poema escrito em Bagdad sobre a errância do autor, uma canção que exalta a beleza da aurora no Alto Egipto, um tema dos tuaregues do Sahara de devoção a uma jovem e um canto do Povo Saharaui sobre a paixão e o desespero. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Jon Balke/Amina Alaoui (Noruega/Marrocos) (3) Jadwa (5:17) “Siwan”
(2) Ganoub (Egipto) (10) Leli (6:26) “… en arabe veut dire Sud”
(3) Tamikrest (Mali) (2) Aicha (3:18) “Adagh”
(4) Mariem Hassan (Sahara Ocidental) (3) La Tumchu Anni (4:47) “Deseos”

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Natural de Béchar, uma localidade situada na área desértica do sudoeste da Argélia, Hasna El Becharia é a única mulher no Magrebe a tocar música Gnawa. Género praticado exclusivamente por homens - desde que as crenças animistas dos Bilad es-Sudan (em árabe, a Terra dos Negros, hoje Guiné, Senegal, Mali, Níger e Chade), vindas do outro lado do deserto, se reuniram com a fé monoteísta do Islão, - exerceu, no entanto, um fascínio em Hasna, levando-a a romper com a tradição.
A opção de Hasna El Becharia fez com que fosse alvo de grande rejeição e sarcasmo, mas a sua mente e alma estavam irrmediavelmente embrenhadas na música mística de transe que aprendera com o pai, um homem devoto, ele próprio um maâllem (mestre do sincretismo Gnawi - o plural de Gnawa).
Hasna El Becharia começou por interpretar, durante cerca de 30 anos, as músicas tradicionais dos árabes e berberes do deserto, sobretudo peças para abrilhantar casamentos. Primeiro tocou numa espécie de guitarra acústica denominada gumbri (um baixo arcaico de três cordas, tradicionalmente feito de tripa). Depois adoptou, também, a guitarra eléctrica, não para se aproximar do rock - que chegou à Argélia no final dos anos 50 -, mas para melhor se fazer ouvir durante os concertos, onde o público abafava a sua voz, quando se lhe juntava nas suas músicas. Exímia instrumentista, Hasna toca, ainda, oud, darbouka, bendir e até banjo.
Em 2002, com cerca de cinquenta anos de idade, Hasna lançou o seu álbum de estreia, Djazaïr Johara (Argélia, a Jóia) (Label Bleu/Indigo), em Paris, onde entretanto se radicara, após tomar parte no Festival Femmes d’Algérie, em 1999. A gravação, na altura destacada no “Templo das Heresias”, conta com grandes músicos da Argélia, mas também de Marrocos, Tunísia e Níger.
Em 2010, Hasna El Becharia regressa com Smaa Smaa (Il canto di Lilith/Lusafrica), gravado entre as dunas do Sahara, com simples e extraordinários instrumentos acústicos, descrevendo-o como um álbum muito pessoal. Uma vez mais, Hasna canta com uma voz calma, profunda e quase masculina e expressa inteiramente a sua espiritualidade numa linguagem contemporânea. Por um lado, desenvolve um estilo enraizado na tradição (nos ritmos gnawi, mas também nos populares estilos chaâbi da Argélia e Marrocos) e, por outro, pisca os olhos às novas sonoridades, pontuadas por guitarras, clarinete e violino.
Mais informações: http://www.myspace.com/hasnaelbecharia

(01) Smaa Smaa (5:12)
(02) Sadrak(4:09)
(06) Galbi (3:55)
(09) Hamou (5:19)

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“Uma fusão suíço-guineense em que as sonoridades da kora entrelaçam brilhantemente nos instrumentos de cordas ocidentais, uma morna cabo-verdiana adornada com arranjos de cordas egípcias, uma guajira (dança de salão de Cuba e um curioso diálogo entre as tradições do Senegal e das Caraíbas. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Taffetas (Guiné Bissau/Suíça) (1) Fano Keita (7:50) “Taffetas”
(2) Cesária Évora (Cabo Verde) (3) Vento de Sueste (4:44) “Nha Sentimento”
(3) Guillermo Portabales (Cuba) (10) Al Vaivén de mi Carreta (3:17) “El Carretero”
(4) Orchestra Baobab (Senegal) (7) Hommage a Tonton Ferrer (5:52) “Specialist in all Styles”

2ª Hora

“Um mawwal, isto é, um tema livre e com introdução improvisada, cantado em circunstâncias felizes; um poema andaluz do século XII interpretado numa métrica longa, próxima da Mashri egípcia; e um texto místico baseado na música otomana clássica. A poesia litúrgica judeo-espanhola na abertura da 2.ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Naguila (França) (1) Rahamekha (7:08) “Chants Mystiques Séfarades”
(2) Meirav Ben David-Harel/Yaïr Harel/Nima Ben David/Michèle Claude (Israel) (1) Yedidi Hashakhakhta (7:11) “Yedid Nefesh – Amant de mon âme”
(3) Alia Mvsica (Espanha) (2)Nostalgia y alabanza de Jerusalém (5:58) “El Camino de Alia Mvsica”

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Desde 1992, o grupo francês Diabolus in Musica tem-se dedicado ao estudo e interpretação de todas as músicas medievais, desde o canto gregoriano até a grande polifonia do século XV.
Fundado e dirigido por Antoine Guerber (tenor e exímio instrumentista – harpa e tambores, consoante o repertório), editou até à data 14 discos, o último dos quais "Rose Tres Bele: Chansons & polyphonies des Dames trouvères" (2010 Alpha).
Neste registo, o ensemble explora todos os aspectos da presença feminina no repertório dos trouvères, os trovadores do norte da França medieval. Para o efeito, recorreu a vários tipos de fontes: as cantigas atribuídas às mulheres pelas rubricas de vários manuscritos (autoria feminina), embora sejam raras (dos 250 trouvères conhecidos, apenas oito são mulheres); os (poucos) poemas falados nas vozes femininas (a voz da mulher), embora não seja certa a sua autoria; algumas das cantigas trovadorescas anónimas expressas gramaticalmente na voz feminina, supondo-se que, algumas delas, tenham sido de facto escritas por mulheres; e as canções religiosas em langue d'oïl que dão uma ideia dos sentimentos das mulheres medievais.
Apesar de alguns estudos sobre a matéria, a voz da mulher na literatura medieval é um enigma. O historiador Georges Duby defendeu, por diversas vezes, que na Idade Média a representação da mulher era claramente moldada por uma perspectiva masculina (clérigos, escribas ou directores espirituais), fazendo com que a vida real das mulheres fosse inacessível e os seus pronunciamentos praticamente inaudíveis. Por sua vez, as teorias de Pierre Bec (1979) de que nenhuma das cantigas dos Trouvères foi escrita por mulheres e de Michel Zink (1977) de que a cantiga feminina seria uma ficção artística criada pelo homem, nomeadamente no género chanson de toile (cantigas de tear) prevaleceram durante muito tempo.
Alguns pesquisadores, no entanto, já não afirmam que cada canção com um texto falando do ponto de vista da mulher foi escrita por um homem. Acreditam que, pelo contrário, as mulheres foram as autoras de um grande número de peças que não só lhes dão uma voz, mas que também exploram toda uma gama de sentimentos e comportamentos que são supostamente característicos das mulheres. O facto de, a partir do século VI, a Igreja ter condenado as canções escritas por mulheres demonstra não só a sua existência, mas também, e sobretudo, a sua popularidade. O famoso moçárabe kharjas, por exemplo, no século XI, evidenciou um tipo de canções de mulheres, provavelmente canções de dança, em torno da bacia do Mediterrâneo. Por outro lado, romances do século XII, no norte da França, incluem muitas inserções líricas, compostas e cantadas por uma das heroínas. Além disso, vários textos, como também uma rica iconografia, provam que, no século XIII, havia muitas mulheres cantoras e instrumentistas no norte da França, nomeadamente as jongleresses na corte e na cidade e as freiras de clausura nos conventos. Nos estatutos da guilda de menestréis de Paris de 1321, por sua vez, surge a referência a “menestreus et menestrelles, jougleurs et jougleresses” e cita trinta e sete nomes, incluindo os de nove mulheres.
O programa dos Diabolus in Musica tem como objectivo mostrar que as mulheres da Idade Média se expressavam lírica e musicalmente, mesmo que a imagem que dão delas possa ser transmitida através do prisma masculino. O eco da voz que chega até nós, embora em surdina, mantém, por vezes, uma incrível e singular força e vitalidade, levantando uma ponta do véu que mantém as vozes das mulheres medievais ainda envolto em mistério.
Mais informações em: http://www.myspace.com/ensemblediabolusinmusica

(15) Dudous Jhesu (5:11)
(01) Las, Las, Las (2:54)
(02) Onques n’aimai (6:48)
(11) Amours que vous ai meffait (3:34)
(06) Margot, Margot (2:15)

(Separador)

“O extraordinário tema La Serena (Si la mar era de leche), dos judeus sefarditas expulsos de Espanha no século XVI, em diferentes versões. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Mosaic (Israel) (12) La Serena (2:19) “Yiddish & Judeo-Spanish Songs”
(2) Ensemble Lyrique Ibérique (Marrocos/França) (12) La Serena (3:43) "Romances Judéo-Espagnoles”
(3) Renaissance Players Winsome Evans (Austrália) (7) Si la mar era de leche (6:40) “The Sephardic Experience, Volume 4: Eggplants”
(4) Ensemble Accentus (Áustria) (2) La Serena (3:26) “Sephardic Romances”
(5) Azam Ali (Irão) (29 La Serena (4:32) “Portals of Grace

Aromates (França) / Martin Best Medieval Ensemble (Inglaterra)

2010-07-18T23:31:00.002+01:00

“Um texto religioso judaico, um canto cigano da Rússia, uma canção tradicional da Sérvia e uma melodia de sevdah (característica de Herzegovina). São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) The Klezmatics (Israel/EUA) (10) Ale Brider (até 3:56) “Brother Moses Smote the Water”
(2) Loyko (Rússia) (I. 16) Gulya (5:47) “Road of the Gypsies”
(3) Boris Kovac & Ladaaba Orchest (Sérvia) (12) In Bukovac (4:40) “Ballads at the End of Time”
(4) Mostar Sevdah Reunion (Bósnia/Herzegovina) (10) Psenicica Sitno Sjeme (3:01) “Mostar Sevdah Reunion”

(Separador)

O Ensemble Aromates, liderado por Michèle Claude, depois de lançar dois discos na Alpha, dedicados à música arabo-andalusa do Médio Oriente (“Jardin de Myrtes: Mélodies andalouses du Moyen-Orient” e “Rayon de Lune: Musique des Ommeyades”), propôs-se agora revisitar a música do nordeste do Mediterrâneo, mais precisamente do sul dos Balcâs.
No cruzamento entre o Oriente e o Ocidente, os Balcâs possuem uma dupla herança em que as influências se encontram e se fundem para dar origem aos estilos típicos da região. Sob a influência otomana durante alguns séculos, os Balcâs apreenderam e guardaram o gosto pelos ritmos irregulares que Bartok qualificou de ritmos “Aksak”, termo turco que significa “coxo”, reassumindo também a designação de uma moda balcânica muito conhecida, a famosa “moda Bartok”.
Conhecida pelas suas danças e pelos seus cantos religiosos, a música balcânica possui, no entanto, um restrito repertório de música erudita e Michèle Claude e os Aromates optaram por tentar colmatar essa lacuna. A líder dos Aromates mergulhou, assim, nos perfumes de temas búlgaros, macedónios ou gregos, piscou o olho à música erudita e à improvisação e baseou-se em ornamentações ocidentais e nas melodias ciganas.
“Aksak: Mélodies du sud des Balkans” (2009 Alpha), o resultado desse fascínio pelas sonoridades da Península Balcânica, assume-se, assim, por um registo inovador, que nos revela um surpreendente oriente erudito. Para o efeito, músicos de formação clássica utilizaram instrumentos antigos (viola de gamba, sanfonas, saltério, organeto, clavecino, percussões) e mais modernas (flautas, violões, contrabaixo…) e deambularam entre a tradição e a improvisação.
Mais informações: http://www.myspace.com/aromates

(11) Manaki (4:00)
(02) Dospat (5:08)
(10) Graovsko (4:26)
(04) Danse 25 (5:00)

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“Um tema de Jaipongan, o género musical característico do oeste da ilha de Java, uma canção do Cambodja de apelo ao esforço, um canto devocional do Tibete e uma história épica do tempo da última dinastia da China. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Idjah Hadidjah (Indonésia) (5) Arun Bandung (7:11) “Sundanese Jaipong and other Popular Music”
(2) Musicians of the National Dance Company (Cambodja) (1) Breu Peyney (4:52) “Homrong”
(3) Yungchen Lhamo (Tibete) (8) Dradul Nyenkyon (4:10) “Tibet, Tibet”
(4) The Guo Brothers & Shung Tian (China) (11) The Dream of the Red Mansion (5:30) “Yuan”

2ª Hora

“Uma canção sefardita em Ladino, a língua dos judeus que habitaram a Península Ibérica na Idade Média; uma Cantiga de Santa Maria, de Afonso X, o Sábio, de Leão e Castela (1221-1284); um poema do século XIII do trovador germânico Walter Von der Vogelweide; e um tema da famosa abadessa visionária do século XII, Hildegard von Bingen. A música medieval à luz das novas tecnologias.”

(1) Suzy (Turquia) (3) Mar de leche (3:30) “Herencia”
(2) Maciej Malenczuk & Consort (Polónia) (6) Strela do dia (3:31) “Cantigas de Santa Maria”
(3) Jaramar (México) (3) Palästinalied (5:14) “Lenguas”
(4) Garmarna (Suécia) (7) Virga ac diadema (6,47) “Hildegard von Bingen”

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Martin Best é um dos intérpretes mais importantes do repertório dos trovadores medievais. Fundador de um ensemble de música medieval com o seu nome, é um exímio instrumentista, tendo aprendido guitarra clássica com dois dos maiores mestres do século vinte, Andrés Segovia e John Williams.
Martin Best começou a carreira de músico com uma grande variedade de álbuns instrumentais e vocais abarcando vários séculos (música popular inglesa desde Shakespeare até ao século XX) e diferentes grupos linguísticos (inglês, espanhol, francês e provençal).
Em 1981, Best aperfeiçoou a sua especialidade às tradições dos trovadores europeus, o que, a determinada altura, considerou como o seu "primeiro amor". Nessa altura, resolveu formar o Martin Best Medieval Ensemble, com o qual lançou uma série de gravações, acusticamente inovadoras, sobre um grupo de poetas e de composições, nomeadamente Guiraut Riquier, Bernart de Ventadorn, italianos e franceses contemporâneos de Dante, trovadores e trouvéres, o Lamento de Tristano e as Cantigas de Santa Maria.
Martin Best dá primazia ao texto e é suficientemente comunicativo. É certo que não tem propriamente a mais bela das vozes, mas o que faz, soa de forma convincente e natural, dando a sensação de que passou toda a sua vida a cantar estas canções. Acompanham-no Jeremy Barlow, David Corkhill McLachlan e Alastair, que tocam uma variedade de instrumentos, incluindo tamborim, rabeca, guitarra mourisca, pandeiro, saltério, oud e alaúde.
Graças ao Martin Best Medieval Ensemble, há uma série de gravações excelentes que dão um sabor generoso da música e da época dos trovadores, cuja influência na poesia e na música foi substancial, e cujos comentários sobre usos e costumes da Idade Média são referências inestimáveis para a compreensão de certos aspectos da época. Da discografia do Martin Best Medieval Ensemble, salientam-se: “The Last of the Troubadours (The Art & Times of Guiraut Riquier 1230-1292)" (1981 Nimbus), cuja música e poesia celebra o último exemplar conhecido da longa tradição da poesia cantada, que começou no sudoeste da França, no final do século XI; “The Dante Troubadours” (1982 Nimbus), que explora um grupo de trovadores, (Guiraut de Bornelh, Bertran de Born e Arnaul Daniel), que foram colocados por Dante no auge da tradição lírica provençal; “Songs of Chivalry” (1982 Nimbus), que celebra as peripécias dos cavaleiros da França dos séculos XII e XIII; e “Cantigas of Santa Maria of Alfonso X” (1987 Nimbus), que, naturalmente retratam a riqueza das poesias dedicadas à Virgem, no tempo de Afonso X, o Sábio, rei de Castela.
Mais informações em:
http://test.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=41:38894~T1

“Cantigas of Santa Maria of Alfonso X”
(07) Muit é mais a piadade (2:57)
(05) A Santa Maria dadas sejan loores (0:48)
(08) A Virgen, que Deus Madre est (1:25)
(18) Santa Maria loei (0:51)
“The Dante Troubadours”
(08) Can vei la lauzeta (3:40)
“The Last of the Troubadours”
(03) No.m say d’amor (4:16)
(05) Planh for the Lord of Narbonne (4:04)
“Songs of Chivalry”
(17) Pois tals sabers (4:46)
(05) Tan tai amors (3:34)

(Separador)

“Uma Ballade do poeta francês Jehan de Lescurel e uma ballata do italiano Gherardello da Firenze, ambas do século XIV; um tema anónimo da França do século XIII; e um romance do Al-Andaluz de Pérez de Hita do século XVI. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Amadis (França) (3) Amours, trop vous dói cherir (4:08) “Anges ou démons”
(2) Mediva (Inglaterra) (3) I’vo’ bene (3:54) "Viva Mediva!"
(3) La Reverdie (Itália) (5) Pange melos lacrimosum (4:00) “Nox-Lux (France & Angleterre, 1200-1300)”
(4) Begoña Olavide (Espanha) (1) Paseabase el Rey Moro (5:31) “Mudejar”

Tamikrest (Touaregs) / Ensemble Mediva (Inglaterra/…)

2010-06-20T03:04:00.006+01:00

“Texturas mágicas extraídas do rabab, um instrumento de 13 cordas do Afeganistão; a música dos Uigures, o grupo étnico mais importante da China; e uma excelente demonstração do throat singing, o canto harmónico de Tuva. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Stephan Micus (Alemanha) (4) For M’schr and Djingis Khan (6:24) “Implosions”
(2) Pasha Ishan & Dalirhan (China) (4) Primavera Branca (3:54) “Vozes e Ritmos do Oriente, Vol. I”
(3) Ensemble Tuva (Tuva) (3) Tying Siirtuktiilerining Iri(5:41) “Voices from the Land of the Eagles”

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O grupo tuaregue Tamikrest, cujo nome significa "o nó, a junção ou a coligação", uma referência ao facto dos membros da banda serem provenientes de diferentes regiões, é constituído por sete jovens músicos originários do Mali, do Níger e da Argélia. Formaram-se em 2006 para expressar a identidade do povo nómada que habita o deserto do Sahara, nos países citados e na Líbia. Sob o lema "Um deserto nos rege, uma língua nos une e uma cultura nos aproxima", os Tamikrest exprimem-se orgulhosamente em Tamasheq, a língua dos tuaregues, e cultivam o rock Ishumar, a música rebelde tuaregue. Andy Morgan, durante muitos anos gerente dos Tinariwen, aponta-os mesmo como “o futuro da música Tamasheq”.
Ousmane Ag Mossa, o líder dos Tamikrest, teve uma infância fustigada pelos ventos implacáveis da história recente dos Tuaregues e esse facto reflecte-se na sua música. As secas de 68 a 74 quase destruíram os rebanhos e, com eles, o antigo modo de vida nómada dos Tuaregues e as secas de 84 e 85 quase deram o golpe final. Milhares de tuaregues jovens fugiram para o exílio na Argélia, Líbia, Burkina Faso e arredores e assim nasce o moderno estilo de música tuaregue alimentada pela raiva, saudades, frustrações e sonhos de uma vida melhor. Esta geração de homens Tuaregues, conhecida como Ishumar, retornou ao Mali e ao Níger, em 1990, para se revoltar contra a indiferença, a corrupção e a arrogância dos governos nas capitais distantes de Bamako e de Niamey. É neste contexto que se situam os Tamikrest.
Revelando-se determinados na afirmação da música tuaregue e prosseguindo os caminhos trilhados pelos Tinariwen - os pioneiros e expoentes do rock Ishumar - de quem se consideram "filhos espirituais, os Tamikrest centram-se sobretudo na repressão de que são vítimas os tuaregues na actual sociedade maliana e na luta pela auto-determinação do povo nómada. Naturalmente que também louva o deserto, um lugar fundamental para os Tuaregues. E foi nas dunas de seda de Essakane, no Festival do Deserto de 2008, que encontraram os Dirtmusic, grupo que, mais tarde, retorna ao Mali para gravar o álbum "BKO" e apresentar os Tamikrest, bem como Fadimata dos Tartit e Lobi Traoré. Daí à gravação de “Adagh” (2010 Glitterhouse Records), o álbum de estreia dos Tamikrest, produzido por Chris Eckman dos Dirtmusic, em Bamako, a capital do Mali, foi um passo.
Ao ouvirmos os primeiros acordes de “Adagh", de imediato os associamos às melodias intensas e hipnóticas do blues e do rock dos seus vizinhos Tinariwen, nomeadamente nos inevitáveis ecos do estilo de guitarra rítmica galopante. Ainda 2010 vai a meio e já está encontrado o Álbum do Ano.
Mais informações em: http://www.myspace.com/tamikrest

(04) Tamiditin (3:37)
(02) Aicha (3:18)
(09) Adagh (3:07)
(01) Outamachek (3:24)
(05) Aratane N' Adagh (5:10)

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“Um bhajan, canto tradicional sagrado de devoção proveniente da Índia; e uma curiosa composição inspirada no canto bifónico dos monges budistas do Tibete, enriquecida por sonoridades provenientes de instrumentos orientais (tabla, oud, zarb). São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Shri Anandi Ma (Índia) (3) Guru Vandan (11:51) “Divine Bliss”
(2) David Hykes (EUA) (2) True to the Times (8:06) “True to the Times (How to be?)”

2ª Hora

“Um poema do século II da autoria de Mesomedes, da Grécia Antiga; uma demonstração das potencialidades da lira de Ur (Mesopotâmia) no 3.º milénio a.C. e da cithara na Roma Antiga; e uma dança do Antigo Egipto, dedicada à deusa Hathor, de cerca de 2500 a.C.”

(1) Ensemble De Organographia (EUA/Grécia Antiga) (6) Invocation of Calliope and Apollo (3:22) “Music of the Ancient Greeks”
(2) Janet Smith (EUA/Suméria) (4) The Hurrian Hymn (4:52) “Seven Modes for an Ancient Lyre”
(3) Synaulia (Itália) (5) Symphoniaci (5:50) “Music from Ancient Rome, Vol. 2: String Instruments”
(4) Rafael Pérez Arroyo/Hather Ensemble (Espanha) (3) Iba Dance (7,08) “Ancient Egypt: Music in the Age of the Pyramids”

(Separador)

O ensemble Mediva, liderado pela proeminente inglesa Ann Allen, tem sido um imaginativo grupo medieval que se tem dedicado, sobretudo, à interpretação do repertório dos séculos XII a XV. Surgiu no cenário musical em 1998 com um brilhante concerto no Royal Academy of Music e, a partir daí, passou a enquadrar os principais eventos dedicados à música antiga. Composto por uma mistura eclética de dez intérpretes, o grupo foi criado com a intenção de trazer paixão e vida à música de épocas anteriores e de ir além da sua autenticidade, experimentando-a com o jazz, a improvisação, o teatro e a dança. Com efeito, os Mediva fazem música medieval surpreendentemente moderna através de arranjos inovadores e de exímias performances que podem ir do desempenho num organum do século XI a partir da notação original num proeminente Festival de Música Antiga até ao balançar roqueiro, à improvisação e aos cruzamentos num qualquer clube nocturno.
Inovação e diversidade são as características principais dos Mediva, alimentadas pela visão criativa e energia de Ann Allen e pelo contributo de cantores e multi-instrumentistas, expoentes nas suas áreas e recrutados em toda a Europa, que actuaram com alguns dos principais grupos medievais, como Alla Francesca, Sarband, Lucidarium, Les Haulz et Les Bas e Micrologus. Apresentando uma mistura exótica de instrumentos medievais e árabes, como o oud, saz, shawms, flautas, harpa, saltério, violino e percussão, bem como uma variedade de técnicas do canto para se adequar a cada repertório, os Mediva desenvolveram uma nova forma de executar a música medieval e, ao invés de tentarem recriar o passado, usam a música antiga como fonte de inspiração para um novo som do mundo.
Até à data, os Mediva lançaram dois registos: “Viva Mediva!” (2000 Mediva), em que as sofisticadas polifonias de Itália do século XIV intercalam na perfeição com as Cantigas de Santa Maria (Afonso X, o Sábio de Castela) e as Cantigas de Amigo (Martin Codax), do século XIII; e “Gabriel's Message” (2005 Mediva), uma celebração do Advento, que reúne peças dos manuscritos ingleses dos séculos XIII ao XV e que retratam a visita do Anjo Gabriel à Virgem Maria.
Mais informações em: http://www.mediva.co.uk/

(10) Mui grandes noit' e dia (3:59) “Viva Mediva!”
(13) Verbum caro factum est (3:10) “Gabriel's Message”
(03) I’vo’ bene (3:54) “Viva Mediva!”
(08) Nota (2:01) “Gabriel's Message”
(03) Edi beo thu hevene quene (5:53) “Gabriel's Message”
(08) Ondas do Mar (3:53) “Viva Mediva!”

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“Uma Cantiga de Santa Maria, de Afonso X, o Sábio, de Leão e Castela (1221-1284); uma composição anónima da Catalunha, do famoso Llibre Vermell de Montserrat (século XIV); e um canto de devoção da Itália das Comunas. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Obsidienne (França) (3) Como somos per conssello (6:32) “Miracle! Cantigas d’Alfonso el Sabio”
(2) Abendmusik (Espanha) (2) Los set gotxs (7:19) “Música en tiempos de las Catedrales”
(3) La Reverdie (Itália) (5) Voi ch’amate (5:10) “Laude di Sancta Maria”.

Kroke (Polónia) / Ensemble De Organographia (Suméria, Egipto e Grécia Antiga)

2010-05-08T01:12:00.005+01:00

“Dois curiosos cantos tradicionais joikh da etnia Saami da Lapónia, um poema árabo-andaluz sobre o estado estático em que a luz divina nos penetra e um lamento de uma alma touareg atormentada. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.
(1) Sainkho/Ned Rothenberg (Tuva/EUA) (5) Lake Song (5:10) “Amulet”
(2) Wimme (Lapónia) (2) Alit Guoldu (4:17) “Wimme”
(3) Steve Shehan (EUA) (1) Wajd (4:08) “Safar”
(4) Toumast (Mali-Touaregs) (9) Amidinine (6:06) “Ishumar”

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Os Kroke (nome que em Yiddish significa Cracóvia) são um trio polaco especializado na música klezmer, a música tradicional judaica instrumental da Europa do leste. O grupo é formado pelo contrabaixista Tomasz Lato, pelo violinista, flautista e pianista Tomasz Kukurba e pelo acordeonista Jerzy Bawoł, colegas da Academia de Música de Cracóvia. Todos têm formação clássica e conhecimentos de jazz e já tocaram com Ravi Shankar, Bustan Abraham, Klezmatics, Van Morrison, Natacha Atlas e Nigel Kennedy. Começaram a sua carreira internacional em 1993, em Jerusalém, num Encontro de sobreviventes do Holocausto promovido por Steven Spielberg, que ficara impressionado quando os viu actuar num auditório de Cracóvia, na altura das filmagens de “A Lista de Schindler”. Em Portugal, actuaram em 2000, no Seixal, aquando da 11.ª edição do “Cantigas de Maio”. Têm até à data oito registos editados, sendo “The Sounds of the Vanishing World” (1999) - o excelente quarto registo, premiado pela crítica discográfica alemã - o responsável pela sua vinda a Portugal.
O último “Out of Sight” (2009 Oriente Musik/ Megamúsica) é um registo onde, naturalmente, predominam os andamentos klezmer, mas enriquecidos com doses controladas das músicas tradicionais grega e turca, sefardita, cigana, clássica e jazz. O resultado é um exótico caldeirão de sonoridades ora melancólicas ora festivas, mas sempre com um toque assumidamente contemporâneo.
Mais informações em: http://www.kroke.krakow.pl/html_en/main_en.html

(02) Janitsa (5:33)
(01) Medinet (5:23)
(06) A Luftmentsch (6:48)

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“Uma dança apocalíptica da Jugoslávia que envolve o tango nas típicas secções de metais dos Balcãs e uma peça instrumental tradicional do Egipto que evoca o tempo dos faraós. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Boris Kovac & Ladaaba Orchest (Jugoslávia) (2) Begin-ing (7:57) “The Last Balkan Tango”
(2) Mahmoud Fadl (Egipto) (4) Ishlonak (9:05) “Love Letter from King Tut-Ank-Amen”

2ª Hora

“Um poema do século XVI do húngaro Bálint Balassi, sobre o sofrimento de um jovem apaixonado; um tema inspirado nos Cátaros, um movimento espiritual dos séculos XII e XIII; uma canção dos judeus sefarditas de Izmir; e um cantiga do trovador do século XII, Berenguer de Palol, da Catalunha.”
(1) Musica Historica (Hungria) (I.5) Siralmas nékem idegen földen (2:05) “Jelentem Versben Mesémet (Songs of Bálint Balassi)”
(2) Zefiro Torna (Bélgica) (16) Tan tai mon còr (4:44) “Compilation CD”
(3) Amadis (França) (6) Reina de la gracia (5:42) “Cantos de la Vida: Chansons de l’Espagne Médiévale”
(4) Ensemble Cantilena Antiqua (Itália) (3) De la gençor qu’om vey (6:48) “Berenguer de Palol: joys amors et chants”

(Separador)

É impressionante que tenham sobrevivido ao tempo um número significativo de composições e de textos teóricos sobre a música da Grécia Antiga. Autores como Platão e Aristóteles, entre outros, contribuíram com informações teóricas, a educação musical e o papel da música na sociedade. Aristoxenus, um discípulo de Aristóteles, escreveu sobre os aspectos práticos da performance musical e, juntamente com Euclides, Pitágoras e Ptolomeu, foi um importante precursor da acústica. Por sua vez, um tratado de Alípio constituiu a principal fonte de informações para a interpretação da notação musical grega. Esses documentos escritos serviram de modelos para os tratados teóricos posteriores e ajudaram a moldar o curso da música ocidental e do Médio Oriente.
Outros meios de informação sobre a música grega antiga foram adquiridos a partir dos objectos de arte sobreviventes, especialmente esculturas e pinturas em vasos, que retratam músicos e instrumentos. Por outro lado, há, ainda, uma série de auloi e de outros instrumentos sobreviventes.
Lamentava-se, no entanto, o facto de existir na actualidade apenas um pequeno número de composições da Grécia Antiga. Felizmente, graças a pesquisas recentes, mais de 50 exemplos desse emocionante repertório foram descobertos com notação musical, nomeadamente em Oxyrhynchus (Egipto) e incluídos, pela primeira vez, nos registos do Ensemble De Organographia, um extraordinário grupo de Oregon (EUA) constituído por Philip Neuman e Gayle Neuman, especializado na música da Antiguidade, da Idade Média, do Renascimento e do século XIX.
Descobertas arqueológicas na Síria e no Iraque, durante as últimas décadas, trouxeram ao conhecimento novos documentos musicais que têm aumentado bastante a nossa compreensão da música antiga. Textos que descrevem a notação musical da Babilónia foram descobertos em Ur e em Ashur e composições escritas nesse sistema foram encontrados em Ugarit e Nippur. Essas descobertas ajudaram a clarificar a arte musical Sumero-Babilónica e, enquanto as informações sobre a notação musical egípcia permanecem obscuras por comparação, várias descrições verbais de performances instrumentais e alguns documentos musicais que sobreviveram ao tempo foram identificados.
Na gravação “Music of the Ancient Greeks” (1995, 1997 Pandourion Records), aparece a maior parte do repertório grego antigo existente, preservado principalmente na pedra e no papiro, abarcando quase 800 anos (desde o século V a.C. ao século III), excepto algumas peças que se pensa serem apócrifas, vários fragmentos muito curtos, e uma série de outras peças que aparecem em “Music of the Ancient Sumerians, Egyptians & Greeks”, (2006, 1999 Pandourion Records). O repertório desta gravação remonta ao século XX a.C. e vai até ao século III e inclui, entre outras, as instruções musicais para o hino a Lipit-Ištar, o Rei da Justiça, que é considerado o mais antigo exemplo de notação musical sobrevivente até ao nosso tempo. As selecções abarcam temas em diferentes estados de preservação, desde o quase perfeito “Hino 6 a Hurrian”, até a pequenos fragmentos de melodia e texto.
Todos os instrumentos utilizados nos discos são originais (o par de címbalos krotala, por exemplo) ou cópias de instrumentos antigos, construídos principalmente pelos executantes, a partir de representações iconográficas, nomeadamente a lira, cítara, pandoura, salpinx, trichordon, aulos, psithyra, sistro, monokalamos, siringe e tympanon.
Mais informações em: http://www.emgo.org/performers.htm
Discos disponíveis em: http://www.northpacificmusic.com/

“Music of the Ancient Sumerians, Egyptians & Greeks”
(25) Harp Piece II (6th c. BC) EGYPTIAN MUSIC (2:02)
(01) Musical Excerpts (2th c. AD) GREEK MUSIC FROM EGYPT (3:02)
(11) A Zaluzi to the Gods (c. 1225 BC) SUMERO-BABYLONIAN (3:49)
“Music of the Ancient Greeks”
(15) Dramatic lament on Ajax's suicide (late 2nd c. AD) (4:26)
(02) Hymn to the Sun, Mesomedes (2nd c. AD) (2:45)
(17) Christian hymn (3rd c. AD) (Oxyrhynchus 1786) (2:27)
(06) Invocation of Calliope and Apollo, Mesomedes (2nd c. AD) (3:21)

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“Uma composição de Hayne van Ghizeghem, do século XV, do Cancioneiro do Escorial; um tema espanhol anónimo, do século XVI; uma extraordinária versão do tema Ave Maria, proveniente da Bielorrússia; e uma cantiga do poeta Gillebert de Berneville, do século XIII, da Aquitânia. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.
(1) Speculum (Espanha) (15) De Tous bien playne (4:49) “Splendor: Cancionero de El Escorial Vol. IV”
(2) Carlos Bica & Azul (Portugal) (8) Ay! Linda Amiga (6:23) “Twist”
(3) Vyatchescav Kagen-Paley (Bielorrússia) (2) Ave Maria Remix #3 (5:39) “Trance Planet, Volume Three”.
(4) Constantinople (Irão/...) (2) De moi dolereus vos chant (5:00) “Constantinople”

Ali & Toumani (Mali) / Ensemble Cantilena Antiqua (Itália)

2010-04-12T00:36:00.004+01:00

“Um casamento perfeito entre as vozes do Gabão e a música clássica europeia; um canto de encorajamento ao trabalho, da Costa do Marfim; um tema inspirado nos cânticos dos pigmeus da África Central; uma variação baseada nas melopeias tradicionais dos nativos americanos; e uma melodia dos índios Shawnee (EUA), habitualmente entoado no final das colheitas. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.
(1) Lambarena (Gabão/Alemanha) (2) Sankanda+Lasset uns den nicht zerteilen (5:00) “Bach to Africa”
(2) Nipa (Ghana) (13) Adjiman Mo (2:12) “Ghana a Capella”
(3) Zap Mama (Bélgica/Zaire) (1) Mupepe (3:50) “Zap Mama”
(4) Faraualla (Itália) (8) Spirits (2:22) “Faraualla”
(5) Yaki Kandru (Colômbia) (9) Canto de los Shawnee (2:16) “Music from the Tropical Rainforest & Other Magic Places”

(Separador)

“Ali Farka Touré nascera em 1939, na aldeia de kanau, junto ao rio Níger, no nordeste do Mali e, aos 67 anos de idade e 55 de carreira de sucesso, foi vencido pela morte. Começou por ganhar proeminência no seu país natal, depois em toda a África Ocidental e, finalmente, no resto do mundo, graças a um contrato com a editora inglesa World Circuit, do qual resultaram dez álbuns, alguns deles em parceria. Celebrado como o John Lee Hooker africano, Ali Farka Touré venceu um grammy graças a “Talking Timbuktu” (1993), álbum gravado em Los Angeles com Ry Gooder, e outro graças a “In the Heart of the Moon” (2005), com Toumani Diabaté, troféus que acrescentou a outros já ganhos anteriormente no Mali.
Toumani Diabaté, de 50 anos de idade, é conhecido como o maior tocador de kora do planeta, a harpa de 21 cordas que tantas vezes aqui divulgámos. Descendente há 71 gerações dos griots mandinka, os contadores de histórias do ocidente africano, Toumani Diabaté foi promovido ao mercado World Music ocidental graças à sua colaboração com os espanhóis Ketama em “Songhai” e “Songhai 2”. Em 99, Toumani Diabaté encetaria novas parcerias: com Ballaké Sissoko e com Taj Mahal, das quais resultaram respectivamente os brilhantes álbuns “New Ancient Strings” e “Kulanjan”, aqui atempadamente destacados.
Em 2005, Ali Farka Touré e Toumani Diabaté criaram o fabuloso “In the Heart of the Moon”, vencedor de um grammy, e, em 2010, regressam com “Ali & Toumani”, um álbum gravado pouco antes da morte de Ali Farka Touré. Para a sua realização contam com a contribuição de Orlando "Cachaíto" López no baixo, Vieux Farka Touré nas congas e vocais, Souleye Kane e Ali Magasa nas vozes e Tim Keiper na percussão. Tal como em “In the Heart of the Moon”, o que podemos ouvir em “Ali & Toumani” são complexas tapeçarias musicais, tecidas através de sinuosos mas sempre dialogantes improvisos, que se entrecruzam com uma elegância e espiritualidade transcendentes. Desta vez maioritariamente instrumental, “Ali & Toumani” revela-nos os dois mais importantes músicos do Mali ao seu melhor nível. Edição da World Circuit e distribução da Megamúsica.
Mais informações em: http://www.worldcircuit.co.uk/#Home

(03) Be Mankan (5:07)
(10) Machengoidi (5:01)
(09) Fantasy (2:15)
(01) Ruby (5:50)

(Separador)

“Temas populares nostálgicos provenientes do Peru e do México; um bolero de Cuba; um diálogo entre as tradições do Senegal e das Caraíbas; e um tema tradicional de Cabo Verde. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Susana Baca (Peru) (3) Heces (2:48) “Susana Baca”
(2) Lila Downs (México) (10) Paloma Negra (4:30) “Una Sangre One Blood”
(3) Buena Vista Social Club (Cuba) (7) Veinte años (3:32) “Buena Vista Social Club”
(4) Orcherstra Baobab (Senegal) (7) Hommage à Tonton Ferrer (5:52) “Specialist in all Styles”
(5) Simentera (Cabo Verde) (1) Ami Xintadu (4:32) “Tradictional”

2ª Hora

“Um poema árabo-andaluz do século XI; um hino religioso bizantino à Virgem Theotokos; e uma Cantiga de Santa Maria do século XIII, de Afonso X, de Castela.”
(1) Jon Balke/Amina Alaoui (Noruega/Marrocos) (3) Jadwa (5:18) “Siwan”
(2) Sophia Papazoglou (Grécia) (13) At the Beauty of your Virginity (8:22) “World Festival of Sacred Music Europe”
(3) Ensemble Wayal (França/Espanha) (13) A que por nos salvar (4:11) “Cantigas et Romances: Chants d’amour et de sagesse (XIe-XIVe siècles)”

(Separador)

O Império Carolíngio marca um momento importante na história da poesia e da música medieval do ocidente europeu. No manuscrito Lat 1154, da Aquitânia, escrito entre o final do século IX e o início do século X, agora guardado em Paris, encontraram-se uma série de composições, algumas delas com notação musical, relacionadas com factos históricos do tempo de Carlos Magno. Constitui, assim, uma verdadeira compilação testamentária da cultura carolíngia e um precioso contributo para entendermos a música e a poesia do primeiro milénio.
Ainda que em reduzido número, as canções incluídas no manuscrito representam um importante “repertório” da época, oferecendo o conhecimento da tradição épica e do quotidiano, com fortes reminiscências da tradição latina clássica, nomeadamente de Virgílio, Horácio e Boécio. Com efeito, o período carolíngio foi fundamental para o renascimento de uma tradição clássica que as invasões bárbaras tinham interrompido. De facto, um conjunto de elementos da tradição greco-romana serviu de base para a emergência de uma nova cultura.
É sobre as produções poéticas e musicais do Império Carolíngio, que o Ensemble Cantilena Antiqua, se debruça no fabuloso registo “Epos: Music of Carolingian era” (Documenta, 2009). Fundado por Stefano Albarello em Bolonha (Itália), em 1987, e composto por músicos que se especializaram em realizar simultaneamente repertórios sagrados e profanos, o Ensemble Cantilena Antiqua encetou uma investigação cuidada em fontes musicais, na literatura e na história da época medieval, assegurando, o mais possível, uma fidelidade à tradição, de modo a preservar os sons e os estilos originais do período que abarcam. Naturalmente que o Ensemble Cantilena Antiqua faz uso de réplicas de instrumentos do tempo para aprofundar particularmente o aspecto do desempenho, nomeadamente as tibiae (flautas), a fidula (instrumento de cordas), a cithara, a lyra, o psalterium (dulcimer) e a percussão.
“Epos: Music of Carolingian era” contém, assim, preciosas relíquias de uma época musicalmente pouco explorada e quase nunca interpretada nos tempos modernos. Ouvi-lo significa uma oportunidade única para desfrutar do mais antigo repertório medieval profano que chegou até nós, bem como do seu encanto poético e sonoro.
Dos dois temas anónimos retirados do manuscrito Lat 1154 e incluídos em “Epos”, saliente-se Planctus Karoli ("Lamento [sobre] a morte de Carlos Magno"), um poema associado ao Renascimento Carolíngio em letras latinas e um elogio ao monarca Carlos Magno, escrito em verso, pouco depois da sua morte em 814. Também retirados de Lat 1154, incluem o disco dos Cantilena Antiqua dois poemas contemporâneos: Ut quid iubes pusiole de Godescalcus de Orbais (teólogo e poeta nascido na Saxônia, expulso do mosteiro de Fulda, após ter sido acusado de heresia), que aborda a sua grande angústia sobre o exílio; e Aurora cum primo mane de Agilbertus (poeta e diplomata de ascendência franca, que passou os seus primeiros anos na corte de Carlos Magno e, mais tarde, se tornou abade em Saint-Riquier), que retrata a batalha de Fontenoy. De Boécio (Severinus Boethius, c. 475 a 480 - 524), filósofo, estadista e teólogo romano (cuja reavaliação da sua figura e obra se deve à dinastia carolíngia) estão incluídos em “Epos” duas composições do seu trabalho “De philosophiae consolatione”. De Horácio (Quintus Horatius, 65 - 8 a.C.), poeta lírico, satírico e filósofo latino nascido em Venúsia (Itália), cuja obra exerceu forte influência sobre os autores renascentistas e classicistas em geral, estão incluídos os temas Albi ne doleas e Est mihi nonum retirados das Odes. De Virgílio (Publius Vergilius Maro, 70 - 19 a.C.), cantor da tradição criadora e conservadora da grandeza de Roma e o poeta mais conceituado do seu tempo estão em “Music of Carolingian era” os temas Aeneis Liber II e Aeneis Liber IV retirados da obra-prima Eneida, que, surpreendentemente, continha já fragmentos de música, constituindo, assim, um precioso documento que atesta o facto de que, no início da Idade Média, era uma prática comum cantar os versos desse monumental poema.
Mais informações em: http://web.tiscali.it/cantilenantiqua/

(02) Ut quid iubes pusiole (7:04)
(01) Bella bis quinis (6:16)
(07) Albi ne doleas (3:23)
(09) Est mihi nonum (3:49)

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“Uma cantiga trovadoresca de Guilhem de Peitieu, do século XII; uma Canção de Trobairitz da Condessa Beatriz de Dia, também do século XII; e uma Cantiga de Amigo, de Martim Codax, o supremo trovador de Vigo, do século XIII. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.
(1) La Capella Reial de Catalunya/Hespèrion XXI/Jordi Savall (Espanha) - (I.11) Pos de chantar (6:06) “Le Royaume Oublié: La Croisade contre les Albigeois/La tragédie Cathare”
(2) Música Antiga da UFF (Brasil) (2) A chantar m’er de so q’ieu no volria (6:19) “A chantar: Trovadoras Medievais”
(3) The Dufay Collective (Inglaterra) (13) Mandad’ei comigo (5:52) “Music for Alfonso the Wise”.

Staff Benda Bilili (Congo) / Speculum (Espanha)

2010-03-21T23:40:00.006Z

“A kora e o balafon da Guiné Bissau, do Mali e da Guiné Conákri tecem melodias sobre o baixo, o trombone e a guitarra de músicos da Suíça e dos EUA. Extraordinários encontros entre compositores ocidentais e africanos abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.
(1) Taffetas (2) Saudade do meu Amor (8:47) “Taffetas”
(2) Roswell Rudd & Toumani Diabate (1) Bamako (4:50) “Malicool”
(3) Djeli Moussa Diawara & Bob Brozman (3) Almany (5:42) “Ocean Blues”

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Staff Benda Bilili é um grupo de músicos de rua, proveniente de Kinshasa (Congo), que se afirmou como uma das grandes revelações de 2009, tendo ganho o prémio de melhor intérprete do ano, no Womex (World Music Expo).
O núcleo dos Staff Benda Bilili é composto por quatro cantores / guitarristas, todos eles deficientes físicos, que sofreram de poliomielite quando eram jovens, e se movimentam em cadeiras de rodas ou triciclos espectacularmente personalizados. São apoiados por uma secção de ritmo, composta por crianças e adolescentes de rua abandonados e que foram tomados sob a protecção dos membros mais velhos da banda. O solista é um jovem de 18 anos de idade que toca solos surpreendentes, numa espécie de alaúde de uma corda que ele próprio projectou e construiu a partir de uma lata. Paraplégicos, incapazes de trabalhar, pobres e forçados a viver na rua da República Democrática do Congo, recebendo um diminuto apoio do estado, os jovens tornaram-se músicos de rua, até que foram descobertos por um par de cineastas franceses e lançam “Très Très Fort”, o primeiro álbum.
Produzido por Vincent Kenis, o responsável pelo som electro-artesanal dos Kasaï Allstars e dos Konono nº1, e editado pela etiqueta belga Crammed Discs (distribuição Megamúsica), “Très Très Fort”, apresenta letras poderosas, que chamam a atenção para uma série de importantes questões sociais, nomeadamente a pobreza, a deficiente saúde pública e a violência em África. A música, criada a partir de instrumentos acústicos inventados, é uma mistura de sonoridades tradicionais e modernas, com pitadas de jazz cubano, afro-pop, soul, rumba, rhythm'n'blues e reggae.
Imagine-se todos os músicos do grupo sentados em círculo, a tocar e a cantar (em várias línguas) construindo harmonias vocais (uma das suas imagens de marca), alimentando-se uns aos outros, interagindo com os espectadores, com performances todas diferentes. Com efeito, a maior parte de “Très Très Fort” foi gravado ao ar livre, nos enclaves desabrigados próximos do jardim zoológico em Kinshasa, onde os membros da Staff Benda Bilili chamam de casa há bastante tempo.
A música de Très Très Fort é poderosa, familiar e agradável e transpira uma emoção desconcertante e surpreendente. Um dos álbuns do ano.
Mais informações em: http://www.myspace.com/staffbendabilili

(02) Polio (3:08)
(04) Sala Keba (4:25)
(09) Marguerite (6:45)
(01) Moto Moindo (5:47)

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“Um tema popular egípcio sobre a decepção provocada pelo amor não correspondido, um canto religioso da Tunísia de louvor a Deus, uma canção evocativa da abertura das portas do Grande bazar de Istanbul e uma típica peça folk dos portos de Creta, sobre a desilusão amorosa. São as sonoridades que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Hanan (4) Matajarahnish (4:12) “Sif Safaa: New Music from the Middle East”
(2) Jerrari (1) Sidi Mansour (5:50) “Tunisie: Chants & Rythmes”
(3) Istanbul Oriental Ensemble (1) Elden Ele (4:51) “Grand Bazaar”
(4) Ross Daly & Labyrinth (6) Afou ‘Heis Allon Sti Kardia (5:27) “Mitos”

2ª Hora

“Uma balada de um compositor e poeta da França dos finais do século XIII; um romance dos judeus sefarditas; uma cantiga de Santa Maria, de Afonso X, rei de Castela; e duas danças italianas dos séculos XIII e XIV. São os sons que abrem as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias.”
(1) Ensemble Syntagma (Rússia/França) – Abundance de felonie (3:55) “Jehan de Lescurel, Ex Tempore. Vocal-Instrumental Poem”
(2) Ensemble Accentus (Áustria) (4) Partos trocados (5:54) “Sephardic Romances”
(3) Dekameron (Polónia) (1) Como Jesu Christo fezo a San Pedro (3:47) “Ave Mater, O Maria!”
(4) Musica Historica (Hungria) (19) Saltarello II (1:46) “Amor ey”
(5) Ioculatores (Alemanha) (11) Trotto (2:16) “Songs and Dances of the 13th to 15th Centuries”

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Dirigido por Ernesto Schmied, um especialista em flautas históricas, o grupo espanhol Speculum tem-se dedicado, desde 1996, ano da sua formação, à recuperação da música da Idade Média em diante. Centrando-se, preferencialmente, na Ars Hispanica, os Speculum têm contribuído decisivamente para o conhecimento de um património tão raramente explorado, mas de primordial importância no panorama da música antiga.
Debruçando-se sobre diversos manuscritos europeus, os Speculum encetam um minucioso trabalho de pesquisa e utilizam vozes e instrumentos perfeitos para traçar as linhas da arquitectura musical medieval, renascentista e barroca.
Segundo os próprios Speculum, o significado da criação musical para o grupo está perfeitamente expresso nas palavras do famoso escritor e humanista britânico do século XV, Thomas More, num fragmento da Utopia: "...toda a sua música, a que criam com instrumentos e a que cantam com a voz humana, expressa as paixões e os afectos naturais; o timbre e a melodia elaboram-se à medida da obra, seja de uma oração ou uma canção alegre, sossegada, agitada, de lamentação ou de ira; representam o significado de cada estado de espírito e, maravilhosamente, logram comover, provocar, penetrar e inflamar as almas dos que a escutam."
O impacto da música dos Speculum tem sido tão frutífero e determinante que, desde a sua fundação, têm sido, por variadíssimas ocasiões, convidados para diversos eventos europeus, sobretudo na Península Ibérica, onde têm actuado em praticamente todos os festivais importantes.
Conjugando a música e a poesia da Idade Média espanhola em espectáculos de grande rigor e dramatismo e elaborando programas temáticos apelativos, os Speculum lograram, de uma forma subtil, aproximar o público dos cada vez mais apreciados meandros da música antiga.
Até à data, os especialistas da Ars Nova espanhola editaram sete registos fundamentais: “Fumeux fume par fumee” (1998), premiado com o prestigioso Choc de Le Monde de la Musique, em Janeiro de 2000; “Il Grant Desio e la Dolce Esperanza” (2006), o primeiro disco dedicado integralmente ao Cancioneiro do Escorial, co-produzido pela Comunidad de Madrid e pela etiqueta Openmusic para a colecção Madrid en su Música; “Cancionero de El Escorial” (2007) uma colaboração dos Speculum com o fantástico contratenor Carlos Mena, galardoado com 5 DIAPASONS (revista Diapason) e 4 estrelas no Le Monde de la Musique; “Ars Mediterranea” (2008), um variado repertório musical das diferentes expressões do Mediterrâneo; “O Rosa Bella, Cancionero de El Escorial, Vol. III” (2008); Live (2009); e “Splendor” (2009), o volume IV dedicado ao impressionante cancioneiro que se alberga na Biblioteca do Mosteiro de San Lorenzo de El Escorial.
Mais informações em: http://www.openmusic.es/autores/mostrar/18-speculum

(01) O Virgo Splendens (2:29) “Fumeux fume par fumee”
(16) Imperayritz de la ciudad ioyosa (4:05) “Il Grant Desio e la Dolce Esperanza”
(13) Amours me fait commencier (4:53) “Ars Mediterranea”
(05) Ne vous plaindes de mes yeulx (5:13) “Cancionero de El Escorial”
(17) Mercé te chiamo, o dolze anima mia (4:35) “O Rosa Bella”
(15) De tous bien playne (4:49) “Splendor”

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““Uma outra balada do compositor e poeta francês Jehan de Lescurel, dos finais do século XIII/inícios do XIV; uma cantiga de amor do século XII do trovador catalão Berenguer de Palou; e mais uma cantiga do século XIII, de louvor à Virgem Maria. Assim se encerra o Templo das Heresias de hoje”.
(1) Amadis (França) (3) Amours, trop vous dói cherir (4:08) “Anges ou démons”
(2) Ensemble Cantilena Antiqua (Itália) (2) Ai tal domna (5:09) “Ondas do Mar”
(3) The Renaissance Players Winsome Evans (Austrália) (14) Virgen Madre Groriosa (10:08) “Of Numbers and Miracles”

Jon Balke & Amina Alaoui (Noruega/Marrocos)/ Amadis (França)

2010-01-12T01:08:00.017Z

“Uma canção de amor da Guiné Conacri, um tema do Mali sobre a modéstia de uma cantora, uma peça do Senegal moderno e uma melodia da Gâmbia de apelo aos valores do passado. São as primeiras Heresias provenientes do Templo”.
(1) Diéfadima Kanté (9) Diarabi (5:04) “Frankonodou”
(2) N’Gou Bagayoko (4) Sogola Djigui (4:50) “Kulu”
(3) Baaba Maal & Mansour Seck (4) Salminanam (4:25) “Djam Leeli”
(4) Alhaji Bai Konte (7) Alhaji Bamba B. (2:57) “Kora Melodies from the Republic of the Gambia”

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O norueguês Jon Balke é um conceituado pianista e compositor de jazz de vanguarda, ligado à prestigiada etiqueta germânica ECM. Balke começou por tocar piano clássico, mudando, aos 12 anos, para o "boogie woogie", e posteriormente, para os meandros do pós-bop. Aos 18 anos, Jon Balke juntou-se ao quarteto de Arild Andersen e tornou-se activo no grupo de Radka Toneff e no de afro-fusão E'olén, antes de ingressar, nos inícios dos anos 80, nos grupos Oslo 13 e Masqualero. A partir de 1989, Jon Balke concentrou-se nos seus próprios projectos, nomeadamente em Jøkleba (com Audun Kleive Audun e Per Jørgensen) e no ainda existente Magnetic North Orchestra. Em 2002, formou o grupo de percussão Batagraf e em 2007 iniciou o projecto Siwan, com a cantora marroquina Amina Alaoui.
Para "Siwan", um projecto de envergadura quase utópico, Jon Balke, revelando uma invulgar abertura de espírito, rodeou-se de intérpretes de jazz contemporâneo, especialistas da música barroca, virtuosos da música oriental e autores de música antiga. Começa por ser impressionante o poder da voz exótica de Amina Alaoui sobre as composições notáveis de Jon Balke para ensemble barroco, com solistas mergulhando no jazz e improvisando sobre as tradições e sobre os domínios da música antiga. Por detrás deste notável integração musical está uma teia de interconexões filosóficas, históricas e literárias, uma vez que Balke e Alaoui se basearam em textos de poetas sufis, de místicos cristãos e de trovadores da Idade Média, interpretados em várias línguas.
Autêntico mosaico de coloridos ricos em misticismo e uma brilhante fusão da tradição com a modernidade, "Siwan" não só possibilita uma reunião entre os músicos do norte e do sul e um criativo encontro de culturas, como também confirma Jon Balke como um compositor de eleição, Amina Alaoui como uma voz marcante, Kheir Eddine M'Kachiche como um poderoso violinista e Jon Hassell como um exímio aglutinador de diversas tradições. Música mágica arrastando raízes profundas, na mesma linha de “Ragas and Sagas”, que o também norueguês Jan Garbarek produziu com o paquistanês Ustad Fateh Ali Khan, para a mesma editora, em 1992, "Siwan" é, indubitavelmente, um dos melhores discos de 2009.
Mais informações em: http://player.ecmrecords.com/siwan

(04) Ya Safwati (5:17)
(06) Itimad (6:43)
(10) Thulâthiyat (10:04)

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“Uma canção do Sudão que incita ao optimismo, um tema tradicional da Somália sobre a solidão, um canto popular da Etiópia que mistura a tradição e a modernidade e uma história de um colectivo do Senegal/Tuva/Rússia sobre uma criança que chora a ausência da sua mãe. São as sonoridades que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Abdel Gadir Salim All-Stars (5) Bassama (4:45) “The Merdoum Kings play Songs of Love”
(2) Waaberi (2) Cidlaan… (até 3:46) “New Dawn”
(3) Abyssinia Infinite (4) Monew Natana (5:12) “Zion Roots”
(4) Vershki da Koreshki (2) Toumkoumani (6:59) “Vershki da Koreshki”

2ª Hora

“Uma cantiga de Santa Maria, de Afonso X, rei de Castela (Século XIII); um texto literário da Sicília do século XV, atribuído ao Imperador normando Federico II; uma dança Anglo-Normanda de autor anónimo; e um canto escolar proveniente da Finlândia medieval. São os sons que abrem as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias.”
(1) Eduardo Paniagua (Espanha) (11) Macar é door (7:18) “Remédios Curativos”
(2) Al Qantarah (Itália) (8) Dolce lo mio drudo (6:40) “Abballati, abballati! Songs and sounds in Medieval Sicily”
(3) Ensemble Alcatraz (EUA) (9) El Tens D’Iver (2:21) “Danse Royale”
(4) Zefiro Torna (Bélgica) (15) Scholares Convenite (3:35) “De Fragilitate (Hymns from medieval Finland)”

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Diplomada em musicologia pela Universidade de Paris, a francesa Catherine Joussellin começa por integrar o coro da Capela Real, estudar viola da gamba e trabalhar o canto. Actua sob a direcção dos consagrados Clemencic, Leonhardt, Eötvös, Minkowski e Van Nevel e participa em numerosos concertos e festivais. Funda posteriormente os ensembles Discantus e Alla Francesca e trabalha com a Boston Camerata, Gilles Binchois, Douce Mémoire, A Sei Voci e Huelgas Ensemble, com quem grava diversos discos.
Em 1989, Catherine funda o ensemble Amadis, actualmente constituído também por Olivier Marcaud (canto e percussões), Christophe Deslignes (organetto, flautas medievais), Jean-Lou Descamps (sanfona, saltério, tambura) e Xavier Terrasa (canto, chalemie, cornemusa, flautas medievais, symphonie). A partir do seu primeiro concerto na Fundação Boris Vian, o grupo Amadis começa a explorar a cultura medieval, através de linguagens privilegiadas como a literatura e a música.
As interpretações dos AMADIS são baseadas no estudo da notação original do texto e da música das variadas obras medievais (romances, poesias, contos, crónicas, jogos, fábulas, récitas, farsas, canções, reverdies, lais, baladas, rondeaux, virelais, motets...) e decorrem de um interesse particular em procurar as intenções profundas dos autores da época. Posteriormente o ensemble Amadis consagra-se também na criação contemporânea, mas é no seio de grupos como Gilles Binchois, la Chapelle Royale, Huelgas Ensemble, Millenarium, Boston Camerata, Hespérion XXI... que os músicos do ensemble Amadis se revêem.
Ao longo dos anos,Catherine Joussellin criou com o Ensemble Amadis uma adaptação cénica de Roman de Fauvel (um poema satírico do século XIV), a Lenda de Tristan et Yseut, a Lenda do Coeur mangé, o Elogio da Feminilidade (da Idade Média aos nossos dias) e o espectáculo Colette (a partir de músicas de Hahn, Satie e Ravel), entre outras. Editou, ainda, os registos “LE MANUSCRIT NIVELLE DE LA CHAUSSÉE” (ADDA, 1992), “SUR LES CHEMINS DE SAINT-JACQUES” - Cantos dos peregrinos a Santiago de Compostela, dos séculos XII a XV (JADE, 1998 -1999), “MUSIQUE AU TEMPS DE JEHANNE D’ARC” (JADE, 1999), “CANTOS DE LA VIDA” - Cantos dos judeus da Espanha Medieval (DBA, 2004) e “ANGES OU DÉMONS” - baseado nas obras de Jehan de Lescurel e Philippe de Vitry, compositores do século XIV (DBA, 2009).
Mais informações em: http://ensemble.amadis.free.fr/crbst_1.html

(02) A que por muy gran fremosura (1:55) “Sur Les Chemins de Saint-Jacques”
(04) Hija mia mi querida (2:50) “Cantos de la Vida”
(01) Nani, nani (4:51) “Cantos de la Vida”
(06) El Rey de Francia (4:27) “Sur Les Chemins de Saint-Jacques”
(03) Amours, trop vous dói cherir (4:08) “Anges ou démons”
(08) Bontés, sem, valours (4:50) “Anges ou démons”

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“Com diversas canções dos judeus sefarditas encerramos o Templo das Heresias de hoje”.
(1) Ensemble Antequera (Holanda) (2) Nani, nani (2:42) “Jews & Christians”
(2) Ruth Yaakov Ensemble (Israel/Albânia/Arménia/Turquia) (6) Salgash madre (4:12) “Shaatnez: Sefardic Songs of the Balkans”
(3) Lena Rothstein (Grécia) (9) Dia de Shabbat (3:40) “Cantos Judeo-Españoles”
(4) Emil Zrihan (Marrocos) (15) Kochav Tzedek (6:00) “Ashkelon”

Samba Touré (Mali) / Zefiro Torna (Bélgica)

2009-12-27T01:15:00.004Z

“Uma canção tradicional grega, proveniente das ilhas orientais do mar Egeu e do litoral da Ásia Menor; um texto sagrado hebraico; uma variação sobre um tema albanês; e uma interpretação de um tema popular russo; São as Heresias que abrem hoje as portas do Templo”.
(1) Theodora Baka (Grécia) (11) Sto pa kai sto xanaleo (4:03) “Myrtate: Traditional Songs from Greece”
(2) Ruth Wieder Magan (Austrália/Israel) (1) Roza DeShabbos (4:59) “Songs to the Invisible God”
(3) Nomad (França) (3) Alba (4:33) “Ciguri”
(4) Faraualla (Itália) (9) Spondo 2:39) “Faraualla”

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Proveniente de Dabi, uma pequena aldeia no Norte do Mali, Samba Touré assume-se como o legítimo herdeiro de um dos melhores guitarristas de todos os tempos, o também maliano Ali Farka Touré (falecido em 2006). Com efeito, o "John Lee Hooker africano”, inventar do "blues do deserto", grande embaixador musical/cultural da África e vencedor de um Grammy ensinou a Samba, ao longo dos anos, tudo o que sabia sobre música. Deu-lhe, inclusivamente, a oportunidade de se juntar à sua banda na tournée que fez em 1997 e produziu o seu álbum de estreia, Fondo, em 2004. Foi, ainda, Ali Farka Touré que encorajou Samba a olhar para as suas raízes e a estabelecer a sua própria identidade, em vez de seguir as modas passageiras. Quando Samba Touré iniciou a sua carreira como elemento do grupo Farafina Lolo e passava o seu tempo a adaptar ritmos de dança do Congo, seguiu os conselhos e a ajuda de Ali Farka Touré e começou a aprimorar o som do blues africano e a criar o seu próprio estilo.
A música de Samba, baseada na tradicional do Mali, apresenta naturais semelhanças com as do seu mentor, mas revela-se mais cadenciada que a tuaregue dos seus irmãos malianos Tinariwen, Tartit e Toumast e tem um toque de leveza e consideravelmente mais velocidade do que a da maioria dos tocadores de blues do deserto. Por outro lado, a instrumentação que Samba utiliza, baseada nos sons do sokou (violino tradicional), do gnoni (guitarra de quatro cordas), do tamani, calabash e outras percussões, de flautas e do baixo eléctrico, permite-lhe mergulhar por sonoridades imaginativas e até inovadoras.
Em 2009, o cantor e guitarrista de 41anos reúne um grupo de talentosos músicos de apoio (que o acompanharam ao longo dos anos), mergulha na cultura tradicional Songhai e nas suas próprias experiências pessoais, entra em estúdio e grava Songhai Blues: Homage to Ali Farka Touré (World Music Network 2009/Megamúsica).
Constituído por treze faixas, entre temas retirados da sua primeira gravação apenas lançada no Mali, canções do registo de 2007, Aïto, e composições novas, Songhai Blues revela-se como um álbum empolgante para os fãs de blues do deserto e para os que gostam da música do Oeste Africano em geral. Como que um compêndio e uma autêntica viagem através da envolvente e rica tradição musical do Mali, Songhai Blues integra ritmos intensos, festivos e, muitas vezes, difíceis de seguir, tal como os de Ali Farka Touré ou John Lee Hooker. Assume-se, naturalmente, como um dos melhores discos de World music do ano.
Mais informações em: http://www.samba-toure.com/

(05) Yawoye (4:33)
(02) Foda Diakaina (4:34)
(04) Bila (5:06)
(10) Goye(5:33)

(Separador)

“Uma demonstração das potencialidades do tambur do Uzbequistão; um tema da música clássica iraniana; e um canto feminino dos haréns dos palácios dos sultões otomanos. São as sonoridades que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Hector Zazou & Swara (Argélia/Uzbequistão/Índia) (1) Zannat (4:49) “In the House of Mirrors”
(2) Khatereh Parvaneh (Irão) (I-3) Dastgah of Shour (10:35) “Echos du Paradis: Sufi Soul”
(3) Ensemble des femmes d’Istanbul (Turquia) (8) Ud Taksin (6:41) “Chants du Harem”

2ª Hora

“Um poema épico sobre a visão de uma profetiza que narra a criação do mundo, a chegada dos deuses, a morte do filho de Odin e a destruição do mundo de Ragnarok; uma história sobre uma filha que esconde, ao seu pai discordante, uma criança fruto de uma relação ilícita; e uma balada sobre uma criatura chamada “Lindormen” que se transforma em príncipe e, através do amor, adquire a forma humana. A música medieval da Islândia, Noruega e Suécia abre as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias.”
(1) Sequentia (Alemanha) (3) Ti Prophecy of the Seeress (10:10) “Myths from Medieval Iceland”
(2) Agnes Buen Garnas/Jan Garbarek (Noruega) (4) Maalfri mi fruve (5:12) “Rosensfole: Medieval Songs from Norway”
(3) Wisby Vaganter (Suécia) (13) Lindormens Wisa (5:10) “Gotlandz Wiisa: Medeltida musik”

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Zefiro Torna é um ensemble oriundo da Flandres (Bélgica), cujo nome expressa, de forma alegórica, como o deus mitológico do vento do Oeste, Zephyrus, conseguia sempre expulsar os Invernos frios.
Formado em 1996, o grupo Zefiro Torna é constituído por Els Van Laethem e Cécile Kempenaers (voz), Liam Fennelly (viola da gamba, vihuela) e Jurgen De bruyn (alaúde, guitarra e direcção artística), músicos que se distinguiram em grupos como Huelgas Ensemble, Collegium Vocale, La Capilla Flamenca e Het Muziek Lod. Consoante o programa, assim o ensemble se complementa com diferentes vocalistas e instrumentistas da Bélgica, Holanda, França e Itália.
Baseando-se no respeito profundo pelo passado e apoiando-se em apurados estudos musicológicos, os Zefiro Torna fazem renascer, de forma única, o património cultural, sobretudo o medieval, renascentista e barroco. Não admira, por isso, que o grupo opte por utilizar instrumentos autênticos e técnicas históricas de canto, interpretação e improvisação, embora acrescentem, naturalmente, os seus próprios elementos criativos.
Os Zefiro Torna editaram, até à data, seis registos: "Mermaphilia" (2002, Eufoda), cujos textos históricos evocam o mundo imaginário da Sirena; "El Noi de la Mare" (2004, Et’Cetera), galardoado, em 2005, com o prémio "Klara Muziekprijs" para o Melhor Disco da Flandres, Melhor Produção de Música Clássica e "Prémio do Público"; "Les Tisserands" (2006 Homerecords), em que textos medievais e melodias de trovadores como Macabrun e Miraval coabitam com melodias contemporâneas de Jowan Merckx; “De Fragilitate: Piae Cantiones” (2007 Et’Cetera), uma colecção de cantos escolares e cânticos religiosos provenientes da Finlândia medieval, premiado com o prestigiado Diapason d’Or; “Greghesche” (2008 Et’Cetera), um tesouro musical da Renascença veneziana; e “Assim” (2009 Homerecords), uma co-produção em que Dick van der Harst escreveu uma composição baseada nos trabalhos de Jacob Obrecht e na tradição dos gamelões de Java.
O disco que aqui se destaca é o brilhante “De Fragilitate (Hymns from medieval Finland)”, baseado na compilação “Piae Cantiones ecclesiasticae et scholasticae veterum episcoporum”, com 74 canções em latim da Idade Média tardia, reunidas por Jacobus Finno e publicada em 1582 pelo aristocrata finlandês Theodoricus Petri Nylandensi.
Muitas das canções e melodias de “Piae Cantiones” são originárias da Europa Central mas algumas parecem ter sido escritas em países nórdicos. Existe uma controvérsia sobre se a obra total deva ser atribuída à Suécia ou à Finlândia, uma vez que, na altura da publicação, a Finlândia era parte integrante da Suécia.
Apesar de ter sido publicada em 1582, a melodia de Piae Cantiones é medieval por natureza. A tradução finlandesa de Piae Cantiones por Hemming of Masku é considerada a primeira obra de hinos da Finlândia, ainda que Piae Cantiones seja mais um produto da cultura católica medieval que um produto de uma só nação.
As letras das composições incluídas na colecção Piae Cantiones, executadas na época em diversas escolas catedrais finlandesas, testemunham de forma moderada a Reforma Protestante no Norte da Europa. Apesar de algumas nuances católicas terem sido retiradas, muitas canções ainda carregam traços fortes do culto a Maria, Mãe de Jesus, e actualmente são ainda utilizadas como canções de Natal, nomeadamente Personent hodie e Tempus adest floridum.
As canções de Piae Cantiones continuaram a ser populares nas escolas finlandesas até ao século XIX mas, gradualmente, foram caindo em desuso. No entanto, um novo interesse pela música antiga tornou a colecção muito popular na Escandinávia e surge agora como repertório padrão de vários coros finlandeses e suecos.
Zefiro Torna interpreta as Piae Cantiones com réplicas de instrumentos do século XV e é acompanhado por Jowan Merckx (gaita de foles e guizos), Frank Van Eycken (percussão), pelo finlandês Timo Väänänen (do grupo folk Loituma, que toca kantele nórdico) e por um grupo de vozes do Antwerp Cathedral Choir, sob a direcção de Sebastiaan Van Steenberge.
Mais informações em: http://www.zefirotorna.be/

(06) Personent Hodie (1:30)
(21) Tempus Adest Floridum (1:42)
(15) Scholares Convenite (3:35)
(18) Sum In Aliena Provincia (2:25)
(16) Zachaeus Arboris (1:35)
(14) Cum Sit Omnis Caro Foenum (3:02)
(12) Kurja, Paha Syntinen (4:44)
(20) In Vernali Tempore (2:43)

(Separador)

“Com poemas de Rodolphe de Fénis-Neuchâtel, Blanche de Castille e Walther von der Vogelweide, trovadores europeus medievais, encerramos o Templo das Heresias de hoje”.
(1) Ensemble Lucidarium (Suíça) (6) Gewan ichze minnen ie guoten wan (6:36) “Troubadours & Minnesänger”
(2) Ensemble Perceval (França) (14) Amour ou troptard (5:27) “Minnesänger Troubadours Trouvères”
(3) Dekameron (Polónia) (13) Under der linden (4:53) “A Tale of Medieval Love”
(4) Ensemble für frühe Musik Augsburg (Alemanha) (8) Under der linden an der heide (3:13) “Trobadors Trouvères Minnesänger”

Bassekou Kouyate & Ngoni ba (Mali) / Música Antiga da UFF (Brasil)

2009-11-30T01:17:00.009Z

“Uma composição baseada nas tradições dos Fula do sul do Senegal; um tema que remonta às origens da highlife do Gana, interpretado na seprewa, instrumento de cordas semelhante à kora; e um convite da Guiné Conákry para visitarmos Kindia, a terra da fruta e da abundância São as Heresias que abrem hoje as portas do Templo”.
(1) Daby Balde (2) Lalé Kouma (4:54) “Le Marigot Club Dakar”
(2) Seprewa Kasa (7) Agyese Wobre (8:40) “Seprewa Kasa”
(3) Les Amazones de Guinée (7) Kania (4:57) “Wamato”

(Separador)

“Eu ouvi o futuro: chama-se Bassekou Kouyate...”. Esta afirmação de Mingus Formentor (La Vanguardia - Espanha) traduz a importância do músico maliano que a BBC Radio 3 considerou como o melhor artista africano de 2008.
Natural de uma pequena aldeia situada a 40 quilómetros da cidade de Segu, nas margens do Níger, Bassekou Kouyate cresceu no ambiente da música tradicional: a sua mãe era cantora e o seu pai e irmãos excepcionais músicos de ngoni (um antigo alaúde tradicional oriundo da África Ocidental). A partir dos 19 anos, passou a viver em Bamako e, no final dos anos oitenta, fez parte do “Symmetric Trio”, ao lado de Toumani Diabaté (kora) e Keletigui Diabaté (balafon). Colaborou, posteriormente, com diversos músicos da sua terra natal e importantes nomes da cena internacional, tendo sido, por exemplo, um dos principais músicos do álbum póstumo de Ali Farka Toure, “Savane”.
Ao formar Ngoni ba, um quarteto de “ngoni”, Bassekou Kouyate introduziu variadas inovações na tradicional forma de tocar o instrumento, acrescentando um ngoni-baixo e adicionando cordas extra para o tornar mais harmonicamente flexível. Conseguiu, assim, produzir um som acústico arrebatador, como que ancestral dos “blues” e os resultados são surpreendentes.
Em 2007 edita o seu primeiro álbum a solo, o sensacional “Segu Blue”, gravado em Bamako por Yves Wernert e misturado em Londres por Jerry Boys, que conquistou o Prémio BBC para "Melhor Álbum World do Ano" e "Melhor Espectáculo Africano", em 2008.
“I Speak Fula” (out/here, 2009), o segundo álbum de Bassekou Kouyate com a banda Ngoni ba, é um passo em frente na carreira do mestre maliano do ngoni. Uma vez mais, os excitantes solos dos ngoni vão desfilando sobre as percussões, as hipnóticas texturas vão-se entrelaçando e formando belíssimas melodias e as vozes, sobretudo a de Amy Sacko (a esposa de Kouyate), ao mesmo tempo, suaves e poderosas, vão aveludando e enriquecendo as composições. Contando com as preciosas colaborações dos consagrados Toumani Diabate, Kasse Mady Diabate e Vieux Farka Toure, “I Speak Fula” arrisca-se, indubitavelmente, a frequentar os lugares cimeiros das listas dos melhores álbuns do ano.
Mais informações em: http://www.myspace.com/bassekoukouyate

(02) Jamana Be Diya (4:56)
(06) Amy (4:29)
(08) Ladon (5:27)
(10) Falani (5:42)

(Separador)

“Uma canção de embalar do Zimbabwe; uma melodia que mistura instrumentos orientais (como os steel drums, instrumentos de percussão do Oeste da Índia) e africanos (como o sinding, harpa de cinco cordas do oeste do continente) com sonoridades tipicamente europeias; e um tema dos Seri de Sonora (México), habitualmente entoado nas cerimónias de nascimento. São as sonoridades que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Stella Rambisai Chiwesche (14) Chitsidzo (3:03) “African Lullaby”
(2) Stephan Micus (Alemanha) (4) Mikhail’s Dream (8:20) “Desert Poems”
(3) Yaki Kandru(Colômbia) (3) Canto de los Seri… (2:34-7:24) “Music from the Tropical Rainforest & other magic places”

2ª Hora

“Um poema dramático de atmosfera onírica de Federico García Lorca (Espanha); uma canção de embalar da tradição sefardita de cerca de 1500, proveniente de Marrocos; e um romance documentado pela primeira vez em 1702, inspirado num tradicional da Grécia. O maravilhoso universo vocal feminino abre as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias.”
(1) Arianna Savall (Suíça) (6) Canción de la muerte pequeña (8:42) “Peiwoh”
(2) Montserrat Figueras (Espanha) (4) Nani, nani (6:00) “Ninna Nanna”
(3) Savina Yannatou & Primavera en Salonico (Grécia) (2) El sueño de la hija del rey (4:50) “Canciones populares sefardíes”

(Separador)

O ensemble brasileiro Música Antiga da UFF surgiu em 1981 com o objectivo de investigar e de transmitir a música, a cultura e a visão do mundo da Idade Média e do Renascimento. Para fazer face às naturais dificuldades de conhecimento de um repertório com tão escassas fontes e tão distante no tempo (sobretudo para músicos de um país que existe como tal, apenas a partir de 1822), os membros do grupo trabalharam na pesquisa bibliográfica e discográfica disponíveis na actualidade. Por outro lado, muniram-se de réplicas dos instrumentos utilizados naqueles períodos, de modo a que a sua produção se aproximasse, o mais possível, do ideal sonoro da época.
Ao longo de quase três décadas de existência, os integrantes do grupo Música Antiga da UFF estudaram nos EUA e na Europa, adquiriram novos instrumentos, partituras e conhecimentos e especializaram-se na linguagem da música medieval e renascentista. Desde então, deram mais de 500 concertos por todo o Brasil, participaram em programas de rádio e televisão, criaram bandas sonoras e videoclips, organizaram cursos, festivais e feiras renascentistas e editaram seis discos extraordinários: "Lope de Vega - Poesias Cantadas" (1995), com poemas cantados de Lope de Veja (nascido em Madrid, em 1562), de finais do século XVI e inícios do XVII; "Cânticos de Amor e Louvor" (1997), com cantigas de amigo do supremo trovador de Vigo, Martin Codax, e com cantigas de louvor a Santa Maria de Afonso X, o Sábio, rei de Castela (1252-1284); "Música no Tempo das Caravelas", que se incluiu nas comemorações dos 500 anos da conquista da América, uma vez que as músicas seleccionadas são exemplos das que animavam os serões palacianos em Portugal e Espanha, ao tempo das descobertas ultramarinas; “O Canto da Sibila” (2001), gravado ao vivo, que apresenta peças do cancioneiro de Upsalla, algumas cantigas de Santa Maria, peças de Michael Praetorius e o Canto da Sibila; "A Chantar - Trovadoras Medievais”, o resultado do interesse do ensemble Música Antiga da UFF em conhecer e mostrar um pouco do passado literário-musical feminino, na França medieval, através das obras da Condessa Beatriz de Dia, Maroie de Dregnau de Lille, Dame du Fayel e Blanche de Castille, incluindo também danças instrumentais francesas e italianas, de autores anónimos; e “Medievo-Nordeste” (2004), um original trabalho de interacção entre a música medieval ibérica e músicas do folclore brasileiro, principalmente do Nordeste.
Mais informações em:
http://musicaantigadauff.zip.net/
http://www.uff.br/centroarte/musicaantiga.htm
http://www.niteroiartes.com.br/exibe_artistas.php?idartista=376&opc=1

(05) Ondas do mar de Vigo (3:26) "Cânticos de Amor e Louvor"
(02) A chantar m’er de so q’ieu no volria (6:19) "A Chantar”
(12) Santa Maria strela do dia (2:32) "Cânticos de Amor e Louvor"
(04) Amours, u trop tart me sui pris (2:27) "A Chantar”
(03) Mandad’ei comigo (4:39) “Medievo-Nordeste”
(13) Non sofre Santa Maria (4:34) “Medievo-Nordeste”

(Separador)

“Uma Cantiga de Santa Maria de Afonso X de Castela, do século XIII; um poema do mesmo século do trovador Gautier d’Épinal de Lorraine (França); e uma belíssima simbiose das várias sensibilidades presentes na Andalusia medieval. São os sons que encerram o Templo das Heresias de hoje”.
(1) Antequera / Johannette Zomer (Holanda/…) (5) Virgen Madre groriosa (6:11) “Cantigas de Santa Maria: Eno nome de Maria”
(2) Ensemble Syntagma (Rússia/…) (10) Toz esforciez (6:34) “Touz Esforciez: Trouvères en Lorraine”
(3) Orchestra Arabo-Andalusa di Tangeri (Marrocos/…) (I-3) Secondo Quadro (7,08) “Incontro a Tangeri”

Lhasa (México) / Paulina Ceremuzynska & Meendinho (Polónia/Espanha)

2009-10-11T19:08:00.010+01:00

“Da Polónia surge um lamento de um jovem moribundo ferido na guerra, da Jugoslávia um encontro feliz entre a tradição e a modernidade, da Hungria uma canção sagrada, da Bulgária uma balada habitualmente entoada na altura das colheitas e da Rússia um canto normalmente interpretado nos casamentos. São as Heresias que abrem hoje as portas do Templo”.
(1) Warsaw Village Band (13) Lament (2:30) “Uprooting”
(2) Boris Kovac (2) Noon at Ural (3:58) “Ritual Nova II”
(3) Irén Lovász (5) Márton Szép Ilona (2:05) “Rosebuds In a Stoneyard”
(4) Stefka Sabotinova (11) Mir Stankele (0:18-3:07) “Le Mystère des Voix Bulgares”
(5) Dmitri Pokrovsky Ensemble (5) Pine Tree (2:44) “The Wild Field”

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Filha de um escritor mexicano e de uma fotógrafa e antiga actriz americana, Lhasa de Sela passou grande parte da sua adolescência a viajar numa carrinha com os seus pais e com duas irmãs, pela costa norte-americana e fronteira com o México, onde passa a residir. Aos 25 anos muda-se para o Canadá, onde conheceu o guitarrista Yves Desrosiers, com o qual escreveu os temas que iriam compor o seu primeiro registo de originais, “La Llorona”, pleno de sentimento e sensualidade, em que Lhasa canta em espanhol sobre paisagens sem nome, assombradas pelos blues, pela música cigana, pelos ritmos sul-americanos e pelo cabaret.
Seis anos mais tarde, a cantautora apátrida edita “The Living Road”, optando por diversificar o som e os instrumentos utilizados, cantar em espanhol, inglês e francês e afastar-se das sonoridades do primeiro registo, numa possível alusão à sua adolescência de constante itinerância. Se no primeiro álbum, Lhasa contou com a co-autoria de Yves Desrosiers, no segundo registo as participações estenderam-se a Vincent Segal, Didier Dumoutier e Jérôme Lapierre.
Em 2009, Lhasa de Sela regressa com um registo simplesmente intitulado “Lhasa”, em que a sua voz comovente e bela percorre doze temas cheios de intensidade dramática, vislumbrando um México distante e etéreo construído por sentimentos de amor, desespero e melancolia profunda.
A voz de Lhasa, aqui suficientemente destacada (aquando da edição dos seus dois primeiros registos, bem como das suas duas tournées em Portugal com passagem por Lisboa, Famalicão, Coimbra, Aveiro, Porto), continua a evidenciar uma grande sensibilidade, beleza e maturidade, pelo que não podíamos deixar de a divulgar de novo, ainda que o seu novo registo se revele manifestamente inferior aos anteriores.

(02) Rising (3:49)
(01) Is Anything Wrong (3:55)
(06) Fool’s Gold (3:01)
(03) Love Came Here (3:51)
(09) The Lonely Spider (3:18)

(Separador)

“Um tema de Rembetiko, a música característica da Grécia, e duas versões de uma balada otomana, uma proveniente de Israel e outra da Turquia. São as sonoridades que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Martha Frintzila (II-2) Thalassa Lipisou (5:22) “The Diaspora of Rembetiko”
(2) Sara Alexander (2) Madré (6,18) “Café Turc”
(3) Istanbul Oriental Ensemble (2) Nihavent Oriental (6,49) “Sultan’s Secret Door”

2ª Hora

“Uma chanson de toile de um trovador anónimo, uma Cantiga de Santa Maria de Afonso X de Castela e uma Canção de Trobairitz da trovadora Condessa Beatritz de Dia. O universo musical dos séculos XII e XIII abre as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias.”
(1) Duo Trobairitz (Inglaterra) (10) Bele Doette (9:04) “The Language of Love (Songs of the Troubadours and Trouvères)”
(2) Obsidienne (França) (4) Quen na Virgen (6:25) “Miracle! Cantigas d’Alfonso el Sabio”
(3) Delphine Aguilera/ Marc Bellity (França/Tunísia) (1) A Chantar (5:56) “Fin amor”

(Separador)

Da rica tradição medieval em lírica profana galaico-portuguesa chegaram até aos nossos dias cerca de 1650 obras, das quais apenas 13 com notação musical. Conhecemo-las graças à descoberta dos manuscritos O Pergamiño Sharrer e o Pergamiño Vindel, ambos conservados pela sua utilização como material de encadernação de códices.
Da poesia trovadoresca, salientam-se as cerca de 500 Cantigas de Amigo, compostas entre 1220 e 1350, por um total de 88 poetas, que constitui o maior espólio de poesia amorosa de voz feminina que sobreviveu da Europa pré-renascentista e a mais antiga manifestação literária da nossa história.
As Cantigas de Amigo são poemas cujo sujeito poético é uma rapariga que se dirige à mãe, à irmã mais velha, à amiga, a um cavaleiro (mais raramente), à natureza (antropomorfismo) ou aos santos da sua devoção, para exprimir o seu amor, a sua angústia ou a sua saudade pelo seu amado, que designa habitualmente por amigo. A figura feminina que as Cantigas de Amigo retratam é, pois, a da jovem que se inicia no universo do amor, por vezes lamentando a ausência do amado, outras cantando a sua alegria pelo próximo encontro. Tratam-se, pois, de cantigas de origem popular, que tiveram as suas origens na Península Ibérica (Galiza e norte de Portugal), com marcas evidentes da literatura oral, nomeadamente pela utilização de recursos como as reiterações, o paralelismo, o refrão e o estribilho, próprios dos textos para serem cantados e que propiciam facilidade na memorização.

Depois das brilhantes interpretações dos La Batalla (Portugal), Ensemble Alcatraz with Kitka (EUA), Supramúsica (Espanha), Paulina Ceremuzyrska (Polónia), Fin’Amor (França), Martin Códax (Espanha) e Ensemble Cantilena Antiqua (Itália), as Cantigas de Amigo conhecem agora mais uma extraordinária versão, a do Grupo Meendinho.
Fundado pela musicóloga e cantora Paulina Ceremuzynska, o ensemble polaco-espanhol Meendinho, especializado na interpretação da música medieval, principalmente da procedente da tradição trovadoresca, aborda nos seus programas uma rigorosa e ao mesmo tempo criativa recuperação das músicas da Idade Média. Em 2006, editou o fabuloso registo “E Moiro-me d’ Amor” (Cantigas de desexo e soidade), gravado na Rádio Galega e editado pela Secretaria Geral de Política Linguística, que integra dezasseis Cantigas de Amigo (de Nuno Fernandez, Lourenço xograr, Fernand’Esquío, Martin de Ginzo, Pero Meogo, Pai Gomez Charinho, Martin Codax e Meendinho). Apesar de só agora nos ter chegado às mãos, merece um justo destaque no Templo das Heresias.
(01) Vi eu, mia madr', andar (Nuno Fernandez) (2:26)
(02) Tres moças cantavan d'amor (Lourenço xograr) (3:58)
(03) Vayamos, irmana, vayamos dormir (Fernand'Esquío) (3:20)
(13) As ffroles do meu amigo (Pai Gomez Charinho) (3:16)
(08) Levous' a loaçana, levous' a velida (Pero Meogo) (3:08)
(09) Levad', amigo, que durmides as manhanas frias (Pero Meogo) (4:25)

(Separador)

“Uma Ballata de um anónimo italiano do século XIV, uma balada do século XVI provavelmente de origem árabe, um tema inspirado no canto gregoriano e um texto da Galiza do século XIII encerram o Templo das Heresias de hoje”.
(1) Ensemble Syntagma (Rússia/França) (1) Che Ti Zova Nasconder (5:10) “Stylems, Italian Music from the Trecento”
(2) Begoña Olavide (Espanha) (1) Paseabase el rey moro (5:27) “Mudejar”
(3) Catherine Braslavsky (França) (12 ) Kyrie de la nuit (4,04) “Un jour d’ entre les jours”
(4) Stellamana (EUA) (3) Zephyrus (4,34) “Star of the Sea”

Oumou Sangare (Mali) / Martín Códax (Espanha)

2009-08-02T19:22:00.003+01:00

“Um tributo belgo-zairense às crianças, uma canção de embalar da Nigéria, uma demonstração das potencialidades do bolombatto (harpa oeste-africana de 4 cordas) por um músico alemão e um tema tradicional do Rwanda sobre a felicidade conjugal de um casal. São as Heresias que abrem hoje as portas do Templo”.
(1) Zapmama (15) Zap Bébés (últimos 1:35) “Ancestry in Progress”
(2) Floxy Bee, The Hikosso Queen (9) Oluronbi (4:15) “African Lullaby”
(3) Stephan Micus (1) Earth (0:05-6:24) “The Garden of Mirrors”
(4) Cécile Kayrebwa (1) Rwanamiza (5:59) “Rwanda”

(Separador)

Nascida em Bamako, em 1969, Oumou Sangare começou por acompanhar a mãe, desde os cinco anos de idade, a cantar nas cerimónias de baptismo e casamento. No entanto, rapidamente seguiu o seu próprio caminho e, com 21 anos, tornou-se na primeira grande embaixadora da música do Mali, particularmente da região Wassoulou, no sul do país, onde predomina um estilo musical próprio e distinto do universo dos griots.
“Sangare Kono”, a voz de pássaro, uma das mais espantosas do mundo, decidiu cantar para comentar sobre todos os aspectos da vida no seu país, sobretudo os problemas sociais que as mulheres enfrentam diariamente, mas também da sensualidade do amor inexperiente, da dor do exílio, da necessidade de cultivar a terra e da fragilidade da vida humana. Poligamia, arranjo de casamentos, compra de noivas e excisão são alguns dos assuntos tabus abordados por Sangare nas suas canções.
Em 1990, Oumou Sangare editou “Moussolou” (Mulheres), em 1993 lançou “Ko Sira” e, em 1996, fez sair “Worotan”, os três para a etiqueta World Circuit, todos aqui atempadamente destacados no Templo das Heresias. Seguiu-se, em 2003, o lançamento do duplo CD “Oumou”, um álbum que recupera os 12 melhores temas dos seus três registos para a World Circuit e que inclui, ainda, 8 temas nunca antes editados em CD (nomeadamente 6 faixas da bem sucedida cassete “Laban”, apenas disponível no Mali).
Este ano (2009), Oumou Sangare regressa com "Seya" (Divertimento), que levou entre dois a três anos a ser preparado. A diva do Mali confessa que demorou tempo, por ter escolhido cuidadosamente as letras e as melodias, de forma a resultarem sedutoras, vibrantes e poderosas. E assim, Oumou prossegue a cruzada de continuar a encorajar a igualdade entre homens e mulheres e a cantar hipnoticamente temas universais como o amor, a morte, o destino, o respeito recíproco, a esperança, a harmonia e o divertimento.
Mais informações em: www.oumousangare.co.uk
www.worldcircuit.co.uk
(05) Kounadya (4:33)
(04) Donso (6:09)
(06) Senkele Te Sira (4:33)
(02) Sukonyali (6:01)

(Separador)

“Uma melodia zapoteca de devoção à alma, um tema de apelo ao sentimento, uma canção de amor sofrido e uma balada de uma jovem angustiada. A música sentida do México, no encerramento da 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Lila Downs (6) Xquenda (5:03) “Tree of Life”
(2) Chavela Vargas (2) Un Mundo Raro (Até 5:28) “En Carnegie Hall”
(3) El Negro Ojeda (I-11) Albur de Amor (3:37) “Cuadernos de Mexico”
(4) Astrid Hadad y los Tarzanes (3) Gritenme piedras del campo (3,04) “Ay!”

2ª Hora

“Um tema tradicional da Soria, uma canção de amor da corte de Viena (século XII), um poema trovadoresco de Giraut de Bornelh de Périgord (século XII) e uma cantiga de amigo do rei D. Sancho I de Portugal (século XII) abrem as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias.”
(1) Vox Suavis (França/Espanha) (5) Que hermosa noche (3:36) “Vox Suavis”
(2) I Ciarlatani (Alemanha) (4) Der winter were mir ein zit (5:22) “Codex Manesse: Minnesinger of the Great Heidelberg Song Manuscript”
(3) Alba (Suécia/Dinamarca) (1) Reis glorios (9:20) “Songs of Longing & Lustful Tunes”
(4) Ensemble Perceval (França) (5) Ay eu coitada (1:45) “Minnesänger-Troubadours-Trouvères”

(Separador)

O grupo de música antiga Martín Códax, da Galiza, estuda e interpreta o repertório musical escrito, desde a Idade Média até ao Renascimento, dedicando especial atenção à composta nos séculos XII, XIII e XIV.
Desde a sua fundação, em 1993, o ensemble tem participado em numerosos acontecimentos musicais em toda a Espanha, nomeadamente em concertos, programas de rádio e televisão, congressos, feiras medievais, entre outros, com o propósito de divulgar a música medieval (sobretudo, a lírica galaico-portuguesa e, particularmente, a música relacionada com o “Caminho de Santiago”). Por outro lado, o grupo tem colaborado com editoras galegas na difusão da literatura medieval, destacando-se a sua participação na edição dos livros “Martín Códax” (Editorial Galaxia) e “O viño da Vida” (Editorial Xerais).
A discografia do ensemble Martín Códax mergulha exaustivamente nas manifestações musicais mais relevantes da Idade Média na Península Ibérica, nomeadamente nos códices, nos romances de peregrinação e na poesia trovadoresca do século XIII. Nas suas interpretações utilizam reproduções de instrumentos medievais (fídula, organistrum, harpa, guitarra mourisca, chirimía, darbouka...), construídos segundo os modelos que aparecem nas principais fontes iconográficas (nomeadamente no Pórtico da Gloria da Catedral de Santiago de Compostela e nas iluminuras das Cantigas de Santa Maria), bem como instrumentos tradicionais (sanfona, gaita, pandeiro...), procurando, assim, uma plena integração de todos os elementos para a realização de uma música viva e gratificante.
O projecto mais arrojado do ensemble Martín Códax chama-se “Devotio: Música para la Virgen y Santiago”, um duplo CD, com dois libretos de 48 e 52 páginas, respectivamente, editado pela etiqueta Cantus Records. O primeiro disco é dedicado a cantigas do século XIII e inclui treze Cantigas de Santa Maria, composições em galaico-português dedicadas à Virgem e que foram compostas por volta de 1250-80, sob a direcção do então rei de Castela, Afonso X, o sábio (1221-1284); sete Cantigas de Amigo do supremo trovador de Vigo, Martín Códax, as mais importantes da lírica trovadoresca galaico-portuguesa, que figuram no Cancioneiro da Vaticana e no Cancioneiro da Biblioteca Nacional, bem como no pergaminho Vindel; e três Cantigas de Escárnio, um género de poesia trovadoresca, cuja principal característica é a crítica ou sátira, escrita em galaico-português por jograis e menestréis. O segundo disco é dedicado às devoções e inclui nove canções do Codex Calixtinus ou Liber Sancti Jacobi, um conjunto de textos reunidos em Santiago de Compostela, que se apresentava como da autoria do Papa Calisto II (Século XII); quatro composições do Codex Huelgas, manuscrito medieval copiado no início do século XIV no mosteiro cisterciense de monjas de clausura de Santa Maria la Real de Las Huelgas, próximo de Burgos, que contém obras musicais pertencentes a um período da música medieval conhecido como Ars antiqua; duas canções do Llibre Vermell de Montserrat, um manuscrito iluminado contendo uma colecção de canções do final da Idade Média, escrito no século XIV e preservado no Mosteiro de Montserrat, nos arredores de Barcelona; e cinco Romances de peregrinação, nomeadamente a Santiago de Compostela.
Mais informações em:
http://www.martincodax.org/
http://www.cantus-records.com/
I (10) Pois que Deus (3:17)
(11) A madre de Deus (5:34)
(14) Ondas do mar de Vigo (3:01)
(17) Quantas sabedes amar amigo (2:30)
(15) Mandad'éi comigo (2:37)
II (14) Cuncti simus concanentes (3:25)

(Separador)

“Recuando ainda mais no tempo, o Templo das Heresias incide, no final do programa de hoje, nos sons da música do Antigo Egipto”.
(1) Ali Jihad Racy (Líbano) (2) The land of the Blessed (6:56) “Ancient Egypt”
(2) Michael Atherton (Austrália) (17) Shen(song) (5:02) “Ankh: The Sound of Ancient Egypt”
(3) Rafael Pérez Arroyo / Hathor Ensemble (Espanha) (3) Iba Dance (6:59) “Ancient Egypt: Music in the age of the Pyramids”

Rokia Traoré (Mali) / The Renaissance Players Winsome Evans (Austrália)

2009-05-24T00:35:00.011+01:00

“De Israel provém uma fusão perfeita entre as músicas de origem muçulmana e judaica e da Argélia uma improvisação no oud, o alaúde árabe. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.
(1) Yair Dalal (4) Al Ol (7:39) “Al Ol”
(2) Alla (5) Espérance (9:57) “Tanakoul”

(Separador)

Rokia Traoré é uma jovem do Mali que representa uma nova geração de artistas africanos que permanecem fiéis às suas raízes e que, simultaneamente, mantêm um olhar sobre as tendências do mundo moderno. Esta espécie de cantautora africana conhece bem os griots, mas também o jazz, a música clássica, o rock, os blues e a música indiana. De forma segura, Rokia Traoré tem seguido as tradicionais características das músicas do oeste africano, mas enveredado também por caminhos inovadores. Por vezes, arrisca combinações instrumentais únicas, quando, por exemplo, utiliza o balafon balaba (característico de Bélédougou, a sua região, no sul do Mali) e o n’goni (espécie de guitarra maliana, o instrumento favorito dos griots Bambara). Por outro lado, Rokia rejeita definitivamente a kora, o instrumento de cordas emblemático do oeste africano, substituindo-a por uma guitarra acústica.
Depois de aqui termos destacado Mouneïssa (1998), Wanita (2000) e Bowmboï (2003), a talentosa compositora maliana regressou com Tchamanché (2008), um registo onde, uma vez mais, inclui autênticas pérolas de depuração acústica, em que a delicadeza e simplicidade não se confundem com fragilidade. A guitarra eléctrica Gretsch, a harpa, o N’Goni, a voz sussurrante de Rokia, as letras na língua Bambara e os instrumentos clássicos, tudo em perfeita harmonia, criam uma atmosfera envolvente e hipnótica, fazendo de Tchamanché um dos discos do ano.

(05) Kounandi (6:20)
(01) Dounia (5:23)
(02) Dianfa (4:33)

(Separador)

“De Espanha provém um poema de Garcia Lorca, do Indostão uma composição do século XVI e da comunidade indiana de Inglaterra um tema de Ghazal, a forma suprema da expressão do amor. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
(1) Camarón de la Isla (1) Nana del caballo grande (4:58) “Autorretrato”
(2) Ali Akbar Khan (4) Tarana (8:21) “Legacy”
(3) Najma Akhtar (4) Apne Hathon (5:36) “Qareeb”

2ª Hora

“Extraordinárias fusões entre a música antiga europeia e a tradicional indiana: Um canto gregoriano acompanhado pela sitar, um tema da Itália do século XIII cruzado com um canto devocional da Índia do Sul e um raga ocidentalizado.”
(1) Ustad Nishat Khan & Ensemble Gilles Binchois (7) Alleluia – Excita Domine, potentiam tuam (3:37) “Meeting of Angels”
(2) Aruna Sairam & Dominique Vellard (4) Ave vergene & Raga Caliani (11:31) “Sources: Devotional Chants of Southern India & Medieval Europe”
(3) Alain Zaepffel, Véronique Dietschy, Sulochana Brahaspati, Zakir Hussain et l’ensemble Gradiva (5) 3ème leçon du mercredi Saint (8:19-11:53) “Leçons de ténebres & Raga de la nuit avancée”

(Separador)

Fundado em 1967 pelo professor Winsome Evans, da Universidade de Sidney, o ensemble The Renaissance Players Winsome Evans é o mais conceituado agrupamento australiano dedicado à música antiga. Tornou-se conhecido principalmente pelos seus variados e imaginativos concertos, que comportam poesia, música, dança e procissões. Como o próprio nome indica, The Renaissance Players foram constituídos para demonstrar a função particular do ensemble em dar uma nova vida e fazer reviver a música do passado, baseando o seu trabalho numa recolha exaustiva e posterior estudo e prática, no sentido de reproduzirem os estilos e géneros musicais há muito perdidos no tempo.
Em 1999, The Renaissance Players lançaram a caixa com 4 CDs “The Sephardic Experience” (Celestial Harmonies) - dedicada ao espólio das comunidades sefarditas da Europa, Império Otomano e Norte de África, (previamente editado nos registos “Thorns of Fire”, “Apples & Honey”, “Gazelle & Flea” e “Eggplants”) - que atempadamente foi destacada em “O Templo das Heresias”.
Em 2001, The Renaissance Players lançaram a antologia “Of Numbers And Miracles: Selected Cantigas de Santa Maria” (Celestial Harmonies), que compilava temas dos registos “Songs For A Wise King” (Cantigas I) “Maria Morning Star” (Cantigas II) e “Mirror Of Light” (Cantigas III).
Como temos relembrado, por variadíssimas ocasiões, a colecção de “Cantigas de Santa Maria” abarca 426 obras dedicadas à Virgem, compostas na segunda metade do século XIII, por volta de 1250-80, sob a direcção do então rei de Castela, Afonso X, o sábio (1221-1284). Pela sua coerência temática e formal, pela sua homogeneidade estilística, pelo seu número e até pela beleza dos próprios manuscritos que as contêm (alguns deles com luxuosas miniaturas), esta colecção tornou-se num fenómeno particular na história da música medieval e constitui o cancioneiro com mais variedade de temas acerca da Virgem Maria em toda a Europa.
(13) Cantiga 100: Santa Maria strela do dia (3:55)
(02) Cantiga 10: Rosa das rosas (5:34)
(05) Cantiga 2: Muito devemos varões (7:36)
(14) Cantiga 340: Virgen madre groriosa (10:08)

(Separador)

“Cânticos religiosos do Líbano, Bulgária e Austrália/Inglaterra encerram o Templo das Heresias de hoje”.
(1) Soeur Marie Keyrouz & L’Ensemble de la Paix - (2) Ilahi hanayta-s-sama (8:11) “Cantiques de l’Orient”
(2) Vox (10) Alleluja (7:46) “X Chants from Christian Arab Tradition”
(3) Sinfonye (10) O Bonifaci (3:04) “O nobilissima viriditas (The Complete Hildegard Von Bingen, volume three)”

Bako Dagnon (Mali) / Capella de Ministrers (Espanha)

2009-04-06T01:40:00.009+01:00

“Um diálogo intenso entre a tradição do Senegal e a modernidade, um manifesto do Burkina Faso sobre a tolerância, uma canção da Gâmbia acerca da saudade da família e uma homenagem da Guiné à desaparecida rainha das Amazonas. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Seckou Keita Quartet (CD 2 - 10) Tounga (5:42) “Desert Blues 3: Entre Dunes et Savanes”
(2) Victor Démé (2) Djôn’maya (4:04) “Victor Démé”
(3) Justin Adams & Juldeh Camara (11) Me Wairi Bainguray Am (2:20) “Soul Science”
(4) Les Amazones de Guinée (3) Reine Nyépou (6:20) ”Wamato”

(Separador)

Bako Dagnon, "uma das grandes figuras da música tradicional do Mali", segundo o jornal “L'Essor Bamako”, faz parte de uma geração de proeminentes griots do oeste africano. Nascida em N'Golobladji, perto de Kita, em 1948, Bako começou a cantar desde criança, para acompanhar a mãe em cerimónias, nomeadamente em baptizados e casamentos. Sendo uma griot, Bako Dagnon foi educada no sentido de estudar a genealogia e a história do Mali, recuando ao império Mandinga do século XIII, a fim de perpetuar o grande passado do seu país.
Após ter participado em espectáculos a nível local, em Kita, Bako Dagnon foi seleccionada para a Bienal de Bamako em 1972, para representar a sua região. Em 1974, foi convidada para se juntar ao Ensemble Instrumental do Mali, onde permaneceu 10 anos. Com este grupo, juntamente com grandes cantoras como Mokontafe Sacko, Sarafing Kouyaté, Wandé Kouyaté e Nantenedié Kamissoko, Bako Dagnon ajudou a desenvolver e a promover a música tradicional do Mali, pelo que o reitor (dean) da música do país, o falecido Bazoumana Sissoko, a convidou por diversas vezes para cantar em sua casa.
Bako Dagnon produziu no Mali, ao longo dos anos, cinco cassetes. Ainda assim, a sua importância para a música do seu país vai além disso. O seu conhecimento enciclopédico das línguas, das tradições e da história do Mali era sobejamente conhecido e até o célebre Ali Farka Touré a consultou e recorreu aos seus ensinamentos, por diversas ocasiões. Bako foi convidada para participar no registo “Electro Bamako”, de Mamani Keita & Marc Minelli e quando o produtor senegalês Ibrahima Sylla da Syllart Productions lhe pediu para participar na gravação do segundo volume do projecto “Mandekalou”, abriu-se-lhe o caminho para gravar um álbum no seu próprio país.
Bako Dagnon publicou o seu primeiro registo, “Titati”, em Novembro de 2007, gravado principalmente no Estúdio Bogolan, em Bamako, e, parcialmente, em Paris. Com arranjos do director artístico François Bréant, que se tornou conhecido por ter trabalhado com Salif Keita, Sekouba Bambino, Idrissa Soumaoro e Thione Seck, "Titati” oferece uma muito interessante mistura de canções antigas com arranjos modernos. Descreve as realidades da vida maliana (“Toubaka”); celebra a beleza da mulher (“Sansando Minata”); conta como um caçador impressiona a esposa do rei (“Donsoke”); defende a importância da verdade (“Telemba”); elogia um ferreiro (“Noumou”); ou faz uma homenagem a Bakary Soumano, um dos mais importantes griots (“Bounteni”)… O variadíssimo repertório e a voz sublime de Bako Dagnon fazem de "Titati” um clássico instantâneo.

(06) Bounteni (4:57)
(10) Ikérifayé (7:28)
(05) Noumou (3:59)
(07) Titati (5:52)

(Separador)

“Um tema do Ghana sobre a saudade de outros tempos, uma canção tradicional do Togo de apelo à união, uma melodia do Quénia que celebra a chegada da chuva e um lamento do Uganda sobre a dor de quem é forçado a abandonar a sua pátria. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Aaron Bebe Sukura & the Local Dimension Palm Wine Band (3) Asaakummene Tengdar (3:39) “Acoustic Ghanaian Highlife”
(2) Ali Bawa (6) Ki Man Wo (3:40) “Togo: Music from West Africa”
(3) Ayub Ogada (9) Kothbiro (5:36) “En Mana Kuoyo”
(4) Geoffrey Oryema (6) Makambo (5:00) “Exile”

2ª Hora

“Um canto sefardita de Esmirna, um romance de origem árabe do século XV e uma ballata de um anónimo italiano do século XIV.”

(1) Constantinople (8) El rey de Francia (4,29) “Memoria Sefardí: Musique d’ Espagne juive et chrétienne”
(2) Begoña Olavide (1) Paseabase el rey moro (5,27) “Mudejar”
(3) Ensemble Syntagma (1) Che Ti Zova Nasconder (5,10) “Stylems: Italian Music From The Trecento”

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Sob a direcção de Carles Magraner, o ensemble Capella de Ministrers foi fundado em 1987, com o objectivo de recuperar o património musical espanhol, sobretudo o valenciano. Especializou-se na interpretação do repertório musical anterior ao século XIX e, em pouco tempo, consolidou-se como um dos grupos de referência nos domínios da música antiga vocal e instrumental.
Uma intensa actividade dedicada a espectáculos ao vivo, aliada a tarefas de recuperação e de investigação musicológica, impulsionadas por Carles Magraner e patrocinadas pela Universidade de Valência, deixam perceber o duplo compromisso adquirido pela Capella de Ministrers: resgatar a música antiga como parte essencial e fundamental da memória colectiva e aproximá-la do nosso tempo, à luz do século XXI, em que a arte e a cultura se nos apresentam como autênticos pilares do pensamento contemporâneo.
Entre as obras que a Capella de Ministrers tem recuperado, poderão citar-se a adaptação para palco da zarzuela do século XVIII “La Madrileña” de Vicente Martín y Soler (nunca antes publicada), o primeiro “Oratorio Sacro” espanhol, a mais antiga versão de “El Misteri d'Elx” e a ópera “Dido e Aeneas” de Henry Purcell.
A Capella de Ministrers, por outro lado, tem colaborado com realizadores como Alex Rigola, Juli Leal, Vicent Genovés, Jaume Martorell; fez programas para a TVE (Televisão Nacional de Espanha), a Radio 2 e a RNE (Rádio Nacional Espanha), bem como para várias estações de rádio e televisão europeias e sul-americanas; publicou cerca de 20 gravações através da EGT, Blau, Auvidis e CDM (esta última a gravadora do grupo desde 2002), algumas delas alvo de várias distinções, entre as quais se destacam o prémio de Melhor Produção pelo Ministério da Cultura e um conceituado prémio da Editorial Prensa Valenciana.
A música da Capella de Ministrers para “Cant de la Sibil.la” fez parte da banda sonora do filme “Son de Mar” de Bigas Luna e iniciou uma série de colaborações entre o grupo e o director catalão. Em 2002, o Workshop de Bigas Luna criou o segmento audiovisual da peça “Lamento di Tristano” e em 2003, Luna, mais uma vez, contou com a participação da Capella, desta vez na adaptação de “Comédias Bárbaras” de Valle-Inclán, que encerrou a Bienal de Valência.
Arrojado e ambicioso foi o projecto da Capella de Ministrers, em 2008 intitulado “Música en Temps de Jaume I”, para comemorar o aniversário do nascimento de Jaume I (1208-1276), rei conquistador, homem de estado e político hábil e realista, fundador do reino dos valencianos no século XIII. Trata-se de um livro luxuoso com 200 páginas e que inclui as três novidades discográficas da Capella: “Ad honorem Virginis” (Polifonia sacra a la Corona d’ Aragó i el Cant de la Sibil.la (s. XII-XV), “Amors e Cansó” (Trobadors de la Corona d’ Aragó (s. XII-XIII) e “Al-hadiqat Al-dai´a” (Música i poesia andalusí a la Valènciadels s. XII-XIII). Um documento imprescindível em qualquer discografia que se preze.

(01) Ab hac familia (1:41) “Ad honorem Virginis”
(07) Nativitas Marie virginis (5:03) “Ad honorem Virginis”
(04) Ab la fresca clardat (6:34) “Amors e Cansó”
(13) Amors, mercê no sia (4:02) “Amors e Cansó”
(03) Oh València, tu no ets tu (3:35) “Al-hadiqat Al-dai´a”
(05) La Russafa de València (2:57) “Al-hadiqat Al-dai´a”

(Separador)

“Um poema de amor do Minnesänger Konrad von Würzburg do século XIII, uma cantiga dedicada a Santa Maria do rei Afonso X de Castela, uma prosa do século XIV do Códex Huelgas de Burgos, um texto do Codex Manesse de Heidelberg do século XIII e outra cantiga de Santa Maria. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Ensemble Lucidarium - (12) Winter vf der heide blvomen selwet (2,12) “En chantan m’ aven a membrar” (Troubadours, Trouvères et Minnesänger du Rhône au Rhin)
(2) Camerata Mediterranea (13) Cantiga 200 Santa Maria Loei (5,34) “Cantigas de Santa Maria”
(3) Voces Huelgas (6) Cetus Apostolici (2:42) “Inedit Poliphony”
(4) Freiburger Spielleyt (10) Willekomen si der sumer schoene (3:17) “O Fortuna”
(5) Ensemble Unicorn (6) Que por al non devess (2:20) “Alfonso X el Sabio”

Mari Boine (Noruega) / Ensemble Cantilena Antiqua (Itália)

2009-02-08T15:47:00.007Z

1ª Hora

“Um tema da Argélia sobre a tristeza, uma melodia do México sobre a atracção pelas viagens, uma canção que reinventa o tango argentino e um canto da máfia italiana sobre a importância da honra. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Souad Massi (10) Malou (6:08) “honeysuckle (mesk elil)”
(2) Lhasa de Sela (6) La frontera (3:02) “The Living Road”
(3) Silvana Deluigi (1) La Cumparsitta (3:36) “Yo!”
(4) Autor desconhecido (13) Tira la pinna (4:27) ”Omertà, Onuri e Sangu”

(Separador)

O território Saami é a maior região rural contínua da Europa, estendendo-se pela costa noroeste da Noruega, pelo Norte da Suécia e da Finlândia e ainda pela península de Kola, no Noroeste da Rússia. Os Saami, estimados em cerca de 50 mil, são, muitas vezes, conhecidos no Ocidente por Lapões e o seu território por Lapónia. No entanto, preferem que os tratem por Saami, palavra que significa simplesmente “Homem”, enquanto Lapão se pode traduzir por “povo que foi levado para o fim do mundo”.
A canção tradicional dos Saami, a joik, é anterior à sua evangelização e foi caracterizada por alguns investigadores como uma das mais antigas tradições musicais da Europa. Normalmente interpretadas à capela, ou seja, sem acompanhamento musical, com palavras ou só com sons vocais, que procuravam transmitir a essência de uma pessoa, de uma vida, de uma realidade, de um fenómeno, as joik foram rejeitadas pelos primeiros missionários cristãos que as consideravam “canções do diabo”.
Um joik pessoal é um símbolo acústico individual Saami, que é partilhado apenas num muito restrito círculo de pessoas. Aprende-se a joik quando se é criança. Os pais podem oferecer uma joik ao seu filho e, mais tarde, quando a criança se torna adulta, essa joik pode alterar-se. Também se pode dar uma joik à pessoa amada e, nesse caso, trata-se de um compromisso, de algo que está sempre presente. É uma oferta, uma prenda que durará para toda a vida.
A principal embaixadora cultural dos saami, a norueguesa Mari Boine, tem-se dedicado a recuperar as entoações xamânicas do canto joik, cruzando-o com ritmos de todo o mundo. Com efeito, Mari Boine, saami mas também cidadã do mundo, junta a música tradicional do seu povo com a riqueza rítmica e harmónica de outras culturas ancestrais. Um encontro que passa pelo cruzamento dos sons étnicos de África ou da América do Sul com influências mais actuais como o jazz, o rock, a pop ou mesmo a música electrónica. Enceta, a cada álbum, autênticas peregrinações sonoras, utilizando instrumentos como o violino árabe, a charanga peruana, as flautas andinas ou as percussões africanas.
Com mais de vinte anos de carreira e treze álbuns editados, Mari Boine tem vindo a ser destacada, ao longo dos anos, no Templo das Heresias, nomeadamente aquando da edição dos registos “Gula Gula” (1989), “Goaskinviellja/Eagle Brother” (1993), “Leahkastin/Unfolding” (1994), “Bálvvoslatnja/Room of Worship” (1998), “Odda Hámis” (Remixed) (2001) e “Gávcci Jahkejuogu/Eigth Seasons” (2002). Voltamos agora, para vos dar a conhecer “Idjagieđas/In the Hand of the Night” (2006) e “Bodes Bat Gal Buot Biros/It Ain’t Necessarily Evil” (Remixed Vol II) (2008), os seus dois últimos álbuns, verdadeiros manifestos que acrescentam novas sonoridades à joik tradicional.

(3) Suoivva/The Shadow (6:03) “Idjagieđas/In the Hand of the Night”
(1) Vuoi Vuoi Mu/ Vuoi Vuoi Me (4:49) “Idjagieđas/In the Hand of the Night”
(2) Gos bat munno cinat leat/syntax Erik (6:07) “It Ain’t Necessarily Evil”
(4) Boadan nuppi bealde/120 Days (5:27) “It Ain’t Necessarily Evil”

(Separador)

“Um tema tradicional do Uzbequistão em homenagem aos pais, um fragmento de uma história arménio-curda sobre o rapto de uma jovem e uma demonstração das potencialidades do Kanoun (instrumento que descende da harpa faraónica). São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”

(1) Matlubeh (9) Ateh-Anah (4:50) “Yar Kelour”
(2) Kotchnak (8) Gulizari voghpe (4:53) “Chants Populaires Arméniens”
(3) Soliman Gamil (7) Sufi Dialogue (5:26) “The Egyptian Music”

2ª Hora

“Um canto anónimo da Sicília do Séc. XV, um hino a Santiago retirado do Codex Calixtinus do Séc. XII e um tema anónimo dos Cruzados, do Séc. XIII.”

(1) Al Qantarah (8) Dolce lo mio drudo (6,40) “Abballati, abballati! Canti e suoni della Sicília Medievale”
(2) Ensemble Weltgesang (1) Dum Paterfamilias (7,36) “Primus ex Apostolis: Saint Jacob in the Medieval Pilgrimage Songs”
(3) The Toronto Consort (5) Quen quer que na Virgen fia (5,59) “The Way of the Pilgrim: Medieval Songs of Travel”

(Separador)

Se nos debruçarmos sobre os últimos séculos da Idade Média, concretamente entre XII e XIV, constatamos que a fermentação social e cultural desta época não se pode pôr em paralelo com o imobilismo até então reinante. É certo que, a partir do séc. X, findas as últimas invasões, a Europa se começa lentamente a transformar; mas só então a nova mentalidade, a princípio confinada à orla mediterrânea, passa a ocupar o primeiro plano.
É a vez da língua vulgar ascender à dignidade da escrita, tradicionalmente restrita ao latim; é a vez do indivíduo se descobrir como autor, reivindicando uma voz original. Saímos do reino dos anónimos, dos que apenas julgam transmitir uma herança e entramos no reino dos criadores, dos que deixam assinatura.
Nascendo no seio de uma cultura oral, a expressão da nova atitude é, naturalmente poética: a poesia, com as suas rimas, a sua métrica, e o seu repertório de expressões, facilita a memorização. Por outro lado, um suporte musical permite realçar certas características formais da poesia, enquanto dá tempo à sua fixação e à sua reprodução. A lírica do séc. XII a XIV surge, pois, com dois aspectos inseparáveis: o literário e o musical.
É sobretudo sobre as produções poéticas e musicais da Baixa Idade Média, mas também do Renascimento, que se move a acção do Ensemble Cantilena Antiqua, fundado por Stefano Albarello em Bolonha (Itália) em 1987 e composto por músicos que se especializaram em realizar simultaneamente repertórios sagrados e profanos.
A recuperação dos repertórios antigos pelos elementos dos Cantilena Antiqua é o resultado de uma investigação cuidada em fontes musicais, na literatura e na história das épocas medieval e renascentista. A recolha musical abrange uma vasta gama de diferentes tradições musicais e a interpretação tem em conta, o mais possível, uma fidelidade à tradição, uma vez que o Ensemble assegura que são preservados os sons e estilos originais do período que abarcam.
Naturalmente que o Ensemble Cantilena Antiqua faz uso de réplicas de instrumentos para aprofundar particularmente o aspecto do desempenho. Desses instrumentos, que variam de acordo com o período abordado, contam-se alaúdes de vários tamanhos, flautas, bombardas, realejos, symphonia, percussões e violas, entre outros. Relativamente às vozes, os intérpretes variam cada tempo, de acordo com a polifonia, dando preferência a vozes masculinas e a contra tenor.
Da riquíssima produção discográfica do Ensemble Cantilena Antiqua, destacamos três registos: “Ondas do Mar” (el canto de amor en el Mediterráneo del siglo XIII) (Symphonia 1998), uma mistura de sons, ritmos e letras que expressam com clareza o mundo musical do século XIII, principalmente da Espanha e da Sicília, mas também da Grécia e da Turquia; “Canticum Canticorum” (il simbolo sacro dell’amore nella tradizione musicale Medioevale dell XII e XIII Secolo) (Symphonia 1995), que tem por base o "Cântico dos Cânticos", que na Idade Média se tornou uma das mais importantes referências do ascetismo espiritual, a chave que abriu as portas para o caminho que conduz a alma a Deus, tornando-a perfeita na união com a mente; e “Aines” (Mistero Provenzale Medioevale dell XV Secolo) (Symphonia 1999), sobre o Mistério de Santa Agnes, cujo martírio, narrado num manuscrito conservado na Biblioteca do Vaticano, se insere numa tradição de teatro popular religioso que se desenvolveu nos meios seculares.

(30) Rex Salomon fecit templum (3:52) “Canticum Canticorum”
(19) Virgines egregie/Veni dilectus meus in hortum/Veni in ortum meum (4:12) “Canticum Canticorum”
(12) Ay ondas (3:47) “Ondas do Mar”
(02) Ai tal domna (5:09) “Ondas do Mar”
(05) Rei Glorios (5:51) “Aines”

(Separador)

“Uma oração penitencial sefardita e uma cantiga dedicada a Santa Maria, do tempo do rei Afonso X, de Castela. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Alia Musica - (2) Eleja (7,52) “Puerta de Veluntad: Liturgia y mística en la música judeoespañola”
(2) Malandança (5) Cantiga 323 Ontre todalas vertudes (12,50) “Unha noite na corte do rei Afonso”

Os melhores discos de 2008

2008-12-23T00:08:00.002Z

“O Templo das Heresias” apresenta as suas 30 maiores referências discográficas do ano de 2008. Apesar de serem consideradas das tendências menos conhecidas do mundo da música, não deixam, no entanto, de ser, das mais interessantes.

Al Andaluz Project - Deus et Diabolus (Galileo)*
Aleksandra Alexander - Music for Medieval Faires (Bunny Records)
Arriba La Cumbia! (Crammed Discs)
Aruna Sairam – Divine Inspiration (World Village)
Bako Dagnon – Titati (Syllart) *
Beatus – Trobar: Chansons d’amour, de la Vierge à la Dame (Alpha)*
Choeur de Chambre de Namur/ Psallentes/ Les Pastoureaux/ Millenarium – Llibre Vermell (Outhere/Ricercar)
Desert Blues 3/Entre Dunes et Savanes (Network)
Eduardo Paniagua/ Jorge Rozemblum – Klezmer Sefardí (Pneuma)*
Ensemble Belladonna – Melodious Melancholye: The Sweet Sounds of Medieval England (Raumklang)*
Esma Redzepova - Gypsy Carpet (Network)*
Gabi Lunca - Sounds from a Bygone Age, Vol. 5 (Asphalt Tango)
Hector Zazou & Swara – In the House of Mirrors (Crammed Discs)
Hespèrion XXI - Estampies & Danses Royales (Alia Vox)
Hespèrion XXI / Al-Darwish / La Capella Reial de Catalunya / Jordi Savall – Jérusalem (Alia Vox)
Ioculatores (Raumklang)*
Istanbul Oriental Ensemble - Grand Bazaar (Network)*
Jalda Rebling – Juden im Mittelalter (Raumklang)*
Justin Adams & Juldeh Camara - Soul Science (Wayward)*
L' Ensemble Aromates – Rayon de Lune: Musique des Ommeyades (Alpha)*
Les Amazones de Guinée – Wamato (Sterns Music)

Mediterraneo (Som Livre)*
Millenarium – Danza: Danses médiévales (Outhere/Ricercar)
Rokia Traoré – Tchamantché (Universal)
The Garifuna Women´s Project - Umalali (Stonetree Records)
The Rough Guide to Turkish Café (World Music Network)
Theodora Baka – Myrtate: Traditional Songs from Greece (Raumklang)*
Toni Iordache - Sounds from a Bygone Age, Vol. 4 (Asphalt Tango)*
Toumani Diabaté - The Mandé Variations (World Circuit)
Victor Démé - Victor Démé (Chapa Blues)

* Estes discos têm data de edição anterior, mas só em 2008 foram colocados à disposição de “O Templo das Heresias”.

Hadja Kouyaté (Guiné Conácri) / Ensemble Aromates (França)

2008-12-09T00:13:00.009Z

“Uma canção lírica da Bósnia, um tema político da Córsega, uma história de amor da Bulgária e um canto de trabalho da Arménia. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Nada Mamula (1) Kad ja … (4,09) “Echoes from an endangered world”
(2) Gjacumina Micaeli (15) Maneta (4,18) “Tra Ochju e Mare”
(3) Ivo Papasov and His Orchestra (3) Istoria … (4,17) “Balkanology”
(4) The Shoghaken Ensemble (13) Khnotsu… (4,53) “Armenia Anthology”

(Separador)

“Os “griots” são os trovadores da costa ocidental africana, os transmissores da palavra através dos tempos; com eles, os saberes e as crenças transitam de geração em geração, unindo o passado ao presente e sustentando uma unidade de representação, espiritual e divina.
Os “griots” ou “jalis” são hereditariamente músicos, diplomatas e conselheiros políticos e morais. Representam a memória colectiva dos Mandingas, são os “livreiros” de uma única e extensa tradição oral. São também os guardiões de um código moral que faz parte de cada aspecto da vida: do casamento à produção musical, da dança às disputas entre vizinhos, enfim de todo o quotidiano.
Entre outros registos de músicos “griots” de toda a África Ocidental, divulgámos aqui, em 2001, o primeiro álbum de Hadja Kouyaté, da Guiné Conácri, acompanhada por Ali Boulo Santo, do Senegal, editado pela Frikyiwa. Agora chega-nos o segundo registo de Hadja Kouyaté, agora acompanhada pelos “Guinéens”, intitulado “Yilimalo” (2003 Frikyiwa).

(9) Diarabi (5,02)
(8) Silani (4,50)
(5) Bintou (6,50)
(7) Mamassa (4,45)

(Separador)

“Um canto hebraico de Israel, uma fusão da tradição com a modernidade produzida na Sardenha, um tema joikh característico da etnia Saami da Lapónia e uma canção da Karélia escandinava. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias”.

(1) Ora Sittner & Youval Micenmacher (19) Orkha… (3,58) “Lamidbar: Vers le Désert”
(2) Elena Ledda (6) In S’Ora (3,24) “Amargura”
(3) Mari Boine (1) Cuvges…. (3,58) “Goaskinviellja: Eagle Brother”
(4) Hedningarna (8) Viima (5,00) “Karelia Visa”

2ª Hora

“Os cantos dos trovadores medievais da Provença (França) na reabertura do Templo das Heresias”.

(1) Beatus/ Jean-Paul Rigaud (8) Non es meravelha (Bernard de Ventadour) (4,05) “Trobar: Chansons d’amour, de la vierge à la Dame”
(2) Ensemble Tre Fontane (2) L’ensenhaments e’l prètz e la valors (Arnaud de Mareuil) (4,07) “Le Chant des Troubadours, vol. 2”
(3) Paul Hillier (2) Reis Glorios (9,26) (Guiraut de Borneil) “Proensa”

(Separador)

Os sete séculos da presença árabe em Espanha, de 711 a 1492, permitiram a emergência de uma civilização tolerante, em que três religiões monoteístas (a cristã, a judaica e a muçulmana) e povos de diversas origens vivessem em harmonia.
Na Andalusia desse tempo, as cidades de Córdova, Sevilha e Granada tornaram-se importantes centros culturais, artísticos e religiosos. O nome Andalusia é proveniente da designação árabe “Al-Andalus”, por sua vez originária da visigótica “Landahlauts”, que também derivou de outra palavra, “Vandalusia”, utilizada pelos Vândalos; designavam todas, uma vasta área que abarcava grande parte da Península Ibérica.
A música andalusa é o resultado da fusão das composições trazidas para a Península por músicos do Médio Oriente, do Norte de África importada pelos Berberes e pela música nativa ibérica. A junção das influências mediterrânicas orientais e ocidentais deu origem a uma música que floresceu na Espanha muçulmana, a designada Música Arabo-Andalusa.
Uma das mais importantes figuras da música “Arabo-Andalusa” foi Ziryâb, um antigo escravo do Séc. IX, que se tornou um grande poeta, músico e cantor. Proveniente de Bagdad, Ziryâb chegou a Córdova em 822 e aí introduziu várias modas desconhecidas na Andaluzia, acrescentou uma quinta corda ao alaúde, inventou o plectrum, compôs cerca de dez mil canções e desenvolveu um novo método de ensinar o canto.
Michèle Claude, a líder do Ensemble Aromates, revisitou o repertório de Ziryâb e dos seus sucessores, dando-nos a conhecer no álbum “Jardin de Myrtes: Mélodies andalouses du Moyen-Orient” (2005 Alpha) um oriente barroco e um ocidente oriental, realidades que não podem ser menosprezadas, se quisermos salvar e perpetuar o imenso património humano e cultural que recebemos do passado.
Dois anos depois, Michèle Claude e os Aromates regressam com “Rayon de Lune” (2007 Alpha), um registo que se debruça sobre a música dos Omíadas (711-714). Depois de derrotarem o rei visigodo Rodrigo, os Omíadas desenvolveram na Península Ibérica uma próspera civilização, dominada por matemáticos, astrólogos médicos, filósofos músicos, poetas, arquitectos... Só em Córdova, na biblioteca do Califa dos Omíadas, al-Hakam II (961-976) existiam mais de 400 000 obras, que nos possibilitaram o acesso a um legado riquíssimo. Combinando o idioma musical do Al Andalous com os timbres do organeto, do saltério do cravo e de uma rica selecção de instrumentos de percussão, mais uma vez, os Aromates surpreendem.

“Jardin de Myrtes” (1) Ouverture Nawa Athar (7,03)
“Rayon de Lune” (4) Vent de Grenade (3’59)
(5) Alcool (4’06)
(1) Rayon de Lune (3’12)
(18) Je ne peux aimer que toi (4’07)

(Separador)

“Uma missa produzida por Sungji Hong e um salmo hebraico. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

(1) Trio Mediaeval - (11) Sanctus (4,06) “Stella Maris”
(2) Steve Reich (2) Parts III & IV (12,27) “Tehillim”

Victor Démé (Burkina Faso) / Ricercar (Bélgica)

2008-11-15T23:15:00.007Z

1ª Hora

“Um canto griot dos trovadores mandingas, um tema sobre um bravo guerreiro do Império Bamana, uma canção sobre a importância do carisma e uma homenagem a um dos maiores tocadores de kora. É com a música do Mali que abrimos hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Bako Dagnon (6) Bounteni (4:55) “Titati”
(2) Bassekou Kouyate & Ngoni Ba (5) Mbowdi (5:20) “Segu Blue”
(3) Rokia Traoré (5) Kounandi (5:23) “Tchamantché”
(4) Toumani Diabaté (5) Ismael Drame (5:45) “The Mandé Variations”

(separador)

O cantor mandinga Victor Démé, do Burkina Faso, editou este ano (2008) o seu primeiro álbum, após 30 anos de carreira. Démé herdou a música da parte da mãe, uma artista griot muito solicitada para grandes casamentos e baptizados, nos anos 60, em Bobo-Dioulasso. Da parte do pai, Démé recebeu outra herança que foi sendo transmitida de geração em geração na família Démé, a costura, praticada pelos seus tios e tias, bem como pelos seus antepassados, uma linha de costureiros da etnia Marka, dos mandingas da África Ocidental.
Foi na oficina de costura do pai, em Abidjan (Costa do Marfim), que o jovem Démé se refugiou, quando era adolescente. De dia, Victor Démé trabalhava no atelier e à noite começou a frequentar os clubes da capital e a cantar em alguns pequenos grupos. À medida que foi crescendo, Démé granjeou uma reputação nos clubes da Costa do Marfim, nomeadamente no seio da famosa orquestra Super Mandé, liderada pela estrela Abdoulaye Diabaté.
Em 1988 Victor Démé regressou ao Burkina Faso, quando o país beneficiava do ímpeto do revolucionário vermelho Thomas Sankara, que, antes de ser assassinado, trabalhou para a valorização da criação artística. Démé tinha, então, 26 anos e a sua paixão musical atingia o auge. Ganha vários prémios musicais (Concurso do Centro Cultural francês, em 1989 e o primeiro prémio da Semana Nacional da Cultura, em 1990, entre outros) e é recrutado pelas grandes orquestras, inclusivamente pela l’Echo de l’Africa e, sobretudo, pela Suprême Comenba, que dominava as noites em Ouagadougou.
Quando Victor Démé se tornava um cantor popular no Burkina Faso, graves partidas do destino o obrigaram a afastar-se do mundo da música, por vários anos. Quando regressou, após tanto tempo, Démé, para ganhar a vida, muitas vezes teve que cumprir as exigências dos donos dos clubes e ser obrigado a interpretar clássicos de Salif Keita ou de Mory Kanté. No entanto, paralelamente, Victor continua a compor as suas próprias composições.
Em 2005, Victor Démé beneficia da ligação a Camille Louvel, o gerente de Ouagajungle, um bar associativo de Ouagadougou, onde se organizavam inúmeros concertos. Em 2007, com a ajuda do jornalista David Commeillas e de activistas do Soundicate, fundam a Chapa Blues Records para promover a música de Victor. É, então, que o cantor começa a trabalhar no seu primeiro álbum, no pequeno estúdio que a equipa do Ouagajungle construiu em Ouagadougou. O estúdio da associação consiste simplesmente em duas divisões separadas por um pára-brisas de um camião, equipado com uma consola de 16 pistas, mas este é o ponto de partida para muitos artistas talentosos.
Finalmente, aos 46 anos de idade, Démé elabora um mosaico singular de melodias folk-blues, pequenos romances mandingas intimistas, com influências da salsa e do flamenco. Nos textos, em linguagem dioula, Démé apela à solidariedade nacional ("Peuple Burkinabé”), advoga à tolerância em relação ao próximo (“Djôn'maya") e presta homenagem a todas as mulheres do Burkina Faso ("Burkina Mousso” e “Sabu”). O disco encerra com dois temas da música tradicional mandinga (“Tama Ngnogon” e “Dala Môgôya”), dando a conhecer a extraordinária riqueza da música da África Ocidental.

(03) Toungan (3:27)
(02) Djôn'maya (4:04)
(09) Dankan (3:23)
(12) Djabila (6:16)

(separador)

“A Revolução cubana deu origem no plano musical a bloqueios aos intercâmbios com o exterior, gerando divergências e rivalidades. Apesar do isolamento a que foi votada, a pequena ilha não parou de progredir musicalmente. Está bem viva e recomenda-se.”

(1) Omara Portuondo (9) Veinte años (4,44) “Omara Portuondo”
(2) Ibrahim Ferrer (II) Fuiste cruel (4,27) “Buenos Hermanos”
(3) Rubén González (1) La Engañadora (2,32) “Introducing …”
(4) Buena Vista Social Club (1) Chan Chan (4,18) “Buena Vista Social Club”
(5) Orlando Cachaíto Lopez (3) Mis dos pequeñas (4,06) “Cachaito”

2ª Hora

“A música da Grécia Antiga abre hoje as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias”.

(1) Christodoulos Halaris (3) Second Delphic hymn (6,14) “Music of Ancient Greece”
(2) Atrium Musicae de Madrid (3) 1er Hymne Delphique (4,50) “Musique de la Grèce Antique”
(3) Petros Tabouris (1) Athenaeus, Paian (3,58) ) “Fragments of Ancient Greek Music”
(4) Melpomen (14) Agallís (2,31) Musique de la Grèce Antique”
(5) Petros Tabouris (16) Fragment … (0,45) “Music f Greek Antiquity”
(6) Ensemble Kérylos (10) Seikilos …(0,26 – 2,43) (2,17) “Musiques de l’Antiquité Grecque”

(separador)

Em 1980, Jérôme Lejeune formou a Ricercar, uma editora belga que se afirmou, desde logo, como um dos pilares da redescoberta da música antiga e barroca. Muitos músicos aderiram, então, ao movimento. Entre outras memórias, a Ricercar teve o privilégio de acolher os dois ensembles vocais de Philippe Herreweghe, the Collegium Vocale e a Chapelle Royale, cujo primeiro registo foi dedicado à música de Palestrina.
À medida que o tempo foi passando, a Ricercar foi-se afirmando cada vez mais no domínio da música antiga, editando cerca de 250 gravações, muitas delas verdadeiras obras-primas da história da música. Explorando temas como a música barroca alemã, as obras para órgão de Bach e dos seus antecessores alemães, a música polifónica franco-flamenga, as fontes de inspiração de Monteverdi, a descoberta dos instrumentos antigos, a monodia secular medieval, entre outros, rapidamente a Ricercar se tornou numa etiqueta de referência.
O interesse dedicado ao vasto património musical da Bélgica e dos Países Baixos foi, também, um elemento importante na política editorial da Ricercar, promovendo um repertório de qualidade muito elevada. Compositores nascidos nessas zonas e cuja actividade foi proeminente no estrangeiro (Lassus, Du Mont, Grétry, Franck, só para citar os mais conhecidos) foram justamente recordados pela Ricercar.
A personalidade espantosa de Jérôme Lejeune (diplomado em musicologia pela Universidade de Liége, professor de História da Música no Conservatório Real de Liège e fundador e director artístico da Ricercar, há vinte e cinco anos) controla todas as produções da editora, tanto a nível científico, como artístico e técnico. Com La Fenice e Jean Tubéry, Millenarium, La Pastorella e Frédéric de Roos, the Namur Chamber Choir, Les Agrémens e Guy Van Waas, Continens Paradisi, Bernard Foccroulle, Sophie Karthäuser e muitos outros, a etiqueta do futuro é mais do que nunca servida por projectos discográficos emocionantes, muitos deles amplamente aclamados pela imprensa internacional.
Hoje vamos divulgar um dos projectos mais importantes da Ricercar, os Millenarium, grupo belga dirigido por Christophe Deslignes que se move nas áreas da música antiga religiosa, cortesã e popular do baixo Mediterrâneo. Temos disponíveis os seguintes álbuns: “Chansons de Troubadours et Danses de Jongleurs” (2001), uma homenagem aos trovadores Thibaut de Champagne, Bernard de Ventadorn, Gaucelm Faidit, Beranguier de Palol e anónimos, que celebram a alegria e o divertimento do amor cortês; “Douce Amie – Chansons de Trouvères” (2002), que explora o repertório dedicado às mulheres, pelos trovadores medievais; “Carmina Burana: Tempus Transit” (2004), que se debruça sobre o manuscrito da abadia de Beuren, com textos de várias origens e estilos, descoberto no século XIX; “Carmina Burana: Officium Lusorum” (2006), uma reconstrução de uma Missa dos Doidos, tal como teria sido interpretada nas grandes catedrais francesas, no século XIII, entre o Natal e o Ano Novo, contando com as colaborações contrastantes do Choeur de Chambre de Namur e dos Psallentes, que interpretam a Missa em canto Gregoriano; “Llibre Vermell” (2007), baseado no famoso manuscrito do século XIV, da Abadia de Montserrat (Catalunha), em que os Millenarium contam com a participação dos peregrinos (Choeur de Chambre de Namur), dos monges (Psallentes) e dos coristas da abadia (Les Pastoureaux); e “Danza Danses médiévales” (2008), que se debruça sobre as raras descrições da música instrumental medieval, composta antes da emergência da polifonia.

(08) La nova estampida real (4:41) “Chansons de Troubadours et Danses de Jongleurs”
(02) A que as cousas coitadas (3:02) “Danza Danses médiévales”
(01) Au renouvel du tens (1:58) “Douce Amie – Chansons de Trouvères”
(02) Cuncti simus concanentes (4:41) “Llibre Vermell” (2007)
(01) Estampida de Rocamadour (instrumental) (3:44) “Officium Lusorum”
(14) Caterine collaudamus (3:45) “Carmina Burana: Tempus Transit” (2004)

(separador)

”Abertura da segunda parte com as canções dos judeus sefarditas e ashkenaz, na época medieval.”

(1) The Renaissance Players Winsome Evans (7) Si la mar era de leche (6:40) “The Sephardic Experience, Vol. 4: Eggplants”
(2) Jalda Rebling (13) Küng Herre, Hochgelopter Got (4:37) “Juden im Mittelalter – Aus Sepharad und Ashkenas”
(3) Naguila (8) Déror Yiqra (5:41) “Hallel”
(4) Judith R. Cohen (2) Dror Yiqra (7:51) “Canciones de Sefarad”

Theodora Baka (Grécia) / Ensemble Belladonna (Suécia/Canadá/Alemanha)

2008-10-28T19:58:00.008Z

1ª Hora

“Um canto romani da Albânia sobre o desespero pela perda de uma filha, um tema sobre a felicidade dos ciganos viajantes da Macedónia e um blues da Roménia pleno de sensibilidade. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Rromano Dives (1) E Semesqiri Gili (5:42) “Chaj Zibede: Musique Rromani d’Albanie”
(2) Esma Redzepova & Ensemble Teodosievski (4) Dzelem, Dzelem (4:47) “Gypsy Queens”
(3) Dona Dumitru Siminica (10) Mosule Te-As Intreba (7:24) “Sounds from a Bygone Age, vol. 3”
(T.T. 17:53)

(separador)

As terras gregas foram, ao longo da história, um ponto de passagem e de fixação para os mais diversos povos e ainda hoje a sua cultura reveste um invulgar diálogo entre as tradições latinas e as tradições semitas do leste.
Naturalmente que a cultura tradicional reflecte todo este secular intercâmbio entre as mais diversas etnias, embora permaneçam formas expressivas especificas da alma grega.
Em primeiro lugar, importa ter bem presente que, mais do que em qualquer lugar, na Grécia é particularmente difícil estabelecer uma linha da diferenciação entre a música popular e tradicional e outras expressões não tradicionais (sacra, por exemplo…).
Com efeito, sempre se verificou uma inteira relação entre o popular e o erudito, sendo a chamada “skolia” (canção de convívio, funcionalmente usada durante os festins e banquetes), um exemplo bem significativo dessa “simbiose” expressiva.
Outros géneros de canções tradicionais, interpretadas durante as cerimónias de casamentos, eram as “odes” e os “hinos”, aquando da entrada dos recém-casados nos seus quartos nupciais. Por outro lado, durante os funerais, os “linos” e “lamentos” davam ênfase à dor: lamentos corais e respostas em monodias que davam depois lugar a danças rituais de celebração da vida.
Uma das formas mais expressivas da música tradicional grega é a “dimotiki” ou “laika”, preferida pelo compositor Mikis Theodorakis na elaboração de obras de denúncia e de luta contra o regime ditatorial grego.
Mas, de certo modo em oposição à “dimotiki” ou “laika”, surgiu, em finais do século XIX, nas zonas pobres de Atenas, a “rembetika”, uma espécie de fado ou blues característico dos marginais, desempregados e drogados (com haxixe).
A música tradicional grega das ilhas difere de zona para zona. Assim, a música das Ilhas Jónicas, a ocidente do Épiro, é bastante diferente, por exemplo, da de Creta. Do mesmo modo, a música instrumental de Rhodes é claramente diferente das relativamente próximas Ilhas Sporades. Entre os instrumentos característicos pode encontrar-se um tipo pequeno e antigo de gaita-de-foles, designada tamboura, assim como o violino, chamado lyra, que é o instrumento típico de Creta.
Na Grécia continental, o instrumento predominante é actualmente, o clarinete, designado de Klarino, que substitui quase por completo a gaita-de-foles, gaida, e um oboé místico designado karamouza ou pipiza.
Theodora Baka, natural de Larissa (Grécia) desde criança que se foi familiarizando com as canções tradicionais da sua terra natal. Em 2007, no auge das suas capacidades vocais, editou para a etiqueta alemã Raumklang, o extraordinário registo “Myrtate: Traditional Songs from Greece”.
Fazendo-se acompanhar por uma formação pouco usual, constituída pelo oud (Thymios Atzakas), lyra (Pantelis Pavlidis) e zarb (Bijan Chemirani), Theodora Baka celebra, sobretudo, as lendas e os mitos ancestrais helénicos, mas debruça-se, também, sobre outras canções tradicionais gregas, como lamentos pela perda da liberdade por uma jovem noiva ou singelas canções de amor.

(11) Sto pa kai sto xanaleo (4:03)
(06) Mia Paraskevi (3:19)
(01) San to feggari tis anixis (6:09)
(02) Lemonia (The Lemon Tree) (5:53)
(T.T. 19:24)

(separador)

“Um tema que recria a atmosfera nocturna do grande bazar de Istanbul e um Ghazal de Rumi, o supremo poeta lírico persa do século XIII. São os sons que encerram da 1ª parte do Templo das Heresias”.

(1) Istanbul Oriental Ensemble (6) Gece Yarisinda Pazar (8:16) “Grand Bazaar”
(2) Parissa & Ensemble Dastan I (3) Daramad, Saz-o Avaz (8:02) “Gol–E Behesht”
(T.T. 16:18)

2ª Hora

“Três temas do famoso Llibre Vermell da abadia de Montserrat (Catalunha - séc. XIV) abrem as portas da 2.ª hora do Templo das Heresias”.

(1) Sarband (Bulgária) (13) Cuncti simus concanentes (5:49) “Llibre Vermell”
(2) Micrologus (Itália) (5) Los set gotxs (6:49) “Llibre Vermell de Montserrat”
(3) Capella de Ministrers (Espanha) (9) Mariam Matrem (6:27)) “Llibre Vermell”
(T.T. 19:05)

(separador)

O Ensemble Belladonna é um trio constituído por Miriam Andersén (voz e harpa), Rebecca Bain (voz e rabeca) e Susanne Ansorg (rabeca), oriundas da Suécia, Canadá e Alemanha, respectivamente. O grupo especializou-se em interpretar músicas da época medieval e dos inícios do Renascimento, à semelhança do que fazem os Anonymous 4, com quem habitualmente é comparado. Os membros do Ensemble Belladonna encontraram-se enquanto estudavam na Schola Cantorum Basiliensis, em Basileia (Suíça), permanecendo juntas desde 1997. Em 2005, o Ensemble Belladonna editou, para a etiqueta alemã Raumklang, o seu primeiro registo, intitulado “Melodious Melancholye - The Sweet Sounds of Medieval England”, uma colecção de canções de embalar, temas moralistas, celebrações à natureza, poemas inspirados no amor cortês da França medieval, contos sobre amores perdidos ou sobre os transitórios prazeres mundanos, entre outros. Temas instrumentais convincentes e habilidosos, textos riquíssimos de compositores anónimos ou de poetas medievais como Charles d’Orléans, Walter Frye, Robertus de Anglia e John Bedyngham, que datam desde os inícios do século XIII às primeiras décadas do XV, desfilam melancólica e melodiosamente e envolvem-nos hipnoticamente.
"Melodiosas" e “melancólicas” são os adjectivos apropriados para definir as vozes das intérpretes do Ensemble Belladonna neste registo, tanto mais que possuem timbres nostálgicos, suaves, agradáveis e bonitos e o repertório que interpretam são os adocicados sons da Inglaterra medieval, que reflectem um estilo de poesia mais directo e, muitas vezes, mais íntimo, que a altamente ornamentada paixão das canções italianas, ou a música cuidadosamente construída pelos idealistas franceses.

(3) Miri it is while sumer ilast (estampie, 1225) (3,03)
(6) Dou way Robin / Sancta mater gracie (motet, séc. XIII) (3,51)
(4) Ar ne kuth ich sorghe non (c. 1270) (5,04)
(1) Worldes blis ne last no throwe (c. 1265) (5,26)
(10) Alas, departynge is ground of woo (song, Séc. XV) (1,54)
(T.T. 19:18)

(separador)

“Um hino religioso bizantino à Virgem Theotokos, um tema baseado num canto maronita e um salmo para o terceiro milénio. São os sons que encerram hoje o Templo das Heresias”.

(1) Sophia Papazoglou (13) At the Beauty (8:22) “World Festival of Sacred Music”
(2) Vox (2) Kreuzigung/ Crucifixion (5:45) “X – Chants from the Christian Arab Tradition”
(3) Marie Keyrouz (5) Hymnes (5:28) “Psaumes pour le 3ème Millénaire”
(T.T. 19:35)

Os Melhores Concertos do Mundo

2008-07-29T00:13:00.006+01:00

· Música Antigua, dir. Eduardo Paniagua (Espanha) em 30/11/2011 no TAGV (Coimbra)

· Irfan (Bulgária) em 29/07/2011 no Castelo (Leiria)

· Max Romeo (Jamaica) em 18/06/2011 na Praia Areinho (Gaia)

· Hespèrion XXI (Espanha / Turquia / Grécia / França / Arménia / Marrocos) em 06/11/2010 na Casa da Música (Porto)

· Tinariwen (Mali / Sahara) em 30/07/2010 no Castelo (Sines)

· N’Diale (Bretanha / Mali) e Yasmin Levy (Israel) em 29/07/2010 no Castelo (Sines)

· Wimme (Finlândia /Povo Saami) em 29/07/2010 na Avenida Vasco da Gama (Sines)

· Terem Quartet (Rússia) em 02/06/2010 no Cine-Teatro (Estarreja)

· Ensemble Eloqventia (Espanha) em 24 e 25/04/2010 no CCB (Lisboa)

· Yungchen Lhamo (Tibete) em 08/08/2009 no Centro Cultural de Belém (Lisboa)

· Lee “Scratch” Perry (Jamaica) em 25/07/2009 no Castelo (Sines)

· Bassekou Kouyate (Mali) em 17/07/2009 no Auditório Ar-Livre (Tondela)

· Musafir (Rajasthan, Índia) em 04/07/2009 no Parque Urbano (Sever do Vouga)

· Faiz Ali Faiz (Paquistão) em 25/07/2008 no Castelo (Sines)

· Orchestra Baobab (Senegal) em 24/07/2008 no Castelo (Sines)

· Toots & Maytals (Jamaica) em 28/06/2008 na Casa da Música (Porto)

· Le Mystère des Voix Bulgares (Bulgária) em 06/06/2008 no CAE (Figueira da Foz)

· Toumani Diabaté (Mali) em 31/05/2008 no TAGV (Coimbra)

· Stephan Micus (Alemanha) em 19/01/2008 no Teatro Virgínia (Torres Novas)

· Vieux Farka Touré / Tinariwen (Mali) em 18/10/2007, no Teatro José Lúcio (Leiria)

· Angelite (Bulgária) / Moscow Art Trio (Rússia) / Huun-Huur-Tu (Tuva) em 16/06/2007 no Teatro Viriato (Viseu)

· Begoña Olavide (Espanha) em 07/03/2007 no Café Santa Cruz (Coimbra)

· Mariem Hassan (Sahara Ocidental) em 29/07/2006 na Avenida da Praia (Sines)

· Boris Kovac & La Campanella (Sérvia) em 22/07/2006 no FMM de Sines (Porto Covo)

· Laurie Anderson (EUA) / Chirgilchin (Tuva) em 15/07/2006 no Castelo (Montemor-o-Velho)

· Meredith Monk (EUA) em 07/07/2006 no Teatro Aveirense (Aveiro)

· Tinariwen (Mali) em 11/05/2006 na Casa da Música (Porto)

· Rokia Traoré (Mali) em 31/07/2004 no Castelo (Sines)

· Savina Yannatou & Primavera en Salonico (Grécia) em 30/07/2004 no Castelo (Sines)

· Warsaw Village Band (Polónia) em 29/07/2004 no Castelo (Sines)

· Lhasa (México) em 08/07/2004 no TAGV (Coimbra)

· Mari Boine (Lapónia) em 30/11/2003 no Teatro Aveirense (Aveiro)

· The Skatalites (Jamaica) em 27/07/2003 no Castelo (Sines)

· Loyko (Rússia) em 17/07/2003 no d’Orfeu (Águeda)

· GOR (Itália) em 13/07/2003 no Colinas Bar (Branca-Aveiro)

· Sainkho (Tuva) em 11/05/2001 no Teatro Cine (Covilhã)

· Esma Redzepova & Stevo Teodosievski Ensemble (Macedónia) em 27/06/1999 Palácio de Cristal (Porto)

· Pascal Comelade (França) em 24/06/1999 no TAGV (Coimbra)

· Fátima Miranda (Espanha) em 22/07/1998 no Centro Cultural de Belém (Lisboa)

· Radio Tarifa (Espanha) / Zap Mama (Bélgica/Zaire) em 29/06/1997 na Ribeira (Porto)

· Värttinä (Finlândia) em 30/03/1996 no Cinema do Terço (Porto)

· Taraf de Haïdouks (Roménia) em 08/07/1994 no Teatro Avenida (Coimbra)

· Oumou Sangare (Mali) na Casa da Cultura (Coimbra)

· Wim Mertens (Bélgica) em 30/10/1993 no Teatro Municipal de São Luiz (Lisboa)

· June Tabor (Inglaterra) em 01/06/1991 no Coliseu (Lisboa)

· Penguin Cafe Orchestra (Inglaterra) em 09/01/1991 no TAGV (Coimbra)

· Les Nouvelles Polyphonies Corses avec Hector Zazou (França) em 19/05/1990 no Cinema Tivoli (Lisboa)

· Leonard Cohen (Canadá) em 18/02/1984 no Pavilhão do Dramático (Cascais)

· Roxy Music / King Crimson (Inglaterra) em 20/08/1982 no Estádio do Restelo (Lisboa)

· Durutti Column (Inglaterra) em 6/08/1982 no Festival (Vilar de Mouros)

Os melhores discos de 2007

2008-01-03T01:06:00.001Z

“O Templo das Heresias” apresenta as suas maiores referências discográficas do ano de 2007. Apesar de serem consideradas das tendências menos conhecidas do mundo da música, não deixam, no entanto, de ser, das mais interessantes para os servidores do “Templo”.

Bassekou Kouyate & Ngoni Ba – Segu Blue (Out/Here)
Camino de Santiago (EMI/Virgin Classics)
Delphine Aguilera/Marc Bellity - Fin Amor (Buda)
Djelimady Tounkara - Solon Kôno (Marabi)*
Dona Dumitru Siminica - Sounds from a Bygone Age, Vol.3 (Asphalt Tango)*
Taraf de Haïdouks - Maskarada (Crammed Discs)
Duo Trobairitz - The Language of Love (Hyperion)
Eduardo Paniagua - España del Cid (Pneuma)
Ensemble Syntagma – Gautier d’Épinal: Remembrance (Challenge Classics)
Faiz Ali Faiz / Duquende / Miguel Poveda / Chicuelo - Qawwali-Flamenco (Accords Croisés) *
Kiran Ahluwalia – Wanderlust (Four Quarters)
Les Jardins de Courtoisie/Anne Delafosse-Quentin – Adam de la Hale: D’Amoureus cuer voel chanter (Zig Zag Territoires)
Mari Boine – In the hand of the night (Lean)*
Obsidienne - Miracle! Cantigas d'Alfonso el Sabio (Calliope)
Tinariwen – Aman Iman (Ponderosa)
Toumast - Ishumar (Wagram)
Vieux Farka Toure – Vieux Farka Toure (Modiba Productions)*
Viorica & Ionitsa – Clejani Express “A Devla” (Network)
Yerso - Heroes (Vox Terrae)
Yungchen Lhamo – Ama (Real World)*

* Estes discos têm data de edição anterior, mas só em 2007 foram colocados à disposição de “O Templo das Heresias”

Faiz Ali Faiz/Duquende/Poveda (Paquistão/Espanha) / Ensemble Syntagma (Rússia/França)

2007-12-24T18:05:00.007Z

“Uma homenagem ao maior tocador de kora (a harpa ocidental africana) de todos os tempos, uma canção sobre a aventura interpretada no dialecto bambara e uma história cantada por um griot e tocada no n’goni (pequeno alaúde de quatro cordas). São as heresias, provenientes do Mali, que abrem hoje as portas do Templo.”

1. Vieux Farka Touré - (10) Diabaté (9,17) “Vieux Farka Touré”
2. Taj Mahal / Toumani Diabaté - (2) Tunkaranke (6,30) “Kulanjan”
3. Filifin – (6) Wati (6,47) “Siran”

(Separador)

“Existem imensas similaridades entre o Flamenco e o Qawwali, notórias, sobretudo, nas suas vocalizações viscerais, catárticas, a meio caminho entre a dor e o êxtase. Se bem que distintas sob o ponto de vista musical, é certo, no entanto, que ambas as expressões cumprem funções espirituais. O flamenco é uma música nitidamente profana, que se centra no quotidiano, ao passo que os qawwals são cantores e músicos muçulmanos, geralmente nómadas, que celebram o amor místico.
A relação estreita entre o flamenco e a arte do subcontinente indiano já se havia manifestado, por exemplo, em ‘Yerbagüena’ de Pepe Habichuela & The Bollywood Strings, lançado em 2001. Mais tarde, em 2006, pela mão da etiqueta Accords Croisés, surge o fabuloso projecto “Qawwali Flamenco”, uma edição especial luxuosa, que inclui um livro de quarenta páginas ilustradas, dois CDs e um DVD. Trata-se do encontro entre o Ensemble de Qawwali Faiz Ali Faiz, do Paquistão, e um quarteto espanhol, constituído por Duquende, Miguel Poveda, Chicuelo e Vigueras. Ao longo de onze longos e fascinantes temas, desfilam sons exclusivamente de flamenco, em que a guitarra de Chicuelo acompanha Duquende ou Poveda, que cantam tangos, malagueñas, granaínas ou soleá, existem canções exclusivamente de 'qawwali', em que a voz de Faiz Ali Faiz se faz acompanhar por coros, tabla e harmonium e surgem faixas onde o flamenco e o 'qawwali' interagem ao encontro do divino.
A intensidade de “Qawwali-Flamenco”, a sua complexidade, os seus sentimentos, as suas emoções e o seu valor musical podem ser ouvidos ao longo de quase duas horas, mas também vistos num DVD com aproximadamente uma hora, que regista o concerto no Festival de Fez (Marrocos), em Junho de 2005, sob os arcos do antigo palácio de Bab Makina.

CD 1 (1) Allah hu (13,29)
CD 2 (3) Tango al mar (9,56)

(Separador)

“Felizes casamentos entre sonoridades tradicionais e outras formas de expressão contemporâneas: os norte americanos Bob Brorman, Bill Laswell e Roswell Rudd com o guineense Djeli Moussa Diawara, os etíopes Abyssinia Infinite e o maliano Toumani Diabaté. São os sons que encerram a primeira parte do Templo das Heresias”.

(1) Djeli Moussa Diawara & Bob Brozman (3) Almany (5,02) “Ocean Blues: From Africa to Hawai”
(2) Abyssinia Infinite (10) Ethiopia (6,15) “Zion Roots”
(3) Roswell Rudd’s Toumani Diabaté (1) Bamako (6,29) “Malicool”

2ª Hora

“Um poema trovadoresco do séc. XII (Beatriz de Dia) e uma cantiga de Santa Maria, de Afonso X, o sábio, do séc. XIII” na abertura da segunda parte do Templo das Heresias”.

1. Studio der Frühen Musik I (8) 11,46 “Troubadours”
2. Grupo Sema (I) (8) 7,53 “Las Cantigas de Afonso el Sábio”

(Separador)

Os dicionários e enciclopédias referem-se, muitas vezes, a Gautier d’Épinal em artigos relacionados com a música de Lorraine. Vários escritores referem-se a uma personagem obscura da Idade Média, a quem são atribuídas de quinze a trinta canções.
A identificação deste trovador evoluiu consideravelmente a partir dos finais do século XIX. As recolhas de Marquis de Pange identificaram-no como o cavaleiro Gautier V d’Épinal, que nasceu entre 1205 e 1230 e morreu em 1272 e que pertenceu a uma notável família, governante da cidade de Épinal, desde o século XI.
Contudo, Robert Lug atribuiu a Gautier d’Épinal uma identificação completamente diferente, na sua publicação “Der Chansonnier de Saint-Germain-des-Prés. Das älteste volkssprachige Liederbuch Europas. Melodien, Notation, Entstehung, politisches Umfeld” (vol. 1-4, Peter Lang, 2007). De acordo com o Dr. Lug, Gautier d’Épinal era um clérigo, sobrinho do bispo de Metz, que morreu em 1232.
Independentemente de ter sido um senhor nobre de Ruppes ou um clérigo de Metz, o essencial de Gautier d’Épinal encontra-se na sua música. Verdadeiramente importante é que Gautier d'Epinal era uma figura notável na história da música e, indubitavelmente, o compositor mais brilhante e original da história de Lorraine. A criatividade melódica de Gautier ultrapassa largamente os clichés do seu tempo, deixando à melodia, transbordante de ornamentos, um curso livre. A energia das suas intonações criou uma expressividade impressionante. Gautier d'Epinal foi também um poeta-filósofo que ultrapassou as limitações da arte cortesã e antecedeu em cerca de meio século as inovações da Ars Nova (Trecento).
O Ensemble SYNTAGMA, especialista nos repertórios medieval, renascentista e barroco, fundado em 1995 por Alexandre Danilevski, compositor e músico de Saint-Petersbourg, depois do extraordinário "Trouvères en Lorraine", aborda a poesia e a música do trovador francês em “Gautier d'Epinal: Remembrance" (2007 Challenge Records Int.), sem margens para dúvidas, um dos registos do ano.

(02) Quand je voi l’erbe menue (4,45)
(11) Par son dolz comandemant (4,20)
(07) Aÿmansfinset verais (5,36)
(15) Quand je voi l’erbe menue (4,45)

(Separador)

“Uma cantiga anónima do séc. XIII, uma cansó de Berenguer de Palol do séc. XII e uma canção trágica de Bernard de Ventadorn também do séc. XII. É com a poesia trovadoresca de Provença medieval que encerramos hoje o Templo das Heresias”.

3. Diabolus in Musica (14) Bele … (6,06) “La Doce Accordance: chansons de Trouvères”
4. Altramar (6) Dona …(8,00) “Iberian Garden, Vol.I”
5. Millenarium (3) Cen (5, 58) “Chansons de Troubadoures et Danses de Jongleurs”

Terrakota (Portugal) / Obsidienne (França)

2007-09-15T02:35:00.003+01:00

“Um tema de mbira, género musical tocado no Zimbabwe há mais de mil anos; uma improvisação em balafon do Burkina Faso (instrumento semelhante ao xilofone); uma dança dos Fang, do Norte do Gabão, também acompanhada por balafon; uma missa africana em estilo congolês e um canto dos índios Shawnee dos EUA, habitualmente entoado no fim das colheitas. São as heresias que abrem hoje as portas do Templo.”

1. Erica Kundidzora Azim - (6) Bangidza (5,15) “Mbira Dreams”
2. Gabin Dabiré - (9) Mamidi (3,45) “Afriki Djamana: Music from Burkina Faso”
3. Lambarena – (7) Pepa Nzac (0,18-4,24)(4,05) “Bach to Africa”
4. Muungano National Choir, Kenya – (1) Kyrie (2,28) “Missa Luba”
5. Yaki Kandru – (9) Canto de los Shawnee (2,16) “Music from The Tropical Rainforest & other Magic Places”

(Separador)
A aventura dos Terrakota começou em 1999 e incidiu sobretudo no universo dos ritmos afro-americanos. Baseando-se em harmonias e ritmos tradicionais e populares africanos, piscando o olho às sonoridades das Antilhas e usando uma série de instrumentos de vários locais do planeta, os Terrakota executam uma interessante música de fusão, um autêntico caldeirão de culturas, onde cabem o Reggae, o Gnawa, Cuba, África e o Brasil.
Este ano, os Terrakota lançaram o álbum intitulado Oba Train, editado pela Gumalaka (surgida da união de esforços entre a editora Matarroa e a Radio Fazuma). Este terceiro álbum de originais dos Terrakota é uma amálgama de ritmos loucos e de sons de grande folia e espectáculo. De viagem em viagem, Oba Train mergulha nos ritmos quentes de África e da América e desliza nos carris do afro-beat, reggae, mbalax, soukous, raï, flamenco, salsa, zouk, samba, son... O Oba Train vai de continente em continente e expressa-se em português, wollof, inglês, yoruba, francês, dioula, espanhol, crioulo, árabe… A mensagem é de mestiçagem, respeito pela natureza e de crença num planeta melhor. “(...) É por aqui que o Oba Train nos leva, para um universo mais humano, para um espírito mais universal, e este comboio nunca pára (...)”
As participações especiais de Ikonoklasta, de Conductor do Conjunto Ngonguenha (Angola) e do lendário U-Roy (Jamaica) contribuem, ainda mais, para a riqueza de um dos melhores discos do ano.

(4) Sunnu Gal (6,57)
(6) Maghrebi (5,40)
(10) Watcha Gonna Dub (4,23)

(Separador)

“Um tema da Guiné de apelo à diversão, um encontro feliz entre dois dos mais importantes músicos do Mali, uma melodia da região dos Fulani (tribo semi-nómada do sul do Senegal) e uma peça dos “griots” da Gâmbia (os trovadores transportadores da palavra através dos tempos). São os sons que encerram a primeira parte do Templo das Heresias.”

1. Hadja Kouyate et Ali Boulo Santo (2) Agné tolona (5,30) “Manding – Ko”
2. Ali Farka Touré & Toumani Diabaté (7) Ai Ga Bani (4,34) “In the Heart of the Moon”
3. Abou Djouba I (11) Tono (4,21) “Ambiances du Saharal Desert Blues”
4. Bolong Suso /… (15) Allah l’aake (3,30) “Jali Kunda:Griots of west Africa & Beyond”

2ª Hora

“Uma melodia arabo-andalusa do Médio Oriente, uma cantiga occitana extraída do manuscrito “Le roman de flamenca”, do séc. XIII, uma cantiga de Santa Maria, de Afonso X o sábio e um canto do trovador Uc de Saint-Cirq (séc. XIII). São os sons que abrem a 2ª parte do Templo das Heresias”.

1. L’Ensemble Aromates (9) Chanteur de taverne (4,33) “Jardin de Myrtes”
2. Troubadours Art Ensemble (2) Beutat d’amor (4,13) “Flamenca! L’ardente flamme d’amour”
3. Música antiga da UFF (9) Des Oge mais (5,00) “Cânticos de Amor e Louvor”
4. Paniagua/ Tre Fontane/ Serghini (5) Tres enemies e dos mals senhors ai …” (5,00) “Luz de la Mediterrania”

(Separador)

A designação cantiga foi vulgarmente utilizada nos reinos castelhano e português, até meados do século XV, para se referir, na língua galaico-portuguesa, a uma composição poético-musical sagrada ou profana. De um total de aproximadamente duas mil cantigas galaico-portuguesas da Baixa Idade Média, existentes em vários cancioneiros, infelizmente apenas se conservaram com música as seis obras atribuídas ao jogral de Vigo Martim Codax e as pertencentes ao fabuloso espólio conhecido por “Cantigas de Santa Maria”.
A colecção de “Cantigas de Santa Maria” abarca 426 obras dedicadas à Virgem e foram compostas na segunda metade do século XIII, por volta de 1250-80, sob a direcção do então rei de Castela, Afonso X, el sábio (1221-1284). Pela sua coerência temática e formal, pela sua homogeneidade estilística, pelo seu número e até pela beleza dos próprios manuscritos que as contêm (alguns deles com luxuosas miniaturas), esta colecção tornou-se num fenómeno particular na história da música medieval e constitui o cancioneiro com mais variedade de temas acerca da Virgem Maria em toda a Europa.
Após as excelentes abordagens que Clemencic Consort, Sequentia, Grupo Sema, Jordi Savall, Alla Francesca, Esther Lamandier, Joel Cohen, Antequera, Ensemble Gilles Binchois e Eduardo Paniagua, entre outros, fizeram a este monumento medieval, e que aqui fomos destacando ao longo dos tempos, eis a vez da belíssima versão dos Obsidienne, um ensemble vocal e instrumental da Borgonha (França). Constituídos por dezasseis elementos e dirigidos por Emmanuel Bonnardot, os Obsidienne especializaram-se nos repertórios da Idade Média e do Renascimento e atingiram o auge da sua criatividade com o extraordinário registo “Miracle! Cantigas de Santa Maria d’ Alfonso el Sábio” (2007 Calliope), que aqui hoje destacamos.

(7) Quen na Virgen (6,25)
(3) Como somos per conssello(6,32)
(12) Non sofre Santa Maria (4,36)
(15) Mui gran dereit (2,12)

(Separador)

“Um hino ao amor baseado num texto bíblico e um salmo de inspiração religiosa. São os sons que encerram o Templo das Heresias de hoje”.

1. Zad Moultaka (8) Ohrub (8,51) “Anashid”
2. Soeur Marie Keyrouz (4) Atiru ilayka ya Rabbi (9,30) “Psaumes pour le 3 ème Millénaire”

Kal (Sérvia) / Delphine Aguilera & Marc Bellity (França/Tunísia)

2007-09-05T00:57:00.003+01:00

“Uma canção de embalar da Grécia, um canto cigano da Rússia, uma voz misteriosa da Bulgária e um tema da Turquia sobre a procura da felicidade. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

1. Nikos Kypourgos with Savinna Yannatou (5) Slumber … (3,22) “Traditional Lullabies”
2. Lilya Shishkova & Rosy Na Snegu (8) Pavlina Kylya (4,17) “Russian Gypsy Soul”
2. Yanka Rupkina (3) Dafino (4,48) “World Connection”
3. Senem Diyici Quartet (4) Altin Hizma (5,50) “Morceaux choisis”

(Separador)

Vindos provavelmente da Índia, bem antes do ano 1000, os ciganos nunca deixaram de contribuir para o desenvolvimento da cultura musical do planeta. Para onde quer que se dirigissem, ainda que vítimas da mais primária rejeição social e alvos da exacerbada crítica literária e cinematográfica, os ciganos continuam a manter as suas tradições. À margem das nossas evoluções tecnológicas e sociais, eles transportam consigo um Oriente quente, profundo e tribal.
Como nos recorda o historiador e filósofo Al-Firdusi, os ciganos cedo abraçaram um estilo de vida marginal, em que os músicos trocavam conhecimentos e prazer por dinheiro. À sua maneira, os músicos ciganos preservavam assim a tradição transmitindo-a através de emotivos cantos e declamações por poetas profissionais (como por ex. os “langa” ou “manghaniyar” do Rajastão ao serviço do seu mestre ou por músicos itinerantes como os ciganos do Afeganistão que cantam em “dari”, uma língua derivada do persa).
Desde a sua chegada à Europa no séc. XV, os músicos ciganos invariavelmente adaptaram o seu estilo com grande versatilidade às culturas que encontraram nas suas viagens. Nesse sentido o Húngaro Bártok considerou em 1933 que a denominação “música cigana” é, do ponto de vista científico, incorrectamente utilizada e aquilo a que se chama música cigana não é mais que a popular tocada por ciganos.
Ser-se cigano no séc. XXI na Sérvia implica navegar num campo de minas (social e cultural) potencialmente explosivo. Actualmente ninguém consegue abordar, com tanta propriedade, a história, os mitos, as tradições, os preconceitos e o orgulho comunitário cigano como o grupo Kal.
Revelando-se como a mais excitante banda dos subúrbios de Belgrado, os Kal acabaram de editar para a Asphalt Tango Records (2006) um registo sem título que funde as raízes dos blues dos Balcãs com o beat urbano.

(5) 5,56
(12) 4,25
(7) 3,29
(1) 4,43

“Um canto sagrado de Tagore, uma melodia dos montanheses do Tibete, um tema sobre a tranquilidade da noite em Gazli, no Uzbequistão e uma canção marroquina dos subúrbios magrebianos de Bruxelas. São os sons que encerram a primeira parte do Templo das Heresias”.

1. Evelyne Daoud (13 Akh Tagore …(4,44) “Chants sacrés / voix de femmes”
2. Yungchen Lhamo (3) Ari-lo (4,30) “Tibet, Tibet”
3. Sevara Nazarkhan (9) Gazli (5,35) “Yol Bolsin”
4. The Natacha Atlas & Marc Eagleton Project (3) Zitherbell (5,07) “Foretold in the Language of dreams”

2ª Hora

“Um texto da ilustre freira beneditina Hildegard Von Bingen, do séc. XII e um feliz encontro da música europeia com um canto devocional indiano”.

1. Ensemble Capella Floriani (2) O quanta … (8,58) “Songs of the Soul”
2. Aruna Saíram & Dominique Vellard (11) Naadabinda (7,42) “Sources: Devotional Chants of Southern Índia & Medieval Europe”

(Separador)

Nos séculos XII e XIII, um leque de canções emergia pela pena das “trobaïritz” (poetisas) e dos “trobadors” (poetas). Estes trovadores, poetas mas também músicos e compositores, são os primeiros artistas profanos a surgir na Europa, mais precisamente na região de Limousin, estendendo-se depois a toda a Provença.
Por volta de 1160, a estrutura e a temática dos trovadores foram adaptadas pelos “trouvères” do pais d’Oil (norte de França), pelos “Minnesänger” na Alemanha e por outros trovadores da Itália e de Espanha.
O status e as origens sociais destes trovadores eram diversificados: Se Guillaume IX era duque da Aquitânia e Jaufré Rudel príncipe de Blaye, já Cercamon (“aquele que correu o mundo”) e Marcabru (conhecido também por “pena perdida”) eram simples jograis. Bernard de Ventadour, que sucedeu a Aliénor d’Aquitânia na corte de Inglaterra, um dos principais trovadores na 2ª metade do séc. XII, era filho de um servo do castelo de Ventadour e, portanto, também de origem humilde.
Por outro lado, as Trobaïritz como Contesse de Die, Azalaïs de Porcairages, Na Caslelloza, entre outras, eram damas cultas da nobreza que se dedicavam a contar histórias para serem cantadas ou declamadas.
A francesa Delphine Aguilera, especialista em repertórios líricos e poéticos, e o tunisino Marc Bellity, que toca cistre e mandola (acompanhados pelas percussões orientais de Mathias Autexier), recuperam os trovadores medievais em “Fin Amor” (Buda Musique 2007). Trata-se de um registo que privilegia o amor cortês, impregnado de valores heróicos próprios da cavalaria (humildade, reserva, submissão, lealdade e fidelidade sem mácula do cavalheiro à sua dama), um amor realista e carnal, não que se dirija ao adultério, mas que evoque emoções delicadas.

(3) Méditation sur le thème de la Sybille Na Carenza (Anonyme)) (4,33)
(1) Prélude sur Annus Novus in Gaudio (Recueil Limousin) / A Chantar (Beatriz de Dia) (5,56)
(9) Improvisation instrumentale (D’après une réponse de Hildegard Von Bingen) / Rei Glorios (Guiraud de Bornelh) / Ave Rosa Novella (Motet du XII siècle de l’école Notre Dame) (9,04)

(Separador)

“Versões modernistas de composições do Llibre Vermell (séc. XIV), do manuscrito St. Martial, da abadessa beneditina do séc. XII Hildejard Von Bingen e de uma cerimónia religiosa. São os sons que encerram o Templo das Heresias”.

1. Hughes de Courson (1) Stella Splendens (4,45) “Lux Obscura: a medieval electronic project”
2. Pilgrimage (1) Campus Stella (5,10) “9 Songs of Ekstasy”
3. Garmarna (6) O vis aeternitates (3,40) “Hildegard Von Biñgan”
4. Lászlo Hortobágyi (4) Rex Virginum (6,00) “The Arcadian Collection”

Tinariwen (Mali) / Duo Trobairitz (Inglaterra)

2007-08-29T00:54:00.002+01:00

“Uma história palaciana sobre um rico Râjput da casta sodha do Rajastão e um tema de Qawwali do Paquistão de homenagem ao “enorme” Nusrat Fateh Ali Khan. Com estes sons vamos hoje abrir o Templo das Heresias”.

1. Chota Divana I (9) Khivaro (7.47) “ Chants de Palais et de Déserts”
2. Mehr & Sher Ali II (1) Shaama… (14.30) “ Hommage à Nusrat Fateh Ali Khan”

(Separador)

Provenientes da região de Kidal, a nordeste do Mali, os Tinariwen são um grupo de Tuaregues, berberes nómadas do Sahara, liderados pelo músico Ibrahim Ag Alhabib. No início eram três exilados entre as populações refugiadas em fuga do regime opressivo do Mali. Acolhidos num campo de treino militar de Kadafi, os Tinariwen aprenderam a lidar com armas, mas também com guitarras eléctricas, constituindo-se como grupo em 1979. As suas primeiras composições funcionaram como propaganda política dos rebeldes, e só em 2001 os Tinariwen ganharam identidade artística com a edição de “The Radio Tisdas Sessions”. Em 2004 os Tinariwen surpreenderam o mundo com a edição de “Amassakoul” (Emma Produtions/ Triban Union), um registo que mistura com sabedoria as sonoridades tradicionais tuaregues, mandingas, gnawas e árabes com os legados de gente como Chuck Berry, John Lee Hooker, Jimi Hendrix e Mick Jones. Em 2007, editam “Aman Iman: Water is Life”, para a Ponderosa e, uma vez mais, a música norte africana das regiões próximas do Sahara surge-nos injectada com blues, psicadelismo e acidrock em doses suficientes para que as guitarras e as fabulosas vozes masculinas e femininas que cantam manifestos políticos pareçam saídas de um outro planeta.
Depois de encantar em várias cidades portuguesas (Porto, Lisboa, Torres Novas e Loulé) e de “The Radio Tisdas Sessions” e “Amassakoul” se terem tornado conhecidos e apetecíveis, eis que finalmente “Aman Iman” é alvo de distribuição nacional, através da Megamúsica, razão mais do que suficiente para os voltarmos a destacar.

(1) Cler Achel (4.25)
(3) Matadjem Yinmixan (5.43)
(2) Mano Dayak (5.41)
(7) Imidiwan Winakalin (4.25)

(Separador)

“Um toque de soul e de blues existentes na música das regiões desérticas da Etiópia, um hino argelino à vida e à beleza da natureza e uma canção de amor característica da música árabo-andalusa. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias”.

1. Aster Aweke (6) Y’shebellu (7,25) “Aster”
2. Reinette L’Oranaise (1) Qum Tara (3,20 ) “Mémories”
3. Rosa Zaragoza (5) Btahi en modo sike (6,40) “Canciones de Judios, Cristianos y Musulmanes”

2.ª Hora:

“Temas do famoso Llibre Vermell de Montserrat, do séc. XIV, na abertura da 2.ª parte do Templo”

1. Ensemble Anonymus (Canadá) (9) Cuncti simus concamentes (5,27) “Llibre Vermell”
2. Ars Antiqua/Schola Cantorum de México (México) (2) Stella Splendens (9,02) “Llibre Vermell de Montserrat”
3. Theatrum Instrumentorum (Itália) (2) Los set goyts (4,55) “Llibre Vermell”

(Separador)

A dor do amor não correspondido, os prazeres da Primavera e o serviço cavalheiresco de um vassalo a uma dama são alguns dos temas das canções do disco “The Language of Love”, que nos faz entrar em contacto com diferentes aspectos do amor, tal como era abordado pela música e pela poesia dos trovadores medievais. Ao material literário existente nessa época é dada a designação de “canção do amor cortês”, embora agrupe diferentes géneros de canções. No Séc. XIII o tratado “Doctrina de compondre dictats” (Teoria da composição de poemas), atribuído a Jofre de Foixà, descreve pela primeira vez os diferentes tipos de poesia trovadoresca, entre outros, a canso, a alba, a dansa e o planh; por outro lado, menciona também as melodias dos poemas, a estrutura, a função e o modo de execução das canções.
Celebrando uma forma ideal de amor ou de paixão sexual, o conceito de amor cortês nasceu no séc. XII no Sul de França. Evoluiu depois para um código de conduta sofisticada e aristocrática, em que as mulheres eram apresentadas como objectos de adoração que se sobrepunham aos seus amantes. As regras tradicionais inverteram-se: a dama tornava-se no mestre e o senhor no humilde servidor. Na poesia dos trovadores o termo midons (“meu senhor”) era frequentemente usado para descrever a bem amada dama sempre desejosa de dominar o seu amante.
Os trovadores surgiram no Séc. XII e eram provenientes das cortes da Aquitânia, Poitou e Auvergne. Longe de serem entertainers ambulantes ou ministreis, eles eram de formação nobre e bem-educados; poetas hábeis, músicos e cantores, compunham poemas em língua d’Oc, também chamada occitana ou provençal. São estes trovadores medievais e é a temática do amor cortês que o Duo Trobairitz aborda em “The Language of Love” (Hyperion, 2007). Compõem o Duo, Faye Newton (soprano) e Hazel Brooks (vielle), que se conheceram na Guildhall School of Music and Drama, em Londres, onde começaram a partilhar a paixão pela música e poesia medievais. Subsequentemente trabalharam juntas no ensemble Concanentes e, em 2000, formaram o Duo Trobairitz, que aqui destacamos, para explorar o repertório cortês dos Trovadores.

(3) Lo rossinholet salvatge (Gaucelm Faidit) (9,50)
(10) Bele Doette (Anonymous) (9,04)

(Separador)

“Uma cantiga de amor, uma contrafacta, um romance sefardita e um tema da lenda de Tristão e Isolda. A música da época medieval no encerramento do Templo das Heresias”.

1. Anne Azéma (11) Caroles on “la verte olive” (7,43) “Le jeu d’Amour”
2. Supramúsica (7) Foi’o meu amigo (5,14) “Martin Codax: Cantigas de amigo”
3. Ensemble Wayal (1) Kuando el rey Nimrod (4,18) “Cantigas et Romances”
4. Joel Cohen (23) (3,31) “Tristan & Iseult”

Akim El Sikameya (Argélia) / Anabela Duarte (Portugal)

2007-01-07T01:19:00.002Z

“Uma canção do Alto Egipto sobre a beleza da aurora e dois temas hipnóticos dos poetas rebeldes Tuaregues do sul do deserto de Sahara. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Ganoub (10) Leli (6,26) “..en arabe veut dire sud”
(2) Tinariwen (3) Chatma (5,36) “Amassakoul”
(3) Tartit (2) Ansari (5,23) “Abacabok”

(Separador)

Akim nasceu no Orão, a capital do raï, de uma família proveniente do Tlemcen, um povoado onde o arabo-andaluz constitui o património cultural popular. Durante 16 anos, Akim frequenta a escola do famoso Nassim El Andalous, onde absorve a herança arabo-andalusa clássica, integrando, paralelamente, a orquestra do colégio Montesquieu. A ideia de modernizar a música arabo-andalusa para a tornar tão popular como o raï, leva Akim a fundar o grupo El Meya, que se torna conhecido por acrescentar a guitarra flamenca e o piano aos instrumentos tradicionais árabes e por transformar as noubas em canções. É, no entanto, a experiência do exílio que vai dar sentido à música de Akim. Em Marselha, começa por adoptar o apelido El Sikameya (cruzamento de sika e de meya, duas das noubas mais alegres da música árabo-andalusa) e editar em 1999 o álbum “Atifa-Oumi”, Nos últimos três anos, rodeia-se de vinte músicos argelinos, ingleses e franceses e edita “Aïni Amel”, um álbum onde Akim aboliu o tempo e as fronteiras da sua vida. Considera-o o seu jardim, a sua viagem interior, os seus olhos (Aïni) e a sua alma (amel); entre tradição e modernidade, Orão e Paris, alegria e nostalgia, é um jardim sem barreiras, situado no cruzamento de todas as fronteiras. Encarna os melhores aspectos da nossa época, feita de reencontros e mestiçagens, enquadrando elementos do universo árabo-latino, do Oriente místico, do flamenco, das cadências afro-hispânicas, das baladas serenas, das cores célticas, ciganas e brasileiras…

(15) 3,43
(5) 3,26
(12) 4,32
(6) 4,46
(8) 1,46

(Separador)

“Uma canção sobre os problemas causados pelo ciúme, um tema sobre as preocupações sociais e um encontro feliz entre a guitarra e a Kora. A música do Mali no encerramento da 1ª parte do Templo das Heresias”.

(1) Boubacar Traoré (1) (4,07) “Kongo Magni”
(2) Lobi Traore (13) (8,43) “Mali Blue”
(3) Ali Farka Toure & Toumani Diabate (7) (4,34) ”In the Heart of the Moon”

2ª Hora

“Um tema arabo-andaluz da Espanha Medieval, um canto trovadoresco do séc. XIII, um texto bíblico e uma cantiga de amigo de Martim Codax.”

(1) Calamus (6) Quddâm (8,06) “The Splendour of Al-Andalus”
(2) Eduardo Paniagua/ …(5) Tres enemics … (5,00) “Luz de la Mediterranea”
(3) Catherine Braslavsky (5) Beati (3,56) “Un jour d’entre les jours…”
(4) The Dufay Collective (1/) Quantas Saberes amar (5,49) “Music for Alfonso the Wise”

(Separador)

Tendo desenvolvido uma longa carreira de compositora e intérprete na área da música pop e experimental, Anabela Duarte manteve simultaneamente a sua ligação ao canto clássico e ao teatro musical. Aliando intuição e conhecimento, seriedade e desenvoltura, a sua capacidade como cantora que domina múltiplos géneros foi sempre reconhecida, o que a coloca num lugar muito especial da nossa história do canto.
A prova disso encontra-se no seu novo registo discográfico “Machine Lyrique” (2005 Dargil), onde o jazz, a pop e o cabaret mais requintado se unem para produzir diferentes e divertidas interpretações de clássicos de Boris Vian e Kurt Weill.
Boris Vian (1920-1959), Baron Visi e Vernon Sullivan são três nomes para o mesmo homem multifacetado e cuja vida correu em linhas tão imprevisíveis (para não dizer desorganizadas) que, em várias alturas, trabalhou em profissões tão diferentes como engenheiro, tradutor, trompetista de jazz, cantor, romancista e colunista. Embora melhor conhecido pelo seu brilhante romance L’Écume des jours, a produção de Vian também inclui thrillers escritos sob o nome de Vernon Sulivan, peças de teatro, contos e canções.
Como Vian, Kurt Weill (1900-1950) era um artista sem medo de cruzar fronteiras, se bem que nunca as tenha abolido de modo tão radical. Afirmou-se como compositor com a ópera O Protagonista, estreada em 1926, mas já era notória a sua intenção de trabalhar no teatro musical. Um objectivo que atingiu o seu apogeu através da sua colaboração com Bertolt Brecht. Após fugir da Alemanha Nazi em 1933, continuou a sua obra em Paris, e mais tarde nos EUA, onde ficou até à sua morte. E é através das obras de colaboração com Brecht – tais como A Ópera dos Três Vinténs (1928), A Ascensão e Queda da Cidade de Mahagonny (1930) e Os Sete Pecados Mortais (1933) – que continua a ser mais conhecido.
Graças à sua interpretação de Boris Vian e Kurt Weill, Anabela Duarte fez de “Machine Lyrique” uma obra de referência da sua carreira.

(2) 4,01
(3) 2,25
(10) 2,01
(12) 3,25
(13) 4,21

(Separador)

“Uma canção à Virgem Maria de Gautier de Coinci, uma cantiga trovadoresca de Lorraine, uma cantiga de amigo e uma cantiga de amor. Composições do séc. XIII no encerramento do Templo das Heresias.”

(1) Ensemble Alegria (França) (2) Quand voi… (5,54) “Gautier de Coinci: Les miracles de Nostre-Dame”.
(2) Ensemble Syntagma (Rússia/…) (10) Toz esforciez …(6,33) “Touz Esforciez: Trouvères en Lorraine”.
(3) Jordi Savall/... (Espanha) (1) Quantas Sabedes amar (0,3-4,34) “Du Temps et de l’instant”.
(4) Paulina Ceremuzynska (Polónia) (2) O que vos nunca cuidei a dizer (5,30) “Cantigas de amor e de amigo”.

Os melhores discos de 2006

2006-12-31T02:13:00.000Z

“O Templo das Heresias”
(Rádio Universidade de Coimbra)
Domingos Costa
http://templodasheresias.blogspot.com/

Em 2006 “O Templo das Heresias” continuou teimosamente a divulgar algumas das tendências menos conhecidas, mas simultaneamente das mais interessantes, do mundo da música. Nesta altura de balanços, não quer, naturalmente, deixar de chamar a atenção para algumas das (suas) maiores referências do ano.

Accentus Áustria - Romances Séfarades dans l'empire de la Sublime Porte (Arcana)
Ali Boulo Santo and Manding-Ko - Komo Féllé (Frikyiwa)*
Ali Farka Toure – Savane (World Circuit)
Boris Kovac & La Campanella - World After History (Piranha)*
Constantinople - Constantinople (Atma) *
Delroy Wilson - Better Music Come: The Anthology (Trojan)*
Dennis Alcapone - Guns Don't Argue: The Anthology 70-77 (Trojan)*
Desmond Dekker - You Can Get It If You Really Want: The Definitive Collection (Trojan)*
Diabolus in Musica - La Doce Acordance: Chansons de Trouvères (Alpha)*
Electric Gypsyland 2 (Crammed Discs)
Ensemble Jehan de Channey - Chants et Musiques du Moyen-Âge (Frémeaux & Associés)*
Etran Finatawa - Desert Crossroads: Tuareg & Wodaabe Nomads Unite (World Music Network)
Fin' Amor - Martin Codax: Cantigas de amigo (Pavane)*
L' Ensemble Aromates - Jardin de Myrtes: Mélodies andalouses du Moyen-Orient (Alpha)*
Les Fin' Amoureuses - Marions les Roses: Chansons & Psaumes, de la France à l’Empire Ottoman (Alpha)*
Ludovico Einaudi/Ballaké Sissoko - Diario Mali (Ponderosa)*
Maciej Malenczuk & Consort - Cantigas de Santa Maria (Warner)
Mariem Hassan – Deseos (Nubenegra)*
Millenarium - Chansons de Troubadours et Danses de Jongleurs (Ricercar)*
Montserrat Figueras - Lux Feminae (900-1600) (Alia Vox)
Music from the time of the Crusades (Virgin)
Parissa & Ensemble Dastan - Gol-E Behesht (Network)*
Qntal - Qntal IV: Ozymandias (Irond)
Romica Puceanu & The Gore Brothers - Sounds from a Bygone Age, Vol.2 (Asphalt Tango)
Sinfonye - Bella Domna: The Medieval Woman (Hyperion)
Taffetas – Taffetas (Most)*
Taos Amrouche - Chants Berbères de Kabylie (L'empreinte digitale)*
Taraf de Haïdouks - The Continuing Adventures (Crammed Discs)*
Tartit - Abacabok (Network)
Tinariwen – Amassakoul/The Soul Rebel of African Desert (Emma)*
Toots & The Maytals - Pressure Drop: The Definitive Collection (Trojan)*
Toumani Diabate's Symmetric Orchestra - Boulevard de L'Independance (World Circuit)
World Circuit Presents... (World Circuit)
Yanka Rupkina – Keranka (World Connection)*

* Estes discos têm data de edição anterior, mas só em 2006 foram divulgados em “O Templo das Heresias”

Tartit (Mali) / Dekameron (Polónia)

2006-09-27T00:12:00.002+01:00

1ª Hora

“Uma canção de amor da Mauritânia, um elogio à mulher proveniente do Níger, um tema dos poetas rebeldes do Mali desértico e um manifesto político dos Sahraoui, de Marrocos. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Malouma (9) Mahma El Houb (5,49) “Dunya”
(2) Etran Finatawa (2) A Dunya (5,03) “Desert Crossroads”
(3) Tinariwen (3) Chatma (5,36) “Amassakoul”
(4) Mariem Hassan (8) Id Chab (3,34) “The Rough Guide to the Music of the Sahara”

Separador

Os homens Tuareg do deserto do Sahara estão cobertos por véu, as mulheres não. A Sociedade Tuareg é uma das poucas do continente africano em que as mulheres estão autorizadas a escolher os seus maridos e para se divorciar deles se o entenderem.
Nada evoca com tanta autenticidade a imensidão do deserto do Sahara como a música dos Tartit, uma banda Tuareg constituída por cinco mulheres e quatro homens que residem na região de Timbuktu.(Mali)
A música dos Tartit é uma espécie de Trance hipnótica: as mulheres, sentadas, cantam e tocam ritmos cíclicos nos seus tambores típicos, enquanto os homens cantam e tocam instrumentos de corda acústicos e eléctricos.
A banda formou-se num campo de refugiados, tal como os Tínariwen, que já aqui destacámos, durante o levantamento Tuareg nos inícios dos anos 90. Os Tartit realizaram já pela Europa várias tournées, a mais recente fazendo parte dos concertos “Desert Blues”.
Depois de um registo editado pela Network (“Ichichila”), os Tartit regressam em 2006 com “Abacabok” para a Crammed, um registo gravado em Bamako e no norte desértico do Mali pelo produtor dos Congotronics, Vincent Kenis, no seu estúdio móvel. Distribuição: Megamúsica.

(2) 5,23
(5) 4,32
(9) 4,45
(12) 5,52

Separador

“Um tema inspirado na música clássica da Índia do Sul e um Khyal, a forma musical característica da Índia do Norte. A música do subcontinente indiano no encerramento da 1ª parte do Templo das Heresias”.

(1) Selvaganesh (3) Love to my brothers (8,40) “Soukha”
(2) Lakshmi Shabkar (2) Khyal … (11,45) “Les heures et les saisons”

2ª Hora

“Uma sibila Latina do séc. X e uma melodia judaica de Marrocos, do séc. XII”.

(1) Montserrat Figueiras (2) Femina Antiqua (10,14) “Lux Feminae”
(2) Meirav Ben David-Harel/ Yaïr Harel/Nima Ben David/ Michèle Claude (Israel) - (1) Yedidi …(7,11) “Yedid Nefesh: Amant de mon ame”

Separador

“O culto da Virgem Maria faz parte da civilização cristâ desde os seus primórdios. Começou por florescer na Europa medieval a partir das actividades de S. Bernardo e, subsequentemente, de S. Domingos. Desde o séc. XII algumas das mais esplêndidas igrejas foram construídas em louvor à mãe de Deus, inúmeras abadias e catedrais incluindo as de Notre Dame (Paris), Chartres e Rheims.
O séc. XIII assistiu à emergência das peregrinações aos santuários marianos de Montserrat, Puy, Rocamadour, Mariazell e a dezenas de outros lugares da Europa, onde os crentes oravam em frente a imagens e figuras miraculosas da Mão de Deus. A Madonna e o filho constituíram mesmo um dos motivos favoritos da iconografia medieval. Inicialmente foram apresentados com total esplendor, quase sempre rodeados por anjos em adoração. Com o passar do tempo, as imagens da Madonna começaram a perder a sua divina majestade e a esplendorosa, sorridente ou pensativa Mãe de Deus, emanando calor humano, tornou-se particularmente fechada ao Homem. As populações rezavam à Nossa Senhora para que intercedesse junto de Deus na concessão de graças; canções foram escritas para exultar a sua glória. Ela era a heroína de inúmeras lendas sobre eventos miraculosos. Entre as mais belas colecções de peças poéticas e musicais dedicadas à Mãe de Deus constam os “Miracles de Nostre-Dame” por Gautier de Coincy, de França, dos inícios do séc. XIII, a as Cantigas de Santa Maria, de Afonso X, o Sábio, de Castela, dos finais do séc. XIII.
As canções germânicas de louvor à Mãe de Deus são orações fervorosas com características íntimas e pessoais, mas também adaptações livres e perífrases de textos litúrgicos. Na Polónia, as canções marianas, a mais conhecida das quais foi Bogurodzica (“Mãe de Deus”), apareceram um pouco mais tarde que no Ocidente europeu. Muitas delas eram versões polacas de canções de outros países, como é o caso, por exemplo, de “Ave Mater o Maria”, importada de Itália.
São pois, temas da Espanha, França, Alemanha e Polónia medievais, dedicados à Virgem, que constituem o registo “Ave mater, o Maria”. Interpretam-nas o grupo polaco Dekameron.
Fundado em 1993 para popularizar a cultura musical da Europa da Idade Média, sobretudo dos séc. XII ao XV, os Dekameron liderados por Tadeusz Czechak servem-se de réplicas de instrumentos antigos construídos a partir sobretudo de iconografias medievais.

(13) 1,44
(2) 3,18
(1) 3,47
(5) 1,49
(4) 3,19
(17) 6,10

Separador

“Música do Antigo Egipto, da Roma Antiga e da Grécia Antiga”.

(1) Hathor Ensemble (9) Processional … (9,52) “Ancient Egypt: Music in the Age of the Pyramids”
(2) Synaulia (5) Synphoniaci (5,53) “Music from Ancient Rome, vol. 2: String instruments”
(3) Cristodoulos Halaris (3) Second Delphic Hyme (6,14) “Music of Ancient Greece” (T.T. 21,00)

Lullabies (ellipsis arts) / Ensemble Alpha (Portugal)

2006-09-12T00:38:00.002+01:00

“Uma canção tradicional da Sardenha, uma versão de um tema popular da Bulgária, um canto baseado numa melodia da Mongólia, e uma dança dos dervishes do vale das sombras. São os sons que abem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Ghjuvanpetru Lanfrsnchi (9) Brunetta (4,29) “David Rueff: Tra Ochju e Mare”
(2) Passio (1) Stava la madre (4,29) “Passio”
(3) Faraualla (5) Szerelem (1,34) “Faraualla”
(4) Nomad (9) Mokilikili (3,18) “Ciguri”
(5) Sainkho (6) Valley of Shadows (4,25) “Naked Spirit”

(Separador)

“Ao longo dos tempos e nos mais variadíssimos lugares, a canção tem sido um das expressões fundamentais da existência humana. Tal como os lamentos fúnebres, as celebrações dos casamentos, os cantos do trabalho e a música ritual, também as canções de embalar datam de tempos imemoriais. Intimamente e quase exclusivamente ligado a experiências femininas (as mães, naturalmente, mas também as avós, as tias, as amas…), as canções de embalar constituem o primeiro contacto das crianças com a música; mas é, também, o amor e a linguagem do coração que são transmitidos através destas canções, destinadas a acalmar as crianças e a conduzi-las serenamente ao sono.
Em termos musicais, as canções de embalar, sejam quais forem as suas proveniências, mostram um certo número de similaridades: versos simples, refrões baseados em cantos onomatopaicos, um número limitado de sequências melódicas que podem ser repetidas e ritmos suaves e monótonos para ajudarem as crianças a adormecer. A origem dos textos pode ser extremamente diversa: a promessa de um objecto ou de um brinquedo, a referência ao regresso de um pai ausente, a incorporação de temas religiosos, a evocação de circunstâncias próprias e pessoais dos intérpretes, sobretudo quando as crianças ainda não dominam a linguagem, etc.
Já aqui destacámos, em diversas ocasiões, alguns discos dedicados às canções de embalar (“The Planet Sleeps”, “Cuban Lullaby”, “Brazilian Lullaby”, “African Lullaby”, “Traditional Lullabies” de Nikos Kypourgos e Savina Yannatou, “Ninna Nanna”, de Montserrat Figueres, entre outros). Hoje vamo-nos debruçar sobre cinco antologias da etiqueta americana ellipsis arts …: “Latin Lullaby”, “Mediterranean Lullaby”, “American Lullaby”, “World Music for little ears” e “Lullabies for a small world”, autênticas viagens musicais ao mundo das canções de embalar.

(1) Nelie Lebron – A dormir ticura (0,52) Porto Rico
(2) Ntomb’khona Diamini-thula A Sul Latim(3,08) Zimbabwe
(3) Clara Alonso - Oguere (1,41) Cuba
(4) Chiara Civello – Ninna Nanna (3,39) Sicília
(5) Alessandra Belloni – Nia, Nia (3,00) Itália/ Grécia

(Separador)

“Uma tema basco sobre o exílio, uma canção tradicional da etnia saami da Lapónia e um canto dos índios Seri de Sonora (México) que acompanha o nascimento enceram a 1ª parte do Templo das Heresias”

(1) Pedro Soler & Benãt Achiary (7) Chant d’exil (4,59) “Prés du coeur sauvage”
(2) Wimme (6) Boaimmas (5,35) “Wimme”
(3) Yaki Kandru (3) Canto de los seri (7,00) “Music from the Tropical rainforest & other Magic Places”

2ª Hora

“Musica do Antigo Egipto”

(1) Ali Jihad Racy (Líbano) (2) The land of Blessed (6,56) “Ancient Egypt”
(2) Michael Atherton (Austrália) (17) Shen song (5,02) “Ankh: The Sound of Ancient Egypt”
(3) Rafael Pérez Arroyo/ The Hathor Ensemble (3) Iba Dance (6,59) ) “Ancient Egypt: Music in the age of the Pyramids”

(Separador)

As variadíssimas tradições de canto litúrgico cristão, ortodoxas e católico – romanas, não só reflectem a triste separação entre o Oriente helénico e o Ocidente latino, mas também mostram interligações, tanto com outras tradições de canto como com repertórios populares. São estes contrastes e ligações que fornecem o pretexto para a edição de “O Divina Virgo”, do Ensemble Alpha (2005 DARGIL).
”Kyrie Cunctipotens” em notação bizantina, de um manuscrito proveniente do centro de espiritualidade ortodoxa – O Monte Athos, na Grécia, é a obra emblemática do “convívio” Oriente/Ocidente e do disco; um hino à Virgem contado normalmente para concluir a anáphora (Cânon) da Divina Liturgia e um apolitíquio (hino de demissão) para a festa de São João Crisóstomo, exemplo paradigmático do canto do Mosteiro de Valaam (Rússia/Finlândia), um cântico da tradição carpato-russa entoado nas Grandes Completas de Natal são outros exemplos da vertente oriental na gravação.
Para representar a tradição ocidental em “O Divina Virgo”, está incluída uma série de obras medievais que mostram uma espiritualidade mais popular, entre as quais dois hinos em canto chão, publicadas em Espanha no séc. XVI, um virelai com refrão coral incluído no Llibre Vermell de Montserrat (séc. XIV) e textos de louvor à Virgem Maria (séc. XIII).
Interpretam “O Divina Virgo” O Ensemble Alpha, sediado em Lisboa, um grupo especializado nos contrastes e ligações entre várias tradições medievais de música sacra, com ênfase especial nas de países ortodoxos e da Península Ibérica, e com uma abordagem fortemente influenciada por diversas tradições populares.

(12) 4,21
(6) 3,07
(14) 3,11
(1) 4,43
(2) 4,01
(T.T. 19,23)

(Separador)

“Um tema sefardita., uma peça do Cancioneiro de Barbieri (séc. XVI) e um tema do séc. XII do Codex Calixtimius (Catedral de Santiago) São os sons que encerram hoje o Templo das Heresias.”

(1) Arianna Savall (2) Yo m’enamori (5,08) “Bella Terra”
(2) Begoña Olavide/ Mudejar (3) Los Sospiros (7,13) “Cartas al rey moro”.
(3) Ensemble Weltgesang (1) Dum Paterfamilias (7,36) “Primus Ex Apostolis”.

Ali Farka Touré (Mali) / Ensemble Jehan de Channey (França)

2006-08-27T23:47:00.004+01:00

1ª Hora

“Um tema dos nómadas da região do Kordofan, no Sudão, uma canção que exalta a beleza da aurora proveniente do Alto Egipto e um poema litúrgico dos Judeus do Noroeste Africano. São os sons que abrem hoje as portas do Templo das Heresias”.

(1) Abdel Gardir Salim All-Stars (6) Almaryood (4,46) “The Merdoum Kings play Songs of Love”
(2) Ganoub (10) Leli (6,26) “… en arabe veut dire Sud”
(3) Alain Chekroun & Taoufik Bestandji (3) Rahamekha (1,21 – 9,12) (7,51) “Chants des Synagogues du Maghreb”

(Separador)

“Ali Ibrahim Touré nascera em 1939, na aldeia de kanau, junto ao rio Níger, no nordeste do Mali; este ano, foi vencido pela morte, aos 67 anos de idade e 55 de carreira de sucesso. O sobrenome “Farka” (que quer dizer “burro”, isto é, “teimoso”), advém-lhe do facto de ter sido o primeiro filho dos seus pais a sobreviver à infância (nove irmãos haviam morrido antes de ele nascer). Apesar de ser de origem nobre, fazendo parte da etnia Arma, Ali Farka Touré não frequentou a escola e foi educado no campo. No entanto, muito cedo se interessou pela música. Começou por ganhar proeminência no Mali, nos anos 60, com a Orquestra da Rádio Mali, descobriu os blues, através da música de John Lee Hooker, mas só em 1976, quando contava já 37 anos, é que lançou o seu primeiro disco. Ligou-se então à editora inglesa World Circuit, resultando desse contrato nove álbuns: “Ali Farka Touré” (1988), “The River” (1990), “The Source” (1992), “Talking Timbuktu” com Ry Cooder (1994) com o qual ganhou um grammy, “Radio Mali” (1996), “Niafunké” (1999), “Red & Green” (duplo constituído por dois discos originalmente editados em vinil em 1979 e 1988) (2004), “In the Heart of the Moon”, com Toumani Diabaté (2005) e, finalmente, “Savane” (2006), editado após a sua morte.
Ao longo dos anos, fomos seguindo com atenção a carreira deste génio maliano, dedicando-lhe programas, cada vez que saía um disco seu. Faltava apenas debruçarmo-nos sobre “Savane”, o que, com justiça, acontece agora. Saído das mesmas sessões que originariam o álbum com Toumani Diabaté, “Savane” aproxima-se das texturas hipnóticas de “Niafunké”, sobretudo pela exímia utilização da njarka (violino de uma corda) e de “Talking Timbuktu” com Ry Cooder , pelo tom bluesy, principalmente do tema título. Delicado e sedutor “Savane” afigura-se-nos, desde já, como um dos mais importantes álbuns de World Music deste ano.

(5) Savane (7,43)
(10) Hommage a Anassi Coulibaly (5,05)
(1) Ewly (4,32)
(T.T. 17,00)

(Separador)

“Uma homenagem libanesa à famosa cantora de rembetiko Rita Abadzi; uma peça senegalesa que aproxima as raízes griot dos Mandingas e a produção contemporânea e um tema guineense sobre a importância do conhecimento e da sua transmissão. São os sons que encerram a 1ª parte do Templo das Heresias.”
1. Abaji - (3) For Rita (4,11) “Oriental Voyage”
2. Cissoko - (7) Miro (5,38) “Diam (la paix)”
3. Mory Kanté – (8) Loniya (6,05) “Sabou”

2ª Hora

“Música medieval da Noruega, França (séc. XII) e Catalunha (séc. XII)”
1. Agnes Buen Garnas - (9) Grisilla (7,15) “Rosensfole: Medieval Songs from Norway”
2. Oni Wytars - (6) Reis Glorios (5,24) “Amar y trobar: El Misterio en la Edad Media “
3. Els Trobadors – (8) I. Lanqand li jorn (4,43) “Et ades será l’alba”
(T.T. 17,22)

(Separador)

““O Ensemble Jehan de Channey, sediado em Avignon, dedica-se desde 1982 à interpretação dos repertórios da Idade Média e da Renascença. Quatro anos após a sua fundação, o grupo abriu um atelier para transmitir o gosto e a ciência da música antiga; em 1987, constituiu um grupo de dançarinos para criar nos seus espectáculos a ambiência medieval ou renascentista. Com várias edições pela De Plein Vent, o Ensemble Jehan de Channey é agora recuperado pelas edições Frémeaux & Associés.
O registo “Chants & Musiques du Moyen-Âge”, que agora se encontra disponível, reúne dois CDs representativos do interesse do Ensemble Jehan de Channey pela Idade Média: o primeiro intitula-se “Trouvères et Troubadours du XIII siècle” e o segundo “Cantigas de Santa Maria / Carmina Burana”.
Desde o séc. XI, uma poesia nova, o Trobar, surge na pena de Guilhem de Poitiers, duque da Aquitânia (1071-1126), o primeiro trovador. A partir daí emergia uma nova primavera de divertimento, amor e juventude, sem complexos, cheia de exuberância e na sua língua materna, a língua d’Oc ou Occitana. Esta poesia é cantada e declamada com toda a liberdade pelos troubadours do sul do Loire, de Limousin à Aquitânia e de Auvergne à Provença, ocupando todo o centro da França. Celebrizaram-se, por exemplo, Bernard de Ventadorn, Bernard de Born, Guiraut de Bornell, Peire Vidal... Paralelamente, no norte de França, surgiram, no século XII, os trouvères, na região parisiense e da Champagne a partir da corte de Thibaut IV, conde da Champagne e de Brie. Tal como os homólogos do sul, cantavam o amor cortês, mas faziam-no na língua d’Oil; celebrizaram-se, entre outros, Gautier de Coinci, Colin Muset, Gace Brulé, Conon de Béthune... Estes poetas-cantores são o alvo do primeiro CD de “Moyen-Âge: Chants & Musiques – XIII”.
No segundo CD, o grupo debruça-se sobre As Cantigas de Santa Maria e sobre Carmina Burana. As Cantigas de Santa Maria, num total de 426 obras dedicadas à Virgem, foram compostas na segunda metade do século XIII, por volta de 1250-80, sob a direcção do então rei de Castela, Afonso X, el sábio (1221-1284). Pela sua coerência temática e formal, pela sua homogeneidade estilística, pelo seu número e até pela beleza dos próprios manuscritos que as contêm (alguns deles com luxuosas miniaturas), esta colecção tornou-se num fenómeno particular na história da música medieval e constitui o cancioneiro com mais variedade de temas acerca da Virgem Maria em toda a Europa. A colectânea de canções, editada em 1847 pelo linguista Johan Andreas Schmeller a que chamou Carmina Burana devido ao respectivo local de origem (o Mosteiro beneditino de Benediktbeuren), datava de cerca de 1300 e continha poesia trovadoresca, sobretudo em latim. A maior parte dos poemas é de temática profana e de origem predominantemente goliardesca: daí o lado fortemente satírico ou claramente desbragado de alguns textos, com a sua celebração muito pagã dos prazeres do vinho, da gula e do deboche, que não excluem, aliás, a profunda interioridade das peças (quantitativamente minoritárias) de inspiração sacra.

I (19) (4,33) / II (8) (3,38) / I (25) (2,04) / II (11) (3,13) / I (13) (3,50) / II (18) (2,52) (T.T. 20,10)

(Separador)

“Uma sibila Latina do séc. X e uma melodia judaica de Marrocos, do séc. XII”.

(1) Montserrat Figueiras (2) Femina Antiqua (10,14) “Lux Feminae”
(2) Meirav Ben David-Harel/ Yaïr Harel/Nima Ben David/ Michèle Claude (Israel) - (1) Yedidi …(7,11) “Yedid Nefesh: Amant de mon ame”
(T.T. 17.25 )